Die Del Fuegos waren eine vierköpfige Band aus Boston, die mit ihrem leidenschaftlichen, schnörkellosen Stil auf der eher garage-orientierten Seite des Roots-Rock-Booms der 1980er Jahre für Furore sorgte und (zumindest eine Zeit lang) die Gunst der Kritiker und eine treue Kultanhängerschaft zu Hause und auf Tournee gewann.
Die Del Fuegos wurden 1980 gegründet und bestanden aus dem Gitarristen und Sänger Dan Zanes, seinem Bruder Warren Zanes an der Gitarre, dem Bassisten Tom Lloyd und dem Schlagzeuger Steve Morrell. Ständige Auftritte in Bostoner Clubs verschafften der Band einen guten Ruf, der sich mit den ersten Low-Budget-Tourneen der Band an der Ostküste verbreitete. Während die Del Fuegos damit begannen, ein Album für das legendäre lokale Label Ace of Hearts Records aufzunehmen, sprang 1984 das berühmte Indie-Label Slash Records aus Los Angeles ein und nahm die Band unter Vertrag, die im Herbst desselben Jahres ihr erstes Album, The Longest Day, veröffentlichte.
Zu diesem Zeitpunkt hatte sich Steve Morrell von der Band getrennt, und der ehemalige Embarrassment-Schlagzeuger Woody Giessmann hatte das Schlagzeug übernommen. The Longest Day war eines der ersten Alben, das vom ehemaligen Ronnie Montrose-Keyboarder Mitchell Froom produziert wurde. Die Platte kam bei Kritikern und Fans gleichermaßen gut an, und die Del Fuegos schienen mit ihrem zweiten Album, Boston, Mass. 1985, kurz vor dem kommerziellen Durchbruch zu stehen.
Obwohl „Don’t Run Wild“ und „I Still Want You“ im Radio und auf MTV gespielt wurden und das Album begeisterte Kritiken erhielt, war es nicht der Hit, auf den einige gehofft hatten, und die selbstbewussteren Mitglieder der Musikwelt begannen, der Band den Rücken zuzukehren, nachdem sie in einer weithin sichtbaren Bierwerbung auftraten. Auf ihrem dritten Album versuchte die Band, einen ehrgeizigeren Sound und eine größere musikalische Bandbreite zu erreichen, aber Stand Up von 1987 erhielt schlechte Kritiken und wenig Unterstützung von den Fans, obwohl die Del Fuegos auf einer ausgedehnten Tournee mit dem bekannten Fan Tom Petty auftraten (der auch als Gast auf Stand Up zu hören war), bei der die Gruppe das Vorprogramm mit den Replacements teilte.
Nach dem enttäuschenden Erfolg von Stand Up verließen sowohl Woody Giessmann als auch Warren Zanes die Del Fuegos, und Slash ließ die Band fallen. 1989 beschlossen Dan Zanes und Tom Lloyd, der Band eine neue Chance zu geben. Sie holten den Gitarristen Adam Roth und den Schlagzeuger Joe Donnelly an Bord und nahmen ein neues Album auf, Smoking in the Fields, das zwar von den Kritikern besser aufgenommen wurde als Stand Up, aber kommerziell ein Flop war. Dan Zanes setzte seine Solokarriere fort und hatte mit der Zeit Erfolg mit einer Reihe von hochgelobten Kinderalben, während Warren Zanes 2002 nach vielen Jahren in der akademischen Welt mit einem guten Soloalbum, Memory Girls, zur Musik zurückkehrte.
Der 2011 verstorbene Sänger, Songwriter, Musiker, Romanautor, Dichter und Aktivist war wohl einer der einflussreichsten Künstler, die seit den 1960er Jahren auf den Musikmarkt kamen.
Malik Al Nasir, Dichter, Musiker und Aktivist, der früher unter dem Namen Mark Watson bekannt war, hat in seinen Memoiren „Letters To Gil“ eine ganz besondere Geschichte zu erzählen. Im Wesentlichen handelt es sich um eine erweiterte Fassung eines Nachrufs, der ursprünglich im Guardian erschien.
Im Alter von neun Jahren wurde Al Nasir in Pflege genommen, als sein Vater nach einem Schlaganfall gelähmt war. Der erste Teil des Buches ist ein bewegendes, düsteres Porträt von Liverpooler Pflegeheimen in den späten 1970er und 1980er Jahren, einem System, das sich in den meisten Fällen als missbräuchlich, rassistisch, vernachlässigend und ausbeuterisch erwies (einige Gerichtsverfahren dauern bis heute an). Dies ist die Situation, die zu den Toxteth-Unruhen im Sommer 1981 führte, in großem Maßstab.
Doch 1984 ändert sich das Leben von Al Nasir im Alter von 18 Jahren völlig, als er in eine Aufführung von Scott-Heron im Liverpooler Royal Court gerät und seinem Helden begegnet.
Von da an werden die beiden gute Freunde, und Scott-Heron wird sein Mentor, der ihn über das Musikgeschäft und die Geschichte der Schwarzen unterrichtet und seine Gedichte liest und kritisiert (obwohl Al Nasir bei ihrer ersten Begegnung praktisch Analphabet ist). Al Nasir begleitet Scott-Heron auch auf mehreren Tourneen und wird zu seinem Vertrauten und Assistenten, und die spannendsten Abschnitte des Buches befassen sich mit den Erlebnissen des Reisens an der Seite eines Weltklassemusikers. Später gibt es einen bewegenden Abschnitt, in dem Al Nasir Scott-Heron während einer sehr dunklen Zeit in dessen Zeit im Gefängnis besucht, und wir erfahren viele Details über Gils traurigen Tod und die verschiedenen herzlichen Huldigungen, die danach entstanden sind.
„Letters To Gil“ ist ein Muss für jeden, der sich auch nur im Geringsten für Scott-Herons Werk und seine Beziehung zu der anderen wichtigen Proto-Rap-Band The Last Poets (mit der Al Nasir ebenfalls befreundet war und zusammenarbeitete) interessiert.
Aber es gibt auch Probleme mit dem Buch: Manchmal fehlt es an Selbsterkenntnis/Reflexion, was vielleicht ein Stilmittel zu sein scheint denn ein absichtliches Ausweichen. Es hätte auch von einem strengeren Lektorat/Korrektorat profitiert – es gibt viele Wiederholungen. Es ist schade, dass mehrere schöne Fotos, die im Guardian-Artikel enthalten sind, hier fehlen. Es muss auch gesagt werden, dass Al Nasirs Poesie, die über das ganze Buch verstreut ist, trotz ihrer kraftvollen Botschaft viel zu wünschen übriglässt.
Vielleicht ist es bezeichnend, dass die bewegendsten Worte des Buches nicht von Al Nasir, sondern von Scott-Heron selbst stammen. Er sprach über das Mantra, das ihm seine Großmutter beigebracht hatte, und fasste dann seine Erfahrungen mit der Betreuung von Al Nasir zusammen:
Wenn du jemandem helfen kannst, warum tust du es nicht? Nimm die Gelegenheit wahr, ergreife die Chance, die du ihnen bietest, und werde ein vollwertiger Erwachsener, ein Künstler, ein Gentleman, ein Vater, ein Ehemann und ein Bruder des Friedens und der Großzügigkeit. Du hast das Gefühl, dass die Geister dich auf besondere Weise berührt haben, weil sie einen deiner Träume erfüllt gesehen haben.
The Babys waren eine britische Rockgruppe. Die Originalbesetzung der Babys bestand aus dem Gründungsmitglied, dem Keyboarder, Gitarristen Michael Corby, und in der Reihenfolge ihres Eintritts in die Gruppe aus dem Sänger, Bassisten John Waite, dem Schlagzeuger Tony Brock und dem Gitarristen Wally Stocker.
Wie es zum Namen der Gruppe kam, erklärte John Waite 1979 in einem Interview:
„Der Name war als Scherz gedacht. Wir nahmen den Namen einfach deshalb an, weil die Plattenfirmen nicht auf Bands hören wollten, die sie für Rock & Roll hielten. Ich meine, sie wollten todsichere Teenie-Bands, Vor-Teenie-Bands. Wir konnten niemanden dazu bringen, uns zu hören, um einen Plattenvertrag zu bekommen, also haben wir uns The Babys genannt. Wir dachten, wir behalten den Namen nur für zwei Wochen. Dann sprach sich in London herum, dass es eine Band gab, die Rock 'n' Roll spielte und The Babys hieß, und das schien so abwegig, so völlig verrückt, dass es einen Versuch wert war. Es hat wirklich den Sinn für Humor von allen angesprochen."
Die Karriere der Babys, die Ende der 70er Jahre zwischen Hardrock und New Wave angesiedelt waren und Hits von orchestralen Balladen bis hin zu glattem Pop/Rock produzierten, war kurz, aber produktiv. Um John Waites Gesang und den flotten Sound der Band herum begannen sie als Rock-Inspirierte mit einer sentimentalen Ader und landeten mit Balladen wie „Isn’t It Time“ und „Every Time I Think of You“ erste Erfolge. Dank eingängiger Songs wie „Back on My Feet Again“ und „Midnight Rendezvous“ wurden sie zu einer festen Größe im Radio, und ihr Album Union Jacks von 1980 erwies sich als ihr größter Verkaufsschlager. Mehr als dreißig Jahre nach ihrer Auflösung formierte sich die Band ohne Waite neu und veröffentlichte 2014 das Album I’ll Have Some of That.
Die Anfänge der Band gehen auf ein Treffen zwischen dem Gitarristen Mike Corby und dem Musikimpresario Adrian Millar im Jahr 1973 zurück, bei dem beschlossen wurde, dass Corby eine Band zusammenstellen würde, die Millar managen sollte. 1974 begannen die Proben, bei denen sich der Schlagzeuger Tony Brock (der bereits in zahlreichen Bands wie Spontaneous Combustion gespielt hatte) und der zweite Gitarrist Gordon Hawtin durchsetzen konnten. Als nächstes kam der Bassist John Waite hinzu, und als Hawtin die Gruppe verließ, übernahm Waite auch die Gesangsaufgaben.
Die Gruppe begann mit der Arbeit an einem rifflastigen und hart rockenden Sound, der von Gruppen wie Free und Mott the Hoople beeinflusst war. Unter der Leitung von Millar nahmen sie ein Demo mit zehn Liedern auf, das ihnen jedoch keinen Plattenvertrag einbrachte. Corby verließ die Band 1976 und wurde durch Wally Stocker ersetzt. Sein Weggang war jedoch nur von kurzer Dauer und er kehrte rechtzeitig als Keyboarder der Band zurück, um ein Video mit fünf neuen Songs aufzunehmen, das als Demo an die Labels geschickt wurde. Dieser neuartige Ansatz funktionierte und Chrysalis Records machte dem Quartett ein lukratives Angebot, das sie gerne annahmen.
Die Gruppe arbeitete mit den Produzenten Bob Ezrin und Brian Christian an ihrem selbstbetitelten Debütalbum, das Rocksongs mit streicherlastigen Balladen kombinierte. Die Leadsingle „If You’ve Got the Time“ vereinfachte ihren Sound auf radiotaugliche Weise, aber weder der Song noch das Album fanden Anklang bei den Plattenkäufern. Die Babys waren zwischen Hardrock, Punk und Pop gefangen und passten nirgendwo so recht hinein, vor allem nicht in Großbritannien, wie eine etwas desaströse Minitournee mit The Damned deutlich machte. Das Album weckte jedoch das Interesse in den USA, und schon bald zogen die Babys nach Los Angeles, wo sie mit Elliot Roberts einen neuen Manager bekamen, dessen großer Kunde zu dieser Zeit Neil Young war.
Das nächste Album nahm die Band in L.A. auf. Broken Heart von 1977 war eine Mischung aus harten Rocksongs und stark orchestrierten Balladen wie „Isn’t It Time“. Der Song erreichte Platz 13 der Billboard-Singles-Charts, das Album schaffte den Sprung in die Top 40, und die Band bekam den dringend benötigten Auftrieb. Nach Unstimmigkeiten in der Band, ob sie ein orchestriertes Pop-Album (Corbys Idee) oder ein Country-Album (Waites Idee) machen sollten, verloren sie diesen Schwung schnell wieder und verschwendeten Zeit und Geld im Studio, um Musik zu machen, mit der niemand, vor allem nicht das Label, zufrieden war. Corby verließ die Band, und nach einigen Umstrukturierungen schrieb und nahm das verbliebene Trio eine Reihe neuer Songs auf, mit denen alle zufrieden waren.
Das Ergebnis war „Head First“ von 1978, und die erste Single, die Ballade „Every Time I Think of You“ – ein weiteres gemeinsames Werk von Conrad und Kennedy – erreichte fast die Top Ten der Single-Charts und das Album belegte Platz 22 der Billboard-Charts in den USA. Um die Besetzung für die folgenden Tourneen zu vervollständigen, fügten sie den Keyboarder Jonathan Cain und den Bassisten Ricky Phillips hinzu, wodurch Waite auf der Bühne zum echten Frontmann wurde.
Sie gingen mit Alice Cooper auf Tour und kehrten dann zur Arbeit an ihrem dritten Album zurück. Cain beteiligte sich am Songwriting, Produzent Keith Olson verlieh den Songs eine Radiotauglichkeit, und die Gruppe entschied sich für einen Sound, der weniger balladesk und stärker synthesizerlastig war und insgesamt mehr New-Wave-Einflüsse hatte. Union Jacks wurde 1980 veröffentlicht und konnte sich fast genauso gut in den Albumcharts platzieren und brachte eine Reihe von Radiohits hervor, darunter „Midnight Rendezvous“ und „Back on My Feet Again“.
Die Band tourte mit Journey und ging dann schnell wieder ins Studio. Die Aufnahmen verliefen nicht reibungslos und sorgten für Spannungen zwischen den Bandmitgliedern. Olson saß wieder an den Reglern und der Sound war ähnlich, aber zwei Alben im selben Jahr zu veröffentlichen, war hart für die Band und trug nicht zu ihrem Gemütszustand und letztlich auch nicht zu ihrer Karriere bei. Trotz der starken Leadsingle „Turn and Walk Away“ blieb das Album knapp außerhalb der Top 40. Trotz wachsender Unzufriedenheit in ihren Reihen kehrte die Band auf die Bühne zurück, aber die Tournee endete abrupt, nachdem sich Waite bei einer Show in Ohio verletzt hatte.
Die Band beschloss kurz darauf, getrennte Wege zu gehen. Waite startete eine Solokarriere, die durch den großen Erfolg des Songs „Missing You“ unterstrichen wurde, und Cain schloss sich Journey an, während Stocker und Brock jahrelang in der Band von Rod Stewart spielten. In den späten 80er Jahren fanden Waite, Cain und Phillips in der Gruppe Bad English wieder zusammen, wo sie mit dem Song „When I See You Smile“ einen Hit landeten. Die Babys weigerten sich bis 2013, sich neu zu formieren, als Stocker und Brock mit Waites Segen eine Band zusammenstellten und begannen, neue Songs zu schreiben. Zusammen mit Sänger,Bassist John Bisaha und Gitarrist Joey Sykes brachten sie 2014 das Album I’ll Have Some of That heraus und spielten in der Folge zahlreiche Konzerte. 2019 veröffentlichte HNE Recordings das karriereübergreifende Box-Set Silver Dreams: Complete Albums 1975-1980, das seltene Live-Tracks und das 1975 aufgenommene Demo der Gruppe enthält.
Die Gruppe besteht wohl weiterhin, auch wenn keine neuen Veröffentlichungen entstanden sind. Aktuelle Mitglieder sind:
John Bisaha – bass guitar, lead vocals (2013–heute)
Wally Stocker – lead guitar (1975–1981, 2013–heute)
Sandy Denny, geboren als Alexandra Elene MacLean Denny (6. Januar 1947 – 21. April 1978), war eine englische Singer-Songwriterin und Leadsängerin der britischen Folkrock-Band Fairport Convention. Sie wurde als „die herausragende britische Folk-Rock-Sängerin“ bezeichnet.
Die Biografie von Mick Houghton mit dem Titel „I’ve Always Kept a Unicorn“ (Ich habe mir immer ein Einhorn gehalten) erzählt die Geschichte von Sandy Denny, einer der größten britischen Sängerinnen ihrer Zeit und der ersten weiblichen Singer-Songwriterin, die ein umfangreiches und dauerhaftes Werk an eigenen Liedern vorlegte.
Sandy Denny legte den Grundstein für den Folk-Rock, als sie 1968 der Gruppe Fairport Convention beitrat, aber ihre Musik ging in den siebziger Jahren weit darüber hinaus. Nach ihrem Ausstieg bei Fairport Convention gründete sie die Band Fotheringay, deren einflussreiches gleichnamiges Album 1970 veröffentlicht wurde. Im Laufe des Jahrzehnts erschienen vier Soloalben von ihr.
Sandy kam aus der Folkszene der sechziger Jahre. Ihre Geschichte steht im Mittelpunkt von Sandys späterem Leben und Werk und wird mit Hilfe von mehr als sechzig ihrer Freunde, Musikerkollegen und Zeitgenossen erzählt, von denen einer bemerkte, dass sie wie ein Engel sang, aber kein Engel war.
Sandy Dennys Einfluss ist heute weitgehend auf den Folk beschränkt, ein Genre, aus dem – zumindest in Großbritannien – nur Laura Marling als großer Durchbruch gesehen wird. Der Sunday Express beschrieb sie 2007 als „die Amy Winehouse ihrer Zeit“, aber nur gemessen an ihren „Unsicherheiten und ihrem Abgleiten in die Sucht, die ihr Talent und ihren Ruf durch Geschichten von Exzessen überschatteten“.
Sandy wurde Folksängerin, anstatt dem Stereotyp des Pop-Püppchen aus den sechziger Jahren nachzueifern, über das sie immer so abfällig gesprochen hatte. „Sie finden einfach ein kleines Starlet“, sagte sie. „Es ist egal, ob der Song etwas bedeutet oder nicht. Wenn er gut genug aufgenommen ist, wird er ein Hit. Mit dieser Einstellung bin ich wirklich nicht einverstanden. Das ist so geldgierig. Es wäre durchaus möglich, dass ich eine Hitsingle bekomme, ins Studio gehe und sie aufnehme und einen großen Hit habe. Das ist etwas, was ich nie getan habe und auch nicht tun will.“
Sandys Bandbreite als Songschreiberin war nicht groß; ihre bekanntesten und bedeutendsten Kompositionen folgen fast alle dem Muster langsamer, düsterer und/oder nachdenklicher Balladen, oft mit anspielungsreicher und poetischer Bildsprache. Eine solche Herangehensweise hätte nie zum großen Durchbruch einer Single führen können. „Who Knows Where the Time Goes?“ ist bis heute der einzige von Sandy geschriebene Song, der ein Hit wurde, wenn auch für Judy Collins, und nur in den USA, nicht in ihrer Heimat. Es ist wahrscheinlich der einzige Song von ihr, den Gelegenheitsfans nennen können. Sandy sprach nur selten über ihren Lieblingssong, und meist nur, wenn sie gefragt wurde. „Er war einer meiner ersten Songs“, sagte sie 1973, “und ich wünschte, die Leute würden sich einige der anderen Songs anhören, obwohl einige Leute immer noch behaupten, es sei der beste Song, den ich je geschrieben habe. Sie können nicht alle falsch liegen, obwohl ich ihnen nicht zustimme“.
Zum Zeitpunkt ihres Todes sah es fast so aus, als ob man ihr Werk völlig übersehen werde, bis die rechtzeitig und sorgfältig zusammengestellte 4-LP-Box „Who Knows Where the Time Goes?“ Ende 1985 von Island veröffentlicht wurde. Die Auswahl spiegelt auf brillante Weise Sandys Karriere wider und enthält viele ihrer klassischen Auftritte und besten Songs. Nur vier bisher unveröffentlichte Songs waren unter den ungehörten Live-Auftritten, Demos und BBC-Aufnahmen, die etwa die Hälfte der ausgewählten Titel ausmachen. Boxsets waren 1985 noch keine Routine, und die Auflage von 3.500 Exemplaren war schnell vergriffen, aber es war viele Jahre zu früh, um das Interesse über ihre treuesten Fans hinaus zu wecken.
Als Richard Thompson, ehemaliges Mitglied von Fairport Convention, 1999 das Vorwort zu Pamela Winters‘ unveröffentlichter Biografie über Sandy Denny, No Thought of Leaving, schrieb, war er fast wütend über ihren ausbleibenden Kulterfolg: „Ihre Platten passen nicht in die gängigen Formate, versetzen die Programmmacher nicht in Paroxysmen, lassen die Hörer nicht abstimmen. Für die Hit-Nostalgie der 60er und 70er Jahre kam sie nicht in Frage: Sie hatte nie Hits. Rock-Album- Radiosender? Hat nie genug Alben verkauft. Sogar Nick Drake schleicht sich in die eine oder andere Easy-Listening-Sendung; die Musik ist einlullend und trügerisch, etwas Romantisches für einen Kult, an dem man sich festhalten kann.“
Die Musik von Sandy wurde jedoch endlich neu bewertet und einer neuen Generation vorgestellt. Die Karrieren vieler bedeutender Künstler wurden nun systematisch aufgearbeitet, und Sandys war keine Ausnahme. In ihrem Fall war dies jedoch eine besonders lohnende Übung; insbesondere die 1997 von Strange Fruit veröffentlichte, Aufnahme The BBC Sessions 1971-1973, die zehn Jahre später zu dem Box-Set Sandy Denny at the BBC erweitert wurde. Es folgten erweiterte CD-Veröffentlichungen aller ihrer Solo- und verwandten Alben.
Sandy Denny – Live at the BBC (2007)
Jetzt kann man Sandys Lebenswerk selbst beurteilen, von ihren ersten skizzenhaften Demos von „Who Knows Where the Time Goes?“ bis hin zu ihrem erschütternden Abschiedssong „Makes Me Think of You“. Fast jeder klassische Song, den sie geschrieben hat, ist als Demo zugänglich, am aufschlussreichsten sind die Demos für das Album Rendezvous, die nach Ansicht eines Rezensenten „ein Korrektiv für die Vorstellung darstellen, dass Dennys Kreativität sich in einem unumkehrbaren Niedergang befindet“.
Vergleiche mit Nick Drake sind unvermeidlich geworden, aber Drake hat ein weitaus größeres Publikum erreicht als Sandy, und das nicht nur durch einen Volkswagen-Fernsehspot von 1999, in dem „Pink Moon“ zu hören war. „Sandy und Nick betrachteten einander mit Respekt, aber aus einer gewissen Distanz“, sagt Joe Boyd. „Sandy konnte keine Beziehung zu Nick aufbauen, und Nick war ihr gegenüber genauso zurückhaltend wie gegenüber den meisten Menschen.“
Gegen Ende ihres Lebens wurde Sandy von dem Streben nach dem kommerziellen Erfolg geplagt, der ihr lange Zeit versagt geblieben war, obwohl sie sich weniger danach sehnte als diejenigen, die ihn für sie wollten. Ihr fehlte zunehmend das Vertrauen in ihr Handeln, und ihr Urteilsvermögen wurde immer widersprüchlicher und eigenwilliger. Trotz ihres Rufs und ihres außergewöhnlichen Talents war sie zum Zeitpunkt ihres Todes vielen unbekannt.
Nach der kühlen Rezeption von „The North Star Grassman and the Ravens“, ihrem ersten und eindrucksvollsten Soloalbum, äußerte sich Sandy in einem Interview für den BBC World Service ergreifend: „Ich möchte einfach mit mehr Menschen kommunizieren. Ich kommuniziere mit vielen Menschen, aber das ist noch nicht genug. Und das nicht aus reinem Gewinnstreben heraus. Ich will es einfach, das ist mein Ziel. Ich möchte glücklich sein. Ich möchte mit meiner Arbeit glücklich sein. Aber das geht alles sehr langsam, und wenn wir noch Zeit haben in dieser Welt, dann werde ich vielleicht eines Tages dort ankommen.“
Am Ende konnte sie die Zeit jedoch nicht besiegen.
Ich habe immer in einer Villa gelebt auf der anderen Seite des Mondes.
Ich habe mir immer ein Einhorn gehalten und ich singe nie verstimmt.
Ich könnte dir sagen, dass das Gras wirklich grüner ist auf der anderen Seite des Hügels ist, aber ich kann nicht mit dir kommunizieren und das werde ich wohl auch nie.
Wir sind alle gegangen – solo. Wir alle spielen – solo. Ist das Leben nicht ein Solo.
Im ersten Teil ging es um die Zeit der Gründung von Soft Machine bis zum Jahr 1967.
Im Dezember 1968 gründeten Wyatt und Ratledge aufgrund vertraglicher Verpflichtungen „The Soft Machine“ neu, wobei ihr ehemaliger Roadmanager Hugh Hopper Ayers am Bass ersetzte. Hooper war wie Ayers und Wyatt ein Gründungsmitglied von The Wilde Flowers. 1969 nahmen „The Soft Machine“ ihr zweites Album „Volume Two“ auf, das einen Wechsel zum Fusion Jazz einleitete. Das Album erfüllte den Vertrag der Band mit Probe Records und sie unterschrieben dann Anfang 1970 bei CBS Records.
Im Mai 1969 spielten The Soft Machine als Begleitband auf zwei Titeln von The Madcap Laughs, dem Debüt-Soloalbum von Syd Barrett von Pink Floyd. Kurz nach den Barrett-Aufnahmen stieß Hoppers Bruder Brian Hopper, ein weiterer Mitbegründer von Wilde Flowers, als Saxophonist zu The Soft Machine. Zu dieser Zeit nahm die Band den Soundtrack für die Multimediashow Spaced auf, die Mitte 1969 fünf Tage lang in London lief. Der Soundtrack wurde 1996 von Cuneiform Records kommerziell veröffentlicht.
Im Oktober 1969, nach dem Ausstieg von Brian Hopper, erweiterte sich The Soft Machine zu einem Septett; Wyatt, Ratledge und Hugh Hopper fügten eine vierköpfige Bläsersektion hinzu, die aus den Saxophonisten Elton Dean und Lyn Dobson, dem Kornettisten Mark Charig und dem Posaunisten Nick Evans bestand. Nach zwei Monaten verließen Charig und Evans die Band wieder.
Das Quintett bestand bis März 1970, als Dobson die Gruppe verließ. Das verbliebene Quartett nahm das Doppelalbum „Third“ (1970) und das darauffolgende Album „Fourth“ (1971) auf. „Third“ war größtenteils instrumental, mit Ausnahme von Wyatts Song „Moon in June“, dem letzten Soft Machine-Song mit Text. Ungewöhnlich für die damalige Zeit ist, dass auf jeder der vier Seiten eine Suite zu hören ist. „Third“ ist inzwischen das meistverkaufte Album von Soft Machine.
Ab dem vierten Album wurde die Band komplett instrumental, sowohl auf der Platte als auch auf der Bühne, nachdem Wyatt die Band kurz nach der Veröffentlichung des Albums verlassen hatte. In dieser Zeit feierte die Band in ganz Europa Erfolge und wurde als erste Rockband eingeladen, im August 1970 bei den Londoner BBC Proms aufzutreten, die Show wurde live im britischen Fernsehen übertragen.
Nach Differenzen über die musikalische Ausrichtung der Gruppe wurde Wyatt im August 1971 gefeuert und gründete Matching Mole (ein Wortspiel mit „machine molle“, französisch für „weiche Maschine“; man sagte damals auch, dass es von der Bühnenbeleuchtungs-ausrüstung „Matching Mole“ abgeleitet sei). Er wurde kurzzeitig durch den australischen Schlagzeuger Phil Howard ersetzt. Diese Besetzung tourte Ende 1971 ausgiebig durch Europa und begann mit den Aufnahmen zu ihrem nächsten Album „Fifth“, aber weitere musikalische Unstimmigkeiten führten Anfang 1972 zur Entlassung von Howard, und das Album wurde mit seinem Ersatz John Marshall fertiggestellt.
„Fifth“ wurde 1972 veröffentlicht, wobei die erste Seite Stücke enthielt, die mit Howard aufgenommen wurden, und die zweite Seite Stücke, die mit Marshall aufgenommen wurden. Später im selben Jahr verließ Dean die Band und wurde durch Karl Jenkins ersetzt, der neben dem Saxophon auch Keyboards spielte. Sowohl Marshall als auch Jenkins waren ehemalige Mitglieder von Ian Carr’s Nucleus. Das nächste Album der Band war das halb live, halb im Studio aufgenommene Doppelalbum „Six“, das Anfang 1973 erschien.
Nach der Veröffentlichung von „Six“ verließ Hopper die Band und wurde durch Roy Babbington, ein weiteres ehemaliges Nucleus-Mitglied, ersetzt. Während dieser Zeit begann Jenkins, die Rolle des Bandleaders und des Hauptkomponisten zu übernehmen. Nach der Veröffentlichung von „Seven“ (1973) wechselte Soft Machine erneut die Plattenfirma von CBS zu Harvest Records, einem Unterlabel von EMI Records.
Ende 1973 wurde mit Allan Holdsworth ein weiteres ehemaliges Nucleus-Mitglied in die Band aufgenommen, der erste Gitarrist seit Andy Summers‘ kurzer Amtszeit im Jahr 1968. Holdsworth spielte auf dem nächsten Album „Bundles“ (1975) mit, bevor er die Band Anfang 1975 verließ. Holdsworths Ersatz war John Etheridge, und der Saxophonist Alan Wakeman, ein Cousin des Yes-Keyboarders Rick Wakeman, stieß Anfang 1976 ebenfalls dazu.
Das nächste Album, „Softs“ (1976), war das erste ohne Ratledge, das letzte verbliebene Originalmitglied der Band, das im März 1976 ausstieg. Weitere Mitglieder von Soft Machine in den späten 1970er Jahren waren der Saxophonist Ray Warleigh, der Violinist Ric Sanders und die Bassisten Percy Jones von Brand X und Steve Cook. 1977 nahmen Soft Machine das Live-Album „Alive & Well: Recorded in Paris“ auf, das Anfang des folgenden Jahres veröffentlicht wurde. 1978 traten Soft Machine einmal live auf, und zwar am 8. Dezember beim Sound & Musik Festival in Dortmund, mit der Besetzung Marshall, Jenkins, Cook und Holdsworth. Nach diesem Auftritt lösten sich Soft Machine auf.
2008 hat Graeme Thomson mit der Arbeit an Under The Ivy begonnen. Das Buch wurde im Mai 2010 veröffentlicht, fast fünf Jahre nachdem Kate Bush nach einer zwölfjährigen Pause mit ihrem achten Album Aerial zurückgekehrt war.
Ich dachte, der Zeitpunkt sei gut gewählt. Die Zeitspanne war lang genug, um eine gewisse Perspektive auf ihr neuestes Album einzunehmen, ein herausragendes Werk, das mit jedem Jahr mehr von seinem Reichtum und seiner Beziehung zum Rest ihres Katalogs offenbart. Dennoch war die Veröffentlichung nahe genug, um – zumindest in der Welt von Kate Bush, die nicht rund um die Uhr arbeitet – als Neuigkeit zu gelten. Graeme Thomson
Ende 2005 gab es im Zusammenhang mit der Ankündigung und dem Erscheinen des Albums eine Reihe von Werbemaßnahmen, aber Kate Bush zog sich bald wieder in die öffentliche Unsichtbarkeit zurück. Im Jahr 2011 erschien Director’s Cut, dann 50 Words For Snow. Entsprechend hat Thomson Under The Ivy 2012 aktualisiert, um diese Alben zu berücksichtigen, und er fragte sich, wie viele ihrer Fans, was als Nächstes kommt. Wenn Kate Bush innerhalb eines einzigen Kalenderjahres zwei neue Alben herausbringen konnte, waren wohl alle Erwartungen übertroffen.
Es folgte ein „stetiges Ticken kleinerer Aktivitäten, kleine Erschütterungen im hochsensiblen Ökosystem Bush“. Sie nahm eine neue Version von „Running Up That Hill“ für die Olympischen Spiele in London 2012 auf und erhielt öffentlich einen Sky Arts Award. Im Hintergrund bahnte sich jedoch etwas viel Bedeutsameres an. Als Bush im Frühjahr 2013 von der Queen mit dem CBE (Commander of the Britisch Empire) ausgezeichnet wurde, hatte sich der Gedanke, dass sie nach fünfunddreißig Jahren Abwesenheit wieder auftreten würde, bereits verfestigt.
Im März 2014 dann die überraschende Ankündigung, dass Bush im Sommer und Herbst desselben Jahres zum ersten Mal seit 1979 wieder Konzerte geben würde. Das scheinbar Undenkbare war Wirklichkeit geworden: Die bühnenscheueste Künstlerin ihrer Generation brach aus der Deckung. Fans in aller Welt gaben Hunderte, oft Tausende von Pfund für Tickets, Flüge und Unterkünfte aus.
Der „Before The Dawn“-Auftritt im Eventim Apollo im Westen Londons erstreckte sich über mehrere Wochen und zweiundzwanzig Shows. Graeme Thomson hatte das Glück, an einem der früheren Konzerte teilzunehmen, und es war für ihn unvergesslich.
„An dem Abend, an dem ich anwesend war, dem 2. September 2014, und zweifellos auch an allen anderen Abenden, war das Apollo nicht nur mit Londonern oder Briten gefüllt, sondern auch mit zahlreichen anderen Nationalitäten, die alle – manche mehr als einmal – gepilgert waren, um das zu erleben, was zur am sehnlichsten erwarteten und am meisten berichteten Musikgeschichte des neuen Jahrtausends geworden war. Die Menschen weinten. Fremde umarmten sich und gaben sich die Hand. Eine nervöse, kindliche Energie mit großen Augen schien das Theater zu ergreifen. Es war mit Abstand die emotionalste, aufgeregteste, erwartungsvollste und geradezu seltsamste Atmosphäre, die ich je bei einem Konzert erlebt habe. Und das alles, bevor Kate Bush überhaupt die Bühne betreten hatte.“ Graeme Thomson
Keine ernstzunehmende Biographie über Kate Bush kann ohne eine Analyse dieses Ereignisses auskommen. So wurde Under The Ivy daher 2015 erneut überarbeitet und um ein Kapitel über die „Before The Dawn“-Erfahrung des Autors ergänzt.
In den zehn Jahren, die seit diesen Konzerten vergangen sind, hat sich der Stellenwert von Kate Bush in der Musikwelt erneut verändert. Es gab weder neue Musik noch öffentliche Auftritte.
Vielleicht gibt es weniger hinzuzufügen, als ich gehofft hatte. Mit der Zeit scheint es, dass „Before The Dawn“ eher als unvergessliches Einzelstück in Erinnerung bleiben wird, als dass es, wie ich es mir Ende 2014, vielleicht noch ein wenig schwindlig vom Nervenkitzel, vorgestellt hatte, der Beginn eines kreativ pulsierenden „dritten Aktes“ für Kate Bush ist. Andererseits habe ich mich in der Vergangenheit oft genug geirrt, um für alle Möglichkeiten offen zu bleiben. Nur eine Person weiß, was als nächstes passiert.
Die nun vorliegende „überarbeitete“ Ausgabe von 2024 ist die dritte Aktualisierung des Buches und Under The Ivy ist wieder einmal so vollständig und aktuell wie nur möglich.
Auszug
Sie existiert völlig und glorreich außerhalb der Orthodoxie der Rocklinie. Viele Künstler – von Tori Amos und Bjork bis zu relativen Newcomern wie La Roux, Bat For Lashes und Florence & The Machine – wurden mit ihr verglichen, aber solche Vergleiche sind unfair und wenig schmeichelhaft für andere. Ihre Musik klingt einfach wie Kate Bush, eine wundersame Alchemie aus Musique Concrete, Folk-Wurzeln, Post-Punk, Weltmusik, Progressive Rock und einem uralten, längst vergessenen Sirenengesang. Sie hat keine Angst, Fehler zu machen, aber ihre Bereitschaft, sich lächerlich zu machen, ist eher eine Stärke als eine Schwäche. Seit über drei Jahrzehnten hält sie an einer Art heroischer künstlerischer Blindheit fest, die es ihr erlaubt, ihre ausgefallensten Ideen bis zum Ende zu verfolgen, ohne sich von der öffentlichen Meinung oder aktuellen Trends eingeschränkt zu fühlen. […] Nur ein „Popstar“ zu sein, hat noch nie ausgereicht, aber wenn die Popmusik den Anspruch erhebt, Genies zu beherbergen, dann muss ihr Name irgendwo ganz oben auf der Liste stehen.
Diejenigen, die sie nie verstanden haben, die sie schon immer für selbstverliebt, egozentrisch und albern hielten, die sie in die Grenzen ihrer eigenen begrenzten Vorstellungskraft einsperrten – das Schlimmste aller möglichen Dinge: eine Popsängerin mit Ideen, die über ihren Stand hinausgehen -, taten sie als schrulliges Hippie-Mädchen ab, die Tochter eines Vorstadtarztes mit einer Vorliebe für Pantomime und Mystik, die in den „Not The Nine O’clock News“ nur allzu leicht verspottet wurde. Wahnsinn. Erstaunlich. Wie alle großen Künstler ist sie leichter zu parodieren als zu verstehen.
Für den Rest von uns war „Wuthering Heights“ einfach nur der Auftakt zu einer geheimnisvollen Geschichte, die unzählige Wendungen durchlaufen hat und nur selten nicht fesseln konnte.
Leider gibt es bisher nur eine alte Ausgabe von 2013 in deutscher Sprache.
Woher stammt der Titel der Biografie?
„Under the Ivy“ war ursprünglich die B-Seite von ‚Running Up That Hill‘ aus dem Jahr 1985. Die grundlegende Geschichte handelt von einer Frau, die eine Party verlässt, um eine nahegelegene Garten zu besuchen, den sie als Kind immer besucht hat, aber bevor sie geht, sagt sie jemandem, wo sie sein wird, damit sie sich privat treffen können.
Die Erzählung kann auch gedanklich interpretiert werden. Sie lädt diese Person in ihr Leben ein, was für sie eine große Sache ist, denn sie scheint ein privater Mensch zu sein, aber sie versucht, den nächsten Schritt zu tun.
In Kate Bush‘s eigenen Worten:
Der Song handelt von jemandem, der sich von einer Party wegschleicht, um sich heimlich mit jemandem zu treffen und möglicherweise mit ihm zu schlafen oder einfach nur zu kommunizieren, aber es ist geheim, und es ist etwas, das sie früher getan haben und das sie nicht mehr tun können. Es geht um einen nostalgischen, wiedererlebten Moment.
Ich denke, es ist traurig, weil es um jemanden geht, der sich an einen Moment erinnert, in dem er es vielleicht als Unschuldiger und als Kind getan hat, und es ist etwas, das er jetzt als Erwachsener heimlich tun muss.“
In einer Rezension im Magazin Mojo heißt es: „Es ist nicht einfach, einen Weg durch das Leben dieser rätselhaften Songwriterin zu finden, aber Graeme Thomsons großartiges Buch schafft genau das.“ The Anti-Room schrieb: „Abgesehen von der schieren Fülle an Informationen – von Studioaufnahmen bis hin zu Trivialitäten aus der Kindheit – verfügt Musikkritiker Graeme Thomson über ein enormes Wissen über sein Thema. Sein Enthusiasmus und sein allgemeines Interesse sind einer der Gründe, warum dieses Buch so fesselnd zu lesen ist. Die in den Medien verbreitete Wahrnehmung von Kate als kauzig oder exzentrisch wird in Frage gestellt, und die Geschichten, die er aus zahllosen Quellen zusammengetragen hat, zeichnen ein genaueres Bild eines faszinierenden kreativen Talents. Eine Pflichtlektüre für Fans und empfehlenswert für alle Fans von Biografien.“
Classic Prog Rock: „Es ist sicherlich ein Buch, das Kates sehr viele Fans für einige Zeit ziemlich glücklich machen wird.“ Und schließlich die Irish Times: „Die beste Musikbiografie des letzten Jahrzehnts… ein fesselndes, akribisch recherchiertes und geradezu faszinierendes Buch…. Nach dieser großartigen Lektüre… werden Sie ihre Arbeit noch mehr zu schätzen wissen. Und wenn das nicht der Sinn von Musikbiografien ist, was dann?“
