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R.I.P. – Carla Bley

am 26. Oktober 2023

Das Bild entstammt dem Cover vom Album „Heavy Heart“ (1984).

Am 17. Oktober 2023 starb die großartige Komponistin und Pianistin Carla Bley im Alter von 87 Jahren an den Folgen eines Hirntumors. Ich konnte sie leider nur einmal erleben, aber mir ist ihr Konzert mit Charlie Haden’s Liberation Music Orchestra beim JazzFest Berlin 1982 noch in guter Erinnerung.

Der folgende Nachruf wurde der Washington Post vom 18.10. 2023 entnommen und mithilfe von DeepL übersetzt:

Carla Bley, eine unermüdlich erfinderische Komponistin, Arrangeurin, Pianistin und Bandleaderin, die in ihrem Werk sowohl die Avantgarde der 1960er Jahre als auch traditionelle Elemente der Melodie und Harmonie verarbeitete und den Klang des Jazz sechs Jahrzehnte lang prägte, starb am 17. Oktober in ihrem Haus in Willow, N.Y., in der Nähe der Catskill Mountains. Sie wurde 87 Jahre alt.

Wie ihre Tochter, die Komponistin und Jazzmusikerin Karen Mantler, mitteilte, erlag sie den Komplikationen eines Gehirntumors.

Mit ihrem schelmischen Humor, ihren verrückten Themen und ihrer minimalistischen Herangehensweise, mit weniger mehr zu machen, hatte Frau Bley einen sofort erkennbaren Sound, auch wenn sie sich auf konkurrierende Einflüsse von Swing, Bebop, Rock und Polka stützte, ganz zu schweigen von der deutschen Kabarettmusik und dem mageren, aber lyrischen Stil des Komponisten Erik Satie.

„Ich erkenne ein Carla-Bley-Stück sofort, wenn ich es höre“, sagte ihr Mitarbeiter Gary Burton, der Vibraphonist und Komponist, einmal dem Magazin DownBeat. „Es ist direkt. Es ist nicht kompliziert. Es gibt keine Schichten über Schichten subtiler Interaktion. Es ist eine sehr starke Melodie, eine sehr starke Harmonie, einfach aufgebaut. Carla will, dass ihre Musik einen direkt zwischen die Augen trifft.“

Aufgewachsen in einem streng evangelikalen Haushalt in der Bay Area, brach Frau Bley mit 15 Jahren die Schule ab und sagte, ihr Leben sei „ein Chaos“ gewesen, bis sie 30 wurde, als sie begann, mit Unterstützung ihres zweiten Ehemanns, des österreichischen Trompeters Michael Mantler, als Komponistin Fuß zu fassen. Sie war eine der relativ wenigen Frauen, die als Jazzkomponistin oder -instrumentalistin bekannt wurden, eine Auszeichnung, die sie nach eigenen Angaben zu ihrem Vorteil nutzen wollte: „Ich wollte die einzige Frau sein“, sagte sie 2016 der New York Times. „Ich war froh, dass ich in irgendeiner Weise herausstach.“

Zu den Kompositionen von Frau Bley gehörten Jazz-Standards wie das wehmütige „Ida Lupino“, benannt nach der Hollywood-Schauspielerin und Filmemacherin, sowie monumentale Stücke wie „Escalator Over the Hill“, eine Jazz-Oper – sie bezeichnete sie als „Chronotransduktion“ -, die ihr erstes Album als Bandleaderin war.

„Escalator“ wurde 1971 als Dreifach-LP veröffentlicht (sie war fast zwei Stunden lang) und enthielt ein Libretto des Dichters Paul Haines und Beiträge von Dutzenden von Musikern, darunter der Saxophonist Gato Barbieri, der Bassist Charlie Haden, der Gitarrist John McLaughlin, der Trompeter Don Cherry und die Sängerin Linda Ronstadt und Jack Bruce von der kürzlich aufgelösten Rockband Cream.

Mit seiner üppigen Orchestrierung und dem phantasievollen Text über die Gäste und das Personal eines verfallenen Hotels gewann die Komposition Jazzpreise in Großbritannien und Frankreich. Sie verhalf Frau Bley auch zu größerer Bekanntheit in den Vereinigten Staaten, wo sie 1972 ein Guggenheim-Stipendium für Musikkomposition erhielt und 2015 als National Endowment for the Arts Jazz Master geehrt wurde, eine der höchsten Auszeichnungen des Landes für Jazzmusiker.

Ihre musikalischen Interessen reichten jedoch weit über den Jazz hinaus und veranlassten Frau Bley sogar zu der Ankündigung, dass sie der Kunstform in den späten 1960er Jahren für einige Jahre „abgeschworen“ hatte, als sie sich von der radikalen Intensität des Free Jazz einem verspielteren Stil zuwandte, der von den Beatles und dem Saxophonisten Albert Ayler beeinflusst war, den sie als „rührselig auf die wunderbarste Weise“ bezeichnete.

Frau Bley tourte mit Bruce‘ Rockband – „Es war großartig; viele Limousinen und feine Weine“, erinnert sie sich – und schrieb die Musik für das Debütalbum „Fictitious Sports“ des Pink-Floyd-Schlagzeugers Nick Mason aus dem Jahr 1981, auf dem auch der ehemalige Soft-Machine-Sänger Robert Wyatt sang.

Jahrelang spielte sie auch Klavier und schrieb und arrangierte Stücke für das Liberation Music Orchestra, ein von Haden gegründetes, weit verzweigtes, politisch orientiertes Ensemble. Mit ihrem selbstbetitelten Debüt aus dem Jahr 1970, das sich auf Volkslieder aus dem Spanischen Bürgerkrieg stützte, spannte die Gruppe einen Bogen zwischen Jazz und Weltmusik. Auch nach Hadens Tod im Jahr 2014 trat die Gruppe unter der Leitung von Frau Bley auf und nahm Elegien und Umwelthymnen für das Album „Time/Life“ auf.

„Ihre Partituren für Big Jazz Bands werden nur von denen Duke Ellingtons und des verstorbenen Charles Mingus übertroffen, wenn es um sehnsüchtige Lyrik, explosiven Jubel und andere Ausdrücke des menschlichen Zustands dazwischen geht“, schrieb der Jazzkritiker Nat Hentoff 2001 in einem Profil für das Wall Street Journal und merkte an, dass Frau Bley sowohl für große Gruppen als auch für kleine Combos schreiben konnte.

Er fügte hinzu, dass „ihr freier Geist ihre Solisten ermutigt, ihre eigenen Stimmen zu erweitern und sich mit ihr selbst zu überraschen. Ich gebe ihnen nie irgendwelche Anweisungen“, sagt sie. Ich gebe ihnen nur die Akkordwechsel vor.“

Als Einzelkind wurde Lovella May Borg am 11. Mai 1936 in Oakland, Kalifornien, geboren. Da sie mit ihrem Vornamen unglücklich war, änderte sie ihn, indem sie den zweiten Vornamen ihres Vaters, Carl, annahm. Er war ein Kirchenorganist und Klavierlehrer, der Frau Bley ihre ersten Musikstunden gab. Ihre Mutter, die ebenfalls Kirchenorganistin war, erkrankte an rheumatischem Fieber und starb, als Frau Bley etwa 8 Jahre alt war, inmitten einer Kindheit, die Frau Bley als trist und repressiv beschreibt.

„Ich wurde mit Religion überschüttet, durchtränkt und hatte Angst, in die Hölle zu kommen“, sagte sie 1974 der Times. „Die einzige Musik, die mich damals bewegte, war die Kirchenmusik. Wenn ich ‚Nearer My God to Thee‘ hörte, brach ich zusammen.“

Im Alter von 13 Jahren sah sie den Vibraphonisten Lionel Hampton im Oakland Civic Auditorium. Frau Bley war wie verzaubert. Vier Jahre später fuhr sie mit einem Freund quer durchs Land nach New York, um Miles Davis im Café Bohemia in Greenwich Village zu sehen. Bald darauf fand sie einen Job als Zigarettenverkäuferin im Club Birdland und erhielt eine Ausbildung in Jazz, während sie Interpreten wie Count Basie und Thelonious Monk beobachtete.

Ihr Studium ging oft auf Kosten ihrer Kunden. Frau Bley erinnerte sich, dass sie Kunden, die nach einer Packung Luckies oder Camels fragten, anwies, bis zum Ende des Solos zu warten – oder besser noch bis zur Pause. „Ich war in der Kirche, und sie wollten Zigaretten rauchen? Das machte keinen Sinn“, sagte sie in einem Interview mit dem National Endowment for the Arts. „Also war ich so etwas wie die Hüterin des Kelchs, auf meine eigene unverschämte Art.“

Ein Kunde, der sie sehr beeindruckte, war der kanadische Pianist Paul Bley, ein Pionier der freien Improvisation. Sie heirateten 1957 und zogen nach Kalifornien, wo er einige ihrer frühesten Kompositionen förderte, auch wenn Frau Bley mit Unsicherheit und dem Hochstaplersyndrom kämpfte. „Ich ging damals zu einem Psychiater“, sagte sie, „der mir eine Elektroschocktherapie vorschlug, um das Gefühl loszuwerden, dass ich eine Komponistin sei.“

Langsam baute sie ihr Selbstvertrauen auf, unterstützt durch Auftragsarbeiten des Pianisten und Komponisten George Russell und durch die Zusammenarbeit mit Michael Mantler, den sie später heiratete. Gemeinsam gründeten sie das Jazz Composer’s Orchestra, ein Instrument für groß angelegte Avantgarde-Musik mit einer Reihe von Künstlern wie Barbieri, Cherry und Cecil Taylor. AllMusic-Kritiker Brian Olewnick bezeichnete später das Debütalbum der Gruppe, „Communication“ (1965), als eines der Meisterwerke der kreativen Musik der 60er Jahre“.

Frau Bley schrieb daraufhin ausgedehnte Kompositionen, darunter „A Genuine Tong Funeral“ (1968), das von Burton aufgenommen wurde und sich an den zerklüfteten Melodien von Kurt Weill orientierte. Durch die Ermutigung des Bassisten Steve Swallow, der ihr Partner für mehr als drei Jahrzehnte wurde, begann sie auch Klavier zu spielen. Später bildete sie mit Swallow und dem Saxophonisten Andy Sheppard ein Trio, mit dem sie Alben wie „Life Goes On“ (2020) aufnahm, auch wenn sich Frau Bley eher als Komponistin denn als Interpretin sah.

„Ich würde lieber Musik schreiben als sie aufzuführen“, sagte sie. „Ich bin im Nachteil, wenn ich improvisiere, da Jazzsoli sofort komponiert werden und ich ein langsamer und bedächtiger Komponist bin. Bis ich mir die nächste Note überlegt habe, könnte der Refrain schon vorbei sein.“

Die ersten beiden Ehen von Frau Bley endeten mit einer Scheidung. Im Jahr 2021 heiratete sie Swallow. Er und ihre Tochter sind ihre einzigen unmittelbaren Hinterbliebenen.

Als sie 2016 in einem Interview mit NPR auf ihre Karriere zurückblickte, erinnerte sich Frau Bley daran, dass sie ihr erstes Musikstück im Alter von 6 Jahren schrieb, mit einer Anleitung ihres Vaters, die auch mehr als 70 Jahre später noch nachwirkt.

„Er gab mir ein Blatt Notenpapier und sagte: ‚Du machst einfach Punkte. Und je nachdem, wo du die Punkte setzt, ist das die Note, die du hören wirst.‘ In der nächsten Stunde kam ich also mit einem Blatt voller Punkte an. Es war wie ein Sternenhimmel. Und er sagte: ‚Das sind zu viele Punkte.‘ Also habe ich die meisten weggenommen. Und ich arbeite immer noch daran, sie wegzunehmen.“
https://www.washingtonpost.com/obituarie

Meine Lieblingsalben mit Carla Bley:

1981 – Carla Bley live!
1983 – Liberation Music Orchestra – Ballad Of The Fallen
1984 – Heavy Heart
1988 – Carla Bley, Steve Swallow – Duets
1991 – The Very Big Carla Bley Band
2005 – Charlie Haden Liberation Music Orchestra – Not In Our Name

Playlist KW 42

von zappalott

am 21. Oktober 2023

in Musik

Lynyrd Skynyrd – Freebird (Live 1977)

Eagles – Hotel California (Live 1977)

Deep Purple – Child In Time (Live 1970)

Jethro Tull – Bourée (Live 1969)

Grand Funk Railroad – Inside Looking Out (Live 1969)

The Doors – Riders On The Storm (Official Music Video 2021)

AC/DC – Hells Bells (Live At River Plate, December 2009)

Vor 45 Jahren: „Studio Tan“ erscheint

von zappalott

am 17. Oktober 2023

in Musik

1978 erschien das zweite der vier Läther-Alben (In New York, Studio Tan, Sleep Dirt and Orchestral Favorites). Das Album beginnt mit dem epischen „Adventures of Greggery Peccary“ – mit über 20 Minuten ist dies, glaube ich, das längste Studiostück von FZ und konkurriert mit „Billy the Mountain“ um den längsten Song mit Text.

Die Titelfigur, Greggery, ist ein Peccary (eine Art Wildschwein), der in einer Werbeagentur arbeitet. Er versucht, dem amerikanischen Volk einen neuen Trend zu verkaufen, und erfindet schließlich den Kalender. Viele Menschen sind darüber unglücklich, denn das bedeutet, dass sie nun anfangen müssen zu altern und nicht mehr jung und hip bleiben können. Sie jagen Greggery, der vor ihnen flieht und sich in einer Höhle versteckt. Diese Höhle entpuppt sich als das Tor von „Billy the Mountain“, womit Zappas zwei epische Stücke miteinander verbunden werden. Die Geschichte ist albern, aber sie bietet Frank die Gelegenheit zur Gesellschaftskritik, indem er sich über Werbeleute, zeitraubende Trends, Menschen, die Drogen nehmen und versuchen, jung und hip zu bleiben, und New-Age-Philosophen lustig macht. Irgendwie frage ich mich, ob Frank sich langsam ein bisschen alt fühlte, wenn er bei seinen Konzerten in eine Menge von Teenagergesichtern schaute.

Musikalisch verknüpft Greggery eine Reihe von „losen Enden“. Melodien, die in seinen Konzerten, aber nicht auf Alben auftauchten, wurden verknüpft, und eine Menge neues Material wurde ebenfalls hinzugefügt. In diesem Lied höre ich Teile von „Approximate“ und „New Brown Clouds“ und natürlich „Billy the Mountain“ heraus.

Im Text wird „Big Swifty“ erwähnt, und ich war immer davon ausgegangen, dass dieser Abschnitt musikalisch aus dem gleichnamigen Song zitiert, aber laut Beiträgen in diversen FZ-Newsgroups ist das nicht der Fall. Es gibt wahrscheinlich noch einige andere, die ich übersehen habe. Dies ist ein Stück, auf das Zappa jahrelang hingearbeitet hat (so ähnlich wie „Inca Roads“), und es ist ein wahres Meisterwerk. Obwohl ich zugeben muss, dass es mehrere Anhörungen brauchte (und eine gewisse Vertrautheit mit dem Rest von Zappas Werk), bevor es bei mir wirklich „klick“ machte.

„Revised Music for Guitar and Low-Budget Orchestra“ ist eine gekürzte Version des Stücks, das auf dem Jean-Luc Ponty/Zappa-Album „King Kong“ erschien, allerdings mit Gitarre anstelle der Violine. Ich mag dieses Stück, aber es ist kein Lieblingsstück von mir. Andererseits sind viele von Zappas orchestralen Werken für mich nicht nachvollziehbar.

Falls jemand dachte, er würde sich mit einem Orchesterstück wichtigmachen, wird sofort eines Besseren belehrt, indem er das unglaublich alberne, aber erstaunlich eingängige Liedchen „Lemme Take You to the Beach“ folgen lässt. Mit einem Bongo-Solo des Schlagzeugers von Grand Funk Railroad weiß man, dass es gut sein muss ;-).

Das letzte Stück ist „RDNZL“, ein großartiges Instrumentalstück, das Progressive-Rock-Fans lieben könnten. Diese Version hat mich fasziniert, aber als „The Lost Episodes“ herauskam, war diese Version des Songs (mit Geige) noch besser. Auch die Live-Versionen sind meist beeindruckend. Es ist einfach ein großartiger Song, auch wenn niemand weiß, was der Titel bedeuten soll, er ist eine Quelle endloser Spekulationen in FZ-Newsgroups.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass „Studio Tan“ ein großartiges Album ist. Der einzige Grund, es nicht zu kaufen, wäre, wenn man bereits die CD-Veröffentlichung von „Läther“ hat, die das gesamte Album mit nur geringfügigen Änderungen enthält.

Fleetwood Mac – Rumours Live (2023)

von zappalott

am 17. September 2023

in Musik

Am 4. Februar 1977 veröffentlichte die britisch-amerikanische Rockband Fleetwood Mac ihr elftes Studioalbum „Rumours„, nachdem sie ein Jahr lang mit ihrem Leben nach dem Lustprinzip, Skandalen und Beziehungsabbrüchen zu tun hatte. Obwohl die Band mit Spannungen und Rückschlägen zu kämpfen hatte, schufen Mick Fleetwood, Stevie Nicks, Lindsey Buckingham, John und Christine McVie (die im November 2022 starb) zusammen mit den Produzenten Ken Caillat und Richard Dashut, meiner Meinung nach, das ultimative Meisterwerk dieser Band.

46 Jahre später wurde letzte Woche das neue Doppelalbum RUMOURS LIVE veröffentlicht. Warum erst jetzt frage ich mich? Man hört hier Fleetwood Mac in ihrer Blütezeit, live im Forum in Inglewood, Los Angeles County am 29. August 1977.

Nach der Veröffentlichung von Rumours begaben sich Fleetwood Mac auf eine mehrwöchige Welttournee. Als sie im August ’77 nach Kalifornien zurückkehrten, stand das Album bereits an der Spitze der Billboard Charts, wo es sich insgesamt 29 Wochen lang halten sollte. RUMOURS LIVE beinhaltet den ersten ihrer drei Auftritte im Forum vor 50.000 Fans und spiegelt die Freude, Leidenschaft und Begeisterung, die das Konzert auslöste.

Während der Show spielte die Band fast ausschließlich Stücke aus ihren Alben Fleetwood Mac (1975) und Rumours (1977). Sieben der 18 Titel stammen von ersterem, zehn von letzterem. Das einzige Stück, das von den beiden letzten Alben der Band abweicht, ist „Oh Well (Pt. 1)“ vom 1969er Album Then Play On.

Bei einer so gefeierten und erfolgreichen Band wie Fleetwood Mac ist es schon etwas Besonderes, wenn neue, bisher unveröffentlichte Aufnahmen zugänglich gemacht werden. Der einzige Track aus den Aufnahmen dieses Abends, der vor RUMOURS LIVE veröffentlicht wurde, war ihre Performance von „Gold Dust Woman„, die auf Rhino Records 2021er Deluxe Edition des Albums Live enthalten war, wo der 7-minütige Song als Bonustrack erschien.

In den Anmerkungen zu RUMOURS LIVE schreibt Sam Graham, Biograph der Gruppe: „Die Songs sind vertraut: Dreams, Go Your Own Way, Say You Love Me, Over My Head, und so weiter und so fort. Aber die meisten dieser Live-Versionen sind muskulöser, wilder als die Albumaufnahmen, angetrieben von der kraftvollen Fleetwood-John McVie-Rhythmusgruppe und Buckinghams fieberhaftem Gitarrenspiel; und anstelle einer auswendig gelernten Aufzählung der Hits dehnt sich die Gruppe im Konzert aus, wenn Songs wie Rhiannon, World Turning und I’m So Afraid auf der Bühne zu überschwänglichen Kraftakten erblühen.„

RUMOURS LIVE
Tracks:

CD1
1. “Say You Love Me”
2. “Monday Morning”
3. “Dreams”
4. “Oh Well”
5. “Rhiannon”
6. “Oh Daddy”
7. “Never Going Back Again”
8. “Landslide”
9. “Over My Head”
10. “Gold Dust Woman”

CD2
1. “You Make Loving Fun”
2. “I’m So Afraid”
3. “Go Your Own Way”
4. “World Turning”
5. “Blue Letter”
6. “The Chain”
7. “Second Hand News”
8. “Songbird”

Song-Geschichten

von zappalott

am 7. September 2023

in Musik

Viele große Rock- und Popsongs haben eine Hintergrundgeschichte. So auch „Light My Fire“ von den Doors.

Anfang 1966 waren erfahrene Rockbands, die regelmäßig in Clubs und Theatern in New York, Los Angeles und San Francisco auftraten, zunehmend frustriert von ihren Plattenfirmen. Unter dem Druck der kurzen Dauer von 45er Schallplatten und dem ständigen Druck, Hit-Singles zu liefern, wollten viele dieser Künstler längere Konzertversionen ihrer Songs auf Alben aufnehmen. Doch die Plattenfirmen und Produzenten zögerten. Studiozeit war teuer, und Alben, die mit ausgedehnten Soli und Jams vollgestopft waren, liefen Gefahr, langatmig und langweilig zu sein. Das Ergebnis waren schlechte Verkaufszahlen in den Läden und eine Schädigung des Rufs der Band. Ein weiteres Problem war, dass zu wenige junge Plattenkäufer*innen eine eigene Stereoanlage besaßen. Die meisten spielten die Singles auf tragbaren Plattenspielern ab, während die Alben mit ins Wohnzimmer genommen und auf den größeren Plattenspielern der Eltern abgespielt wurden. Zudem mussten Jugendliche damit rechnen, dass die Eltern verlangten, die Musik leiser zu stellen bzw. auszuschalten.

Die Doors gehörten zu den Bands, die die Single als erdrückend und das Album als die große Leinwand der Zukunft des Rocks betrachteten. Im Jahr 1966 unterschrieb die Band bei Elektra, einem damals unabhängigen Plattenlabel in Los Angeles. Die Doors traten häufig in Clubs auf dem Sunset Strip in Los Angeles auf, wo sie herausgefunden hatten, wie man Songs verlängern konnte, um die LSD-getränkte Menge auf den Tanzflächen zufrieden zu stellen. Das Ergebnis war eine psychedelische Rockmusik, die die bewusstseinsverändernde Wirkung von LSD-Trips nachahmte und verstärkte.

Im August 1966 nahmen die Doors eine 7:06 Minuten-Version von „Light My Fire“ für ihr gleichnamiges Debütalbum auf. Nachdem das Album im Januar 1967 erschienen war, erreichte es Platz 2 der Billboard-Charts. Ein paar Monate nachdem das Doors-Album im Januar 1967 erschienen war, rief Elektra-Gründer Jac Holzman an und sagte, das Label wolle eine Single von „Light My Fire“ für das Radio. Dave Diamond, ein UKW-Discjockey im San Fernando Valley, hatte die Albumversion gespielt und bekam eine Menge Anfragen.

Aber eine Single bedeutete, dass die lange Albumversion auf knapp drei Minuten gekürzt werden musste, damit die DJs sie spielen würden. Als die Gruppe das Ergebnis hörte, waren die Orgel- und Gitarrensoli weg. Produzent Paul Rothschild erklärte der Band: „Stellt euch vor, ihr seid siebzehn Jahre alt in Minneapolis. Du hast noch nie etwas von den Doors gehört, und das ist die Version, die du im Radio hörst. Hättest du ein Problem damit?“ Jim Morrison sagte: „Eigentlich gefällt sie mir ganz gut.“ Robbie Krieger: “Ich war nie verrückt nach der Albumversion. Sie war sehr leise abgemischt worden, um alles einzufangen. Im Radio war sie nicht sehr laut oder aufregend. Aber die Single hat mich umgehauen. Das Geheimnis war, dass Paul [Rothschild] Tesafilm um die Spindel der Tonabnehmerspule gewickelt hatte, damit sich das Band ein wenig schneller drehte. Dadurch wurde die Tonhöhe ein wenig höher und heller, und der Song wurde dringlicher“.

Im Mai 1967 wurde eine 2:52 Minuten-Single-Version von „Light My Fire“ veröffentlicht, sie kletterte auf Platz 1. 1998 wurde sie in die Grammy Hall of Fame aufgenommen.

Zitate wurden übersetzt und stammen aus dem Buch von Marc Myers „Anatomy of a Song. The Oral History of 45 Iconic Hits That Changed Rock, R&B and Pop“, Grove Press, New York, 2016.