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Buchtipp: Zappa und Jazz

am 9. Mai 2025

Obwohl Frank Zappa vor mehr als 30 Jahren starb, gilt er nach wie vor als eine Ikone der Kultur des 20. Jahrhunderts.

1973 sagte er bekanntlich: „Jazz ist nicht tot… er riecht nur komisch“, und in seinem Buch „Zappa and Jazz“ wirft Geoff Wills einen Blick auf Zappas weithin angenommene Abneigung gegen das Jazz-Genre.

Die Musik von Frank Zappa enthielt eine breite, ja verwirrende Palette musikalischer und kultureller Einflüsse, darunter auch Jazz. Aber Zappa wurde oft zitiert, dass er diese Musik und ihre Interpreten ablehnt, obwohl es zahlreiche Beweise dafür gibt, dass viele der Musiker, die er beschäftigte, stark mit dem Jazz verbunden waren. Das hielt ihn nicht davon ab zu sagen: „Jazz ist nicht tot…..er riecht nur komisch“ und „Ich hatte nie etwas mit Jazz zu tun. Da ist keine Leidenschaft drin. Es ist ein Haufen Leute, die versuchen, cool zu sein, und die nach einer Bestätigung für eine intellektuelle Gemeinschaft suchen“. Und das unverblümte „Ich mag keinen Jazz“.

Warum also dieses Beharren auf dem Misstrauen gegenüber dem Jazz? Geoff Wills deutet in seiner detaillierten Betrachtung der Jazz-Aspekte von Zappas Musik an, dass die Wurzeln seiner Abneigung gegenüber vielen Dingen neben dem Jazz in seinen Erfahrungen in den 1940er und 1950er Jahren zu suchen sind. Zappa war immer so etwas wie ein Außenseiter. Als italienisch-amerikanischer Schüler wurde er von seinen Mitschülern angefeindet, weil Italien während des Zweiten Weltkriegs ein Feind war. Und Wills weist darauf hin, dass Jazz nicht das einzige war, was Zappa zu stören schien. Er hegte eine Abneigung gegen Schulen, Lehrer, Politiker, Musiker und Menschen im Allgemeinen.

Wills ist der Meinung, dass Zappa, als er behauptete, Jazz nicht zu mögen, in Wirklichkeit seinen Gefühlen über das Jazz-Establishment und den Snobismus Ausdruck verlieh, den viele Jazz-Fans oft an den Tag legten, wenn sie anderen Formen der populären Musik begegneten. Wie sehr Zappa trotz aller gegenteiligen Behauptungen vom Jazz beeinflusst war und Musiker mit tadellosen Jazz-Qualitäten beschäftigte, lässt sich natürlich am besten anhand der vielen Platten, die er aufgenommen hat, nachweisen.

Wills stößt dabei auf einige sehr interessante Fakten. Frank Zappas Musik hat eine einzigartige und leicht wiedererkennbare Qualität, und sie synthetisiert auf brillante Weise ein breites Spektrum kultureller Einflüsse. Das Buch konzentriert sich auf den Einfluss des Jazz auf Zappa und versucht, die oft verwirrende Beziehung zwischen ihm und dem Jazz zu klären. Zappas frühe Jahre werden untersucht, von seinem ersten Ausflug in ein Aufnahmestudio bis zur Gründung und Entwicklung seiner Band „The Mothers of Invention“.

Es gibt ausführliche Kritiken der wichtigsten Jazz-Alben „Hot Rats“, King Kong, „The Grand Wazoo“ und „Waka/Jawaka“. Nebenbei analysiert Wills Zappas Musik und die weiteren Einflüsse, die für seine Einstellung nicht nur zum Jazz, sondern zur Gesellschaft im Allgemeinen entscheidend waren.

Das Buch schließt mit einer Diskussion über Zappas Ähnlichkeit mit orthodoxeren Jazzern, sein Vermächtnis und den Einfluss auf jazzbezogene Musik. Dieses Buch spricht alle Zappa-Fans an, die neue Einblicke in seine Musik suchen, sowie aufgeschlossene Jazz-Hörer und alle, die sich für den Schmelztiegel der Musik des 20. Jahrhunderts interessieren.

Geoff Wills, Zappa and Jazz: Did it really smell funny, Frank? Verlag Matador 2015 - ISBN 13: 9781784623913

Quellen: abebooks.de | Penniless Press On-Line

Politischer Jazz? Ja, den gibt es!

von zappalott

am 5. Mai 2025

in Allgemein, Musik

Charlie Haden – Liberation Music Orchestra, Impulse AS 9183, aufgenommen im April 1969, erschienen 1970

55 Jahre alt, aber immer noch ein wichtiges musikalisches Zeitdokument, das damals ein Zeichen gesetzt hat.

Sollte Musik eine politische Haltung einnehmen? Kann Musik polemisch sein? Ein deutliches „Ja“! Max Roach mit „Freedom Now“, Charles Mingus mit „Fables of Faubus“, Louis Armstrong mit „Black and Blue“ und Billie Holiday mit „Strange Fruit“ – sie alle haben Musik für ihren Protest genutzt. Die Botschaften dieser Künstler bezogen sich auf Ethnien; Hadens Botschaft hatte eine breitere politische Tragweite.

Das Amerika der sechziger Jahre war von Demonstrationen und Protesten zersplittert, von denen einige rassistisch, die meisten jedoch politisch motiviert waren. Präsident Kennedy wurde ermordet, ebenso sein Bruder Robert. Martin Luther King wurde erschossen. Der Vietnamkrieg lief schlecht. Massenproteste waren an der Tagesordnung. Haden war der Meinung, dass es eine Möglichkeit geben sollte, die Proteste gegen das Vorgehen der USA in Vietnam mit Musik zu unterstützen.

Haden sagte: „Das Album wurde konzipiert, als Nixon Kambodscha bombardierte. Ich rief Carla Bley an und sagte: ‚Ich möchte eine Platte mit politischen Liedern machen“. Gemeinsam entwickelten sie die Idee des Liberation Music Orchestra. Zunächst beschlossen sie, eine Suite mit Volksliedern aus dem Spanischen Bürgerkrieg zusammenzustellen: „El Quinto Regimento“, „Los Cuatro Generales“ und „Viva La Quince Brigade“. Schließlich steuerte Haden zwei Stücke bei, Carla Bley drei, Ornette Colemans „War Orphans“ wurde ebenso verwendet wie das „Lied der Einheitsfront“ von Brecht Eisler. Diese Hymne war in den 1930er Jahren als Protest gegen die Nazis komponiert worden.

Bei der Aufnahme in New York gab es ein kleines Publikum: Gil Evans war da, Carla Bley erinnerte sich: „Es gab auch andere besondere Gäste – Überlebende einer legendären Gruppe von Freiwilligen, die im Spanischen Bürgerkrieg gegen Generalissimo Franco gekämpft hatten. Charlie hatte auch noch lebende Mitglieder der Lincoln-Brigade eingeladen, die im Publikum saßen. Mindestens sechs von ihnen saßen mit ihren Frauen da und kratzten sich am Kopf und fragten sich, was das für eine Musik sei.„

Hadens Hintergrund war ungewöhnlich. Er begann sein musikalisches Leben mit der Haden Family Group. Die Familie hatte ihre eigene Country- und Western-Radioshow. Haden sang mit der Gruppe, bis er an Kinderlähmung erkrankte und dadurch seine Gesangsstimme verlor. Er griff zum Bass und zog 1957 nach Los Angeles, wo er Paul Bley, Don Cherry und Ornette Coleman kennenlernte. Haden spielte 1958 zum ersten Mal mit Ornette und Paul Bley im Hillcrest Club in Los Angeles. Als Ornette nach Osten zog, ging Haden mit ihm und sie nahmen eine Reihe von Alben für Atlantic auf, die den Jazz revolutionierten. Zur gleichen Zeit änderte Haden sein Bassspiel.

„Ich musste sofort lernen, hinter Ornette zu improvisieren, was nicht nur bedeutete, ihm von einer Tonart zur anderen zu folgen und die verschiedenen Tonarten zu erkennen, sondern auch so zu modulieren, dass die Tonarten ineinander übergingen und die neuen Harmonien richtig klangen. Ich habe die Herausforderung sehr begrüßt, denn es bedeutete, mein Gehör zu benutzen, wie damals, als ich als Kind im Mittleren Westen mit meiner Familie Country-Musik aus dem Radio sang, und ich musste alle Harmonieteile kennen – meine und die der anderen -, wenn wir zusammenpassen wollten. Da gab es kein ‚Ich kenne sie nicht‘. Du musstest sie kennen.“

Zu dieser Zeit begann Carla Bley, Anerkennung zu finden. Sie hatte „A Genuine Tong Funeral“ für Gary Burton geschrieben. Sie arbeitete an ihrer Oper „Escalator Over The Hill“. Ihre Musik hatte einen individualistischen Kern, und sie verstand es, ihrer Musik eine kraftvolle Stimme zu verleihen. Auf diesem Album kam ihr zugute, dass sie Musiker mit unverwechselbar starken Stimmen hatte: Gato Barbieri, Roswell Rudd und Dewey Redman. Bewundernswert ist, dass es Bley gelang, unterschiedliche Elemente miteinander zu verbinden. „The Four Generals“ war ein Lied über den Kampf um Madrid im Jahr 1936. Die spanischen Lieder, die mit den revolutionären Liedern der 1930er Jahre verschmolzen sind, beginnen mit der Gitarre von Sam Brown. Die Klänge, die Bley erschafft, erinnern an die Klänge, die Gil Evans hervorrief, als er die spanischen Marschkapellen auf ‚Saeta‘ in ‚Sketches of Spain‘ nachspielte.

„Song For Che“ war dem 1967 in Bolivien ermordeten Revolutionsführer Che Guevara gewidmet. Das Original war erst wenige Wochen zuvor mit Haden und Ornette Coleman auf dem Album „Crisis“ aufgenommen worden. Das Stück wurde geradezu berüchtigt, als Haden es 1971 in Portugal mit Ornette Coleman spielte, damals ein faschistischer Staat, und er das Stück den Freiheitskämpfern widmete. Die Polizei verhaftete ihn, verhörte ihn und eskortierte ihn zum Flughafen. Auf dem Album wird die Tiefe, Eindringlichkeit und stille Würde von Hadens tief empfundener Hymne schließlich von Dewey Redman und Don Cherry aufgegriffen.

In „Circus ‚68 ‘69“ wurden die Musiker in zwei Gruppen aufgeteilt, um darzustellen, was 1968 auf dem demokratischen Parteitag geschah, als die Delegierten, die „We Shall Overcome“ sangen, vom Orchester des Parteitags übertönt wurden, das auf Anweisung des Vorsitzenden des Parteitags konventionellere Lieder spielen sollte: „You’re a Grand Old Flag“ und „Happy Days Are Here Again“.

Der offenkundig politische Inhalt des Albums gefiel den höheren Rängen der Eigentümer von Impulse/ABC, nicht, und das Album erhielt bei der Erstveröffentlichung nicht viel Werbung. In den darauffolgenden Jahren wurde das Orchester neu formiert, weil Haden der Meinung war, dass Protest nötig war. Das letzte Album „Time/Life“ wurde in der Zeit vor Hadens Tod aufgenommen und hatte die Zerstörung der Umwelt zum Thema. Charlie Haden starb im Jahr 2014.

Es ist interessant, darüber zu spekulieren, was Haden als Reaktion auf den Krieg in der Ukraine geschaffen hätte. Haden schrieb über das Originalalbum: „Die Musik auf diesem Album ist der Schaffung einer besseren Welt gewidmet, einer Welt ohne Krieg und Töten, ohne Armut und Ausbeutung, einer Welt, in der alle Regierungen die Bedeutung des Lebens erkennen und danach streben, es zu schützen, anstatt es zu zerstören. Wir hoffen auf eine neue Gesellschaft der Erleuchtung und Weisheit, in der kreatives Denken die dominierende Kraft im Leben aller Menschen wird.„

Quelle: jazzviews.net | jazzhistoryonline.com

Hörtipp: Dimitri Howald

von zappalott

am 17. Januar 2025

in Allgemein, Musik

Das Album „Southern Return“ des Schweizers Dimitri Howald wird zwar unter dem Label Jazz geführt, es ist aber bei weitem kein reines Jazzalbum – also auch für diejenigen, die der Musikgattung sonst nichts abgewinnen können, ein Grund mal hineinzuhören. Es lohnt sich!

Sein drittes Soloalbum „Southern Return“ kombiniert zeitgenössische Jazzmelodien und -harmonien mit Drum-Machine, sparsam eingesetzten Synthiesounds und Einsprengseln brasilianischer Musik.

Bis auf Sebastian Lötschers Violine im Stück „Serafin“ hat Howald alle anderen Instrumente im Alleingang eingespielt. Die Stücke haben alle eine gewisse Leichtigkeit, sind manchmal melancholisch und einschmeichelnd charmant. Im Vordergrund steht dabei Howalds Gitarrenspiel, überwiegend akustisch, aber auch mal fast rockig, wie im eingängigen „16-8“. Mit „Southern Return“ ist Howald ein sehr abwechslungsreiches Album gelungen, dass auch klanglich eine Empfehlung wert ist.

Lennie Tristano

von zappalott

am 23. Dezember 2024

in Allgemein, Musik

Leonard Joseph Tristano (19. März 1919 – 18. November 1978) war ein amerikanischer Jazzpianist, Komponist, Arrangeur und Lehrer für Jazzimprovisation.

Tristano absolvierte ein Bachelor- und Masterstudium in Chicago, bevor er 1946 nach New York City zog. Er spielte mit führenden Bebop-Musikern und gründete seine eigenen kleinen Bands. Sein Quintett nahm 1949 die ersten freien Gruppenimprovisationen auf. Tristanos Innovationen setzten sich 1951 mit den ersten improvisierten Jazz-Aufnahmen mit Overdubs fort, und zwei Jahre später nahm er ein atonales improvisiertes Soloklavierstück auf, das eher auf der Entwicklung von Motiven als auf Harmonien beruhte. In den 1960er Jahren entwickelte er sich über Polyrhythmik und Chromatik weiter, wurde aber nur selten aufgenommen.

Musiker und Kritiker schätzen Tristano als Musiker unterschiedlich ein. Einige beschreiben sein Spiel als kalt und meinen, dass seine Innovationen wenig Einfluss hatten; andere erklären, dass er eine Brücke zwischen dem Bebop und späteren, freieren Formen des Jazz war, und behaupten, dass er weniger geschätzt wird, als er sollte, weil die Kommentatoren ihn schwer kategorisieren konnten und weil er sich nicht kommerziell betätigen wollte. [Wikipedia]

Meine Album-Empfehlung:
Lennie Tristano, auch bekannt als Tristano, ist ein Album aus dem Jahr 1956. Bei seiner Veröffentlichung war das Album wegen seines innovativen Einsatzes von Technologie umstritten, da Tristano bei den ersten vier Titeln das Klavier überspielte und die Bandgeschwindigkeit manipulierte, um bestimmte Effekte zu erzielen.

Obwohl Tristano als hervorragender und innovativer Bebop-Pianist galt, hatte er sechs Jahre lang keine Aufnahmen mehr gemacht und eine Jazzschule gegründet, in der er sich stattdessen auf das Unterrichten konzentrierte. Die ersten vier Stücke dieses Sets schockierten die Jazzwelt zum Zeitpunkt ihrer Veröffentlichung. Der Grund dafür war, dass Tristano bei diesen vier Originalstücken – „Line Up“, „Requiem“, „Turkish Mambo“ und „East Thirty-Second“ – die Klavierlinien tatsächlich überspielte und das Aufnahmeband zur Verstärkung des Effekts auf und ab bewegte.

Zur Frage der Bandgeschwindigkeit fügte er hinzu: „Wenn die Leute denken, dass ich das Klavier auf ‚Line Up‘ und ‚East Thirty-Second‘ beschleunigt habe, ist mir das egal. Was mich interessiert, ist, dass das Ergebnis für mich gut geklungen hat.“ Der mitwirkende Bassist Peter Ind, der sich später dazu inspirieren ließ, dieselbe Technik auf seinem eigenen Album „Looking Out“ zu verwenden, argumentierte im Gegensatz zu denjenigen, die dies für eine trügerische Technik halten, dass es sich einfach um ein weiteres Werkzeug handelt, das ein Künstler zur Gestaltung seines Werks einsetzen kann.

Obwohl der Effekt durchaus hörbar ist und nur im besten Sinne des Wortes stört, war dies zu dieser Zeit buchstäblich unerhört. Die letzten fünf Stücke auf der Platte wurden live mit der Rhythmusgruppe von Bassist Gene Ramey, Schlagzeuger Art Taylor sowie Peter Ind (bass) und Jeff Morton (dr) aufgenommen. Lee Konitz spielt auf fünf Stücken Altsaxophon.

Die Stücke sind allesamt Standards, darunter „These Foolish Things“, „Ghost of a Chance“ und „All the Things You Are“. Das Album punktet mit einem schönen Zusammenspiel zwischen Lee Konitz und Lennie Tristano und herausragenden harmonischen Ideen. Dies ist ein großartiges Album mit einer schönen Gegenüberstellung der ersten und zweiten Hälfte, wobei das rhythmische Genie von Tristano als Improvisator in der ersten Hälfte voll zur Geltung kommt, und er in der zweiten Hälfte zeigt, dass er ein überragender swingender Pianist ist.

Michael Franks – Professor der Coolness

von zappalott

am 22. Dezember 2024

in Allgemein, Musik

Wenn man ihn noch nicht kennt, alte Fotos von ihm anschaut, dazu seinen seidenweichen Gesang hört, denkt man vielleicht: „Wie hat dieser Kerl, der aussieht wie ein Englischlehrer an einer Highschool, einen Plattenvertrag bekommen?“ Oder man fragt sich: „Der macht Jazzmusik?“

Ganz so falsch liegt man damit gar nicht. Vor dem Beginn seiner 50-jährigen Musikkarriere lehrte Michael Franks (Jahrgang 1944) zeitgenössische Literatur an der Universität von Kalifornien, in Los Angeles. Der Gelehrte verbrachte das erste Viertel seines Lebens damit, die Gedichte von Theodor Roethke, einem US-amerikanischer Lyriker, zu studieren, und bemühte sich nie um eine musikalische Ausbildung – abgesehen von den sechs kostenlosen Unterrichtsstunden, die in der japanischen Marco-Polo-Gitarre für 29,95 Dollar enthalten waren, die er mit 14 Jahren kaufte. Doch während seiner College-Ausbildung entdeckte er Jazz, Bossanova und die Klänge der Cool-Jazz-Bewegung der Westküste. Er entdeckte Künstler wie Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, Dave Brubeck, Mose Allison und Miles Davis, die alle bald zu seinen Vorbildern werden sollten.

Nachdem er einen Lehrauftrag an der Universität erhalten und die Tonleitern seiner Jazzgrößen gelernt hatte, begann Franks, eigenes Material zu schreiben und Filmmusik zu komponieren, bevor er sich schließlich auf Solopfade begab. Auf sein erstes, gleichnamiges Debüt bei Brut Records folgte 1976 der Durchbruch mit dem Album „The Art of Tea“, der ihm eine lange Zukunft bei Warner Brothers Records sicherte.

Seine Musik orientierte sich an den ausgefeilten Jazz-Arrangements von Tom Jobim (Bossanova ist ein bedeutender Einfluss auf seine Herangehensweise an das Gitarrenspiel) und brachte seine ultra-weiche Stimme in die Gleichung ein, um der „Quiet Storm“-Bewegung zum Durchbruch zu verhelfen. „Quiet Storm“, benannt nach dem Album von Smokey Robinson aus dem Jahr 1975, war ein Subgenre der 70er Jahre, das ursprünglich ein Radioprogramm bei WHUR-FM in Washington D.C. war. Der berühmte DJ Melvin Lindsey kuratierte das Programm mit einem „neuen Sound“, der aus zeitgenössischem R&B bestand, der in einem sanften, romantischen, jazzbeeinflussten Stil vorgetragen wurde, und Franks war einer der Anführer dieser Bewegung. Franks blieb seinem einzigartigen Pop-Jazz treu, ging aber auch mit der Zeit. Während er seinen Wurzeln verbunden blieb, begann er in den 80er Jahren Synthesizer und eine tänzerischere Produktion einzubauen und landete irgendwo in einer Uptempo-Jazz-meets-Synth-Pop-Welt.

Sein drittes Album, „Sleeping Gypsy“ (1977), das den Song „The Lady Wants to Know“ enthält, wurde teilweise in Brasilien aufgenommen. Zu dieser Zeit schenkte der Perkussionist Ray Armando Franks eine Cabasa, die zu seinem Markenzeichen wurde, das er auf der Bühne spielte, wenn er nicht gerade seine Gitarre einsetzte. Das Album „Burchfield Nines“ (1978), auf dem auch der Song „When the Cookie Jar Is Empty“ zu hören ist, spiegelt seinen Umzug nach New York City wider und weist einen eher ostküstentypischen Sound auf. Seitdem hat Franks mehr als 15 Alben aufgenommen.

Michael Franks hat vor einigen Jahren die Liner Notes zu einer neu aufgelegten Retrospektive seiner Alben verfasst, in denen er über seine vielen Jahre in der Musik reflektiert. Hier sind einige Auszüge:

„Wenn ich die Songs dieser Sammlung betrachte, von denen die meisten aus meinen 24 Jahren bei Warner Bros. stammen, werde ich an all die wunderbaren Musiker erinnert, mit denen ich das Vergnügen hatte, Aufnahmen zu machen, und bin beeindruckt von ihnen.

Die Kompositionen in dieser Anthologie offenbaren, denke ich, meine beständigen musikalischen Einflüsse über die Jahre hinweg: Jobim, Jazz-Standards, R&B, das Great American Songbook. Sie enthalten auch Verweise auf mein lebenslanges Interesse an Kunst und Literatur. Was Sie in dieser Musik finden, ist eine ausführliche Skizze meines Lebenswerkes.

Meine Lieder sind fast immer autobiografisch in dem Sinne, dass sie meist mit einer persönlichen Erfahrung oder Beobachtung beginnen. Sie drücken oft, sehr wörtlich, meine eigenen persönlichen Gefühle aus. Ich habe sie auf allen Kontinenten außer der Antarktis aufgeführt und bin immer wieder erstaunt, wie sie mich mit meinen Fans auf der ganzen Welt verbinden, wie Perlen auf einer „Perlenkette“, wie mein Guru es ausdrückte.

Wenn ich zusammenfassen müsste, wie ich mich derzeit in Bezug auf meine Karriere fühle, würde ich sagen, dass „Dankbarkeit“ das erste Wort ist, das mir in den Sinn kommt. Ich bin dankbar für meine Lebenserfahrungen, sowohl die guten als auch die schmerzhaften. […]. Ich bin dankbar, dass ich seit 35 Jahren verheiratet bin, dass ich Vegetarier bin, dass ich in den Wäldern lebe, umgeben von der Natur, die ich so sehr schätze. Ich bin all den Musikern, Arrangeuren, Produzenten und Tontechnikern dankbar, die mit mir auf dieser musikalischen Reise zusammengearbeitet haben. Obwohl ich von Natur aus ein zurückgezogener Mensch bin, habe ich die Gesellschaft von Musikern immer geliebt und das „Abhängen“ immer genossen. Die meisten von ihnen zähle ich zu meinen lebenslangen Freunden. Ich vermisse diejenigen, die von uns gegangen sind, aber ich bin zutiefst dankbar, dass ihre Musik weiterlebt.“

Er schließt mit den Worten: „Die Musik treibt mich in die Zukunft. Auf wunderbare und wundersame Weise flüstert sie mir immer zu und zirkuliert in meinem Kopf. Ich nehme an, in diesem Sinne schreibe ich immer.“

Wer seine Musik kennt, wird dem sicherlich zustimmen. Er ist der „Professor der Coolness“: Michael Franks.

Neuer Jazz

von zappalott

am 20. Oktober 2024

in Musik

Avishai Cohen
Ashes to Gold
2024
ECM 2822
Hörprobe „Ashes To Gold, Pt.3“

Vehement reagiert der Trompeter aus Tel Aviv auf den turbulenten Geist einer unruhigen Zeit und führt seine Band durch eine fünfteilige Suite, die eine ganze Bandbreite an Emotionen durchwandert – abwechselnd hoffnungsvoll, verzweifelt, erzürnt und zutiefst melancholisch. Die melodische Direktheit des abschließenden Stücks „The Seventh“, komponiert von Avishai Cohens Teenager-Tochter, bietet einen tröstlichen Kontrast zur Intensität der Suite. Dazwischen wendet sich Cohen dem eindringlichen Adagio assai aus Ravels G-Dur-Klavierkonzert zu, das seit langem zu den Höhepunkten des Live-Sets der Gruppe gehört. Ashes to Gold wurde im November 2023 in den Studios La Buissonne in Südfrankreich aufgenommen.

Daniel García Trio
Wonderland
2024
ACT 9996-2, 614427999627

Es tut sich etwas in der spanischen Jazz-Szene. Blieb man in Madrid, Barcelona und Sevilla lange eher unter sich, erlangte in den letzten Jahren eine ganze Generation aktueller spanischer Jazzmusiker:innen internationales Renommee und das in einem Maße, dass man durchaus von einer Bewegung sprechen kann. Elementarer Teil dieser Bewegung: Der 1983 in Salamancha geborene Pianist Daniel García, der sich in den letzten zehn Jahren mit seinem Trio einen Namen als einer der wichtigsten Vertreter des Jazz seines Heimatlands erspielt hat – auf über 300 Konzerten quer durch Europa und bis nach Japan. Die Besetzung der Band steht für eine weitere Besonderheit der spanischen Szene: Viele Musiker:innen aus Kuba fanden hier aufgrund der gemeinsamen Sprache eine zweite Heimat – und brachten ihre hervorragende musikalische Ausbildung und ihre Einflüsse mit. So auch Bassist Reinier „El Negron“ und Schlagzeuger Michael Olivera die die ebenso tight, wie sensibel agierende Rhythmusgruppe des Daniel García Trios bilden.

„Wonderland“ ist das dritte Album des Daniel García Trios auf ACT. Waren die Vorgängeralben „Travesuras“ (2019) und „Vía de la Plata“ (2021) noch von deutlichen Einflüssen aus Flamenco und traditioneller spanischer Musik geprägt, hat sich García nun davon emanzipiert. Die Flamenco-Anleihen auf „Wonderland“ sind subtiler und stehen neben einer ganzen Palette von Inspirationen aus Modern Jazz, Klassik, Pop und Einflüssen aus der Karibik und dem mittleren Osten. Zugleich symbolisiert „Wonderland“ eine innere Suche: Daniel García zitiert in den Liner Notes des Schweizer Psychologen Carl Gustav Jung: „Wer nach außen schaut, träumt, wer nach innen schaut, erwacht.” García lädt seine Zuhörer, die eigenen Gefühle und Gedanken zu erforschen – in „eine intime Welt aus Träumen und Ängsten, Illusionen und Hoffnungen, die unser Selbst formt und uns hilft, unsere Umgebung zu verstehen“.

In den zwölf Songs des Albums durchschreitet Daniel García verschiedene innere Räume und kreiert aus diesen eine zusammenhängende Erzählung. Mit dem kraftvollen „Gates to the Lands of Wonders“ betreten wir die Gefühlslandschaft. Es folgt der Titelsong, in dem als Gast der israelische Gitarrist Gilad Hekselman unisono mit dem Bandleader die sonnige Melodie spielt. „Ich liebe seinen Sound und seine Kompositionen“, so García. „So eine kreative Kraft! Ich mag Gitarristen, die auf solch menschliche Weise durch ihr Instrument sprechen“. Das sanfte „Mi Bolita“, das García seinem neugeborenen Neffen widmet und das verspielt-energische „Witness the Smile“ mit seiner Ohrwurm-tauglichen Melodie zeigen die kubanischen Einflüsse des Pianisten auf – und natürlich auch den seiner Mitstreiter Reinier „El Negron“ und Michael Olivera. „Sie sind meine Brüder“, schwärmt García. „Wenn ich mir von allen auf der Welt zwei Musiker aussuchen dürfte, ich würde trotzdem die beiden wählen! Wir sind eine Einheit.“

„Es fällt mir schwer, meine Musik zu kategorisieren“, sagt García. „Es fühlt sich an, als würde man versuchen, das Meer in eine zu Kiste sperren– sie läuft nur über! Ich liebe Klassik, ich liebe Musik aus dem Mittleren Osten, ich liebe Rock, ich liebe Singer/Songwriter! Inspiration kann von überall kommen. Das Intro von ‚The Gathering‘ wurde beispielsweise durch eine Melodie inspiriert, die ich auf den Straßen von Salamanca gehört habe.“ Zwei bemerkenswerte Stimmen runden das Album ab, die madrilenische Sängerin Verónica Ferreiro und die katalanische, in New York ansässige Sängerin Lau Noah. In „You and Me” singt sie: „Take my hands/Now, come and dance/Time to forget the wounds/All the scars, the pain”. Eine Einladung, den Schmerz im Tanz zu vergessen – und für Daniel eine Art, die Welt zu verbessern, wenn auch nur für einen Moment. Er sagt „Um uns herum passieren so viele Tragödien. Wir können wenig tun, außer an uns selbst zu glauben und gut zu anderen sein.“ Das die Kraft der Musik die Welt verbessert mag utopisch klingen. Aber man nimmt dem eher leisen, immer lächelnden, warmherzigen Daniel García den Glauben daran ab. Und es lohnt sich, ihn auf dem Weg durch sein „Wunderland“ zu begleiten.

Daniel García / piano, vocals
Reinier “El Negrón” / double bass
Michael Olivera / drums, vocals

special guests:
Gilad Hekselman / guitar
Lau Noah / vocals
Verónica Ferreiro / vocals

Quelle: ACT Music

HINWEIS:
Daniel Garcia Trio
06.11.2024 um 20.00 Uhr 
Altes Rathaus, Markt 4
Göttingen
(Konzert im Rahmen des 47. Göttinger Jazzfestivals)