In den frühen 70er Jahren war das Fernsehen ein wichtiges Instrument, um Musikkünstler in den Haushalten zu präsentieren. Frank Zappa, der mit seiner Lichtshow und seinem Bühnenaufbau auf Tournee war, versuchte, Videomaterial für seine eigene Fernsehproduktion aufzunehmen, um es den großen Sendern zu verkaufen. Genau wie bei den Roxy Performances, die Monate zuvor gedreht wurden, gab es technische Probleme, die letztendlich dazu führten, dass das Filmmaterial in den Tresorraum gelegt wurde und dort lagerte.
50 Jahre später, mit den Fortschritten bei den Postproduktionswerkzeugen, erscheint „Cheaper Than Cheep“. Dieses (neue) zweistündige Konzert enthält klassische Auftritte der Mothers-Besetzung von 1974, direkt von den neu restaurierten Original-Ton- und Videobandmastern aus dem Tresor.
Die offizielle Zappa-Veröffentlichung #130 erscheint mit 2CDs plus Blu-Ray, begleitet von einem ausführlichen Booklet mit seltenen, ungesehenen Bildern und Anmerkungen von Ruth Underwood und Joe Travers.
Songtitel:
CD1 1. Cheaper Than Cheep (0:31) 2. Cosmik Debris (9:22) 3. Band Introductions (1:33) 4. RDNZL (6:31) 5. Village Of The Sun (4:35) 6. Montana (6:29) 7. Duke Goes Out (3:53) 8. Inca Roads (10:04) 9. „Get Down Simmons“ (3:15) 10. Penguin In Bondage (6:45) 11. T’Mershi Duween (1:49) 12. The Dog Breath Variations (1:41) 13. Uncle Meat (2:19)
CD2 1. How Could I Be Such A Fool (4:02) 2. I’m Not Satisfied (2:17) 3. Wowie Zowie (2:27) 4. I Don’t Even Care (1:19) 5. Let’s Make The Water Turn Black (4:33) 6. Dupree’s Paradise Introduction (1:05) 7. Dupree’s Paradise (9:19) 8. Oh No (1:36) 9. Son Of Orange County (5:34) 10. More Trouble Every Day (11:02) 11. Apostrophe‘ (6:54) 12. Camarillo Brillo (5:53)
Obwohl Frank Zappa vor mehr als 30 Jahren starb, gilt er nach wie vor als eine Ikone der Kultur des 20. Jahrhunderts.
1973 sagte er bekanntlich: „Jazz ist nicht tot… er riecht nur komisch“, und in seinem Buch „Zappa and Jazz“ wirft Geoff Wills einen Blick auf Zappas weithin angenommene Abneigung gegen das Jazz-Genre.
Die Musik von Frank Zappa enthielt eine breite, ja verwirrende Palette musikalischer und kultureller Einflüsse, darunter auch Jazz. Aber Zappa wurde oft zitiert, dass er diese Musik und ihre Interpreten ablehnt, obwohl es zahlreiche Beweise dafür gibt, dass viele der Musiker, die er beschäftigte, stark mit dem Jazz verbunden waren. Das hielt ihn nicht davon ab zu sagen: „Jazz ist nicht tot…..er riecht nur komisch“ und „Ich hatte nie etwas mit Jazz zu tun. Da ist keine Leidenschaft drin. Es ist ein Haufen Leute, die versuchen, cool zu sein, und die nach einer Bestätigung für eine intellektuelle Gemeinschaft suchen“. Und das unverblümte „Ich mag keinen Jazz“.
Warum also dieses Beharren auf dem Misstrauen gegenüber dem Jazz? Geoff Wills deutet in seiner detaillierten Betrachtung der Jazz-Aspekte von Zappas Musik an, dass die Wurzeln seiner Abneigung gegenüber vielen Dingen neben dem Jazz in seinen Erfahrungen in den 1940er und 1950er Jahren zu suchen sind. Zappa war immer so etwas wie ein Außenseiter. Als italienisch-amerikanischer Schüler wurde er von seinen Mitschülern angefeindet, weil Italien während des Zweiten Weltkriegs ein Feind war. Und Wills weist darauf hin, dass Jazz nicht das einzige war, was Zappa zu stören schien. Er hegte eine Abneigung gegen Schulen, Lehrer, Politiker, Musiker und Menschen im Allgemeinen.
Wills ist der Meinung, dass Zappa, als er behauptete, Jazz nicht zu mögen, in Wirklichkeit seinen Gefühlen über das Jazz-Establishment und den Snobismus Ausdruck verlieh, den viele Jazz-Fans oft an den Tag legten, wenn sie anderen Formen der populären Musik begegneten. Wie sehr Zappa trotz aller gegenteiligen Behauptungen vom Jazz beeinflusst war und Musiker mit tadellosen Jazz-Qualitäten beschäftigte, lässt sich natürlich am besten anhand der vielen Platten, die er aufgenommen hat, nachweisen.
Wills stößt dabei auf einige sehr interessante Fakten. Frank Zappas Musik hat eine einzigartige und leicht wiedererkennbare Qualität, und sie synthetisiert auf brillante Weise ein breites Spektrum kultureller Einflüsse. Das Buch konzentriert sich auf den Einfluss des Jazz auf Zappa und versucht, die oft verwirrende Beziehung zwischen ihm und dem Jazz zu klären. Zappas frühe Jahre werden untersucht, von seinem ersten Ausflug in ein Aufnahmestudio bis zur Gründung und Entwicklung seiner Band „The Mothers of Invention“.
Es gibt ausführliche Kritiken der wichtigsten Jazz-Alben „Hot Rats“, King Kong, „The Grand Wazoo“ und „Waka/Jawaka“. Nebenbei analysiert Wills Zappas Musik und die weiteren Einflüsse, die für seine Einstellung nicht nur zum Jazz, sondern zur Gesellschaft im Allgemeinen entscheidend waren.
Das Buch schließt mit einer Diskussion über Zappas Ähnlichkeit mit orthodoxeren Jazzern, sein Vermächtnis und den Einfluss auf jazzbezogene Musik. Dieses Buch spricht alle Zappa-Fans an, die neue Einblicke in seine Musik suchen, sowie aufgeschlossene Jazz-Hörer und alle, die sich für den Schmelztiegel der Musik des 20. Jahrhunderts interessieren.
Geoff Wills, Zappa and Jazz: Did it really smell funny, Frank? Verlag Matador 2015 - ISBN 13: 9781784623913
Charlie Haden – Liberation Music Orchestra, Impulse AS 9183, aufgenommen im April 1969, erschienen 1970
55 Jahre alt, aber immer noch ein wichtiges musikalisches Zeitdokument, das damals ein Zeichen gesetzt hat.
Sollte Musik eine politische Haltung einnehmen? Kann Musik polemisch sein? Ein deutliches „Ja“! Max Roach mit „Freedom Now“, Charles Mingus mit „Fables of Faubus“, Louis Armstrong mit „Black and Blue“ und Billie Holiday mit „Strange Fruit“ – sie alle haben Musik für ihren Protest genutzt. Die Botschaften dieser Künstler bezogen sich auf Ethnien; Hadens Botschaft hatte eine breitere politische Tragweite.
Das Amerika der sechziger Jahre war von Demonstrationen und Protesten zersplittert, von denen einige rassistisch, die meisten jedoch politisch motiviert waren. Präsident Kennedy wurde ermordet, ebenso sein Bruder Robert. Martin Luther King wurde erschossen. Der Vietnamkrieg lief schlecht. Massenproteste waren an der Tagesordnung. Haden war der Meinung, dass es eine Möglichkeit geben sollte, die Proteste gegen das Vorgehen der USA in Vietnam mit Musik zu unterstützen.
Haden sagte: „Das Album wurde konzipiert, als Nixon Kambodscha bombardierte. Ich rief Carla Bley an und sagte: ‚Ich möchte eine Platte mit politischen Liedern machen“. Gemeinsam entwickelten sie die Idee des Liberation Music Orchestra. Zunächst beschlossen sie, eine Suite mit Volksliedern aus dem Spanischen Bürgerkrieg zusammenzustellen: „El Quinto Regimento“, „Los Cuatro Generales“ und „Viva La Quince Brigade“. Schließlich steuerte Haden zwei Stücke bei, Carla Bley drei, Ornette Colemans „War Orphans“ wurde ebenso verwendet wie das „Lied der Einheitsfront“ von Brecht Eisler. Diese Hymne war in den 1930er Jahren als Protest gegen die Nazis komponiert worden.
Bei der Aufnahme in New York gab es ein kleines Publikum: Gil Evans war da, Carla Bley erinnerte sich: „Es gab auch andere besondere Gäste – Überlebende einer legendären Gruppe von Freiwilligen, die im Spanischen Bürgerkrieg gegen Generalissimo Franco gekämpft hatten. Charlie hatte auch noch lebende Mitglieder der Lincoln-Brigade eingeladen, die im Publikum saßen. Mindestens sechs von ihnen saßen mit ihren Frauen da und kratzten sich am Kopf und fragten sich, was das für eine Musik sei.„
Hadens Hintergrund war ungewöhnlich. Er begann sein musikalisches Leben mit der Haden Family Group. Die Familie hatte ihre eigene Country- und Western-Radioshow. Haden sang mit der Gruppe, bis er an Kinderlähmung erkrankte und dadurch seine Gesangsstimme verlor. Er griff zum Bass und zog 1957 nach Los Angeles, wo er Paul Bley, Don Cherry und Ornette Coleman kennenlernte. Haden spielte 1958 zum ersten Mal mit Ornette und Paul Bley im Hillcrest Club in Los Angeles. Als Ornette nach Osten zog, ging Haden mit ihm und sie nahmen eine Reihe von Alben für Atlantic auf, die den Jazz revolutionierten. Zur gleichen Zeit änderte Haden sein Bassspiel.
„Ich musste sofort lernen, hinter Ornette zu improvisieren, was nicht nur bedeutete, ihm von einer Tonart zur anderen zu folgen und die verschiedenen Tonarten zu erkennen, sondern auch so zu modulieren, dass die Tonarten ineinander übergingen und die neuen Harmonien richtig klangen. Ich habe die Herausforderung sehr begrüßt, denn es bedeutete, mein Gehör zu benutzen, wie damals, als ich als Kind im Mittleren Westen mit meiner Familie Country-Musik aus dem Radio sang, und ich musste alle Harmonieteile kennen – meine und die der anderen -, wenn wir zusammenpassen wollten. Da gab es kein ‚Ich kenne sie nicht‘. Du musstest sie kennen.“
Zu dieser Zeit begann Carla Bley, Anerkennung zu finden. Sie hatte „A Genuine Tong Funeral“ für Gary Burton geschrieben. Sie arbeitete an ihrer Oper „Escalator Over The Hill“. Ihre Musik hatte einen individualistischen Kern, und sie verstand es, ihrer Musik eine kraftvolle Stimme zu verleihen. Auf diesem Album kam ihr zugute, dass sie Musiker mit unverwechselbar starken Stimmen hatte: Gato Barbieri, Roswell Rudd und Dewey Redman. Bewundernswert ist, dass es Bley gelang, unterschiedliche Elemente miteinander zu verbinden. „The Four Generals“ war ein Lied über den Kampf um Madrid im Jahr 1936. Die spanischen Lieder, die mit den revolutionären Liedern der 1930er Jahre verschmolzen sind, beginnen mit der Gitarre von Sam Brown. Die Klänge, die Bley erschafft, erinnern an die Klänge, die Gil Evans hervorrief, als er die spanischen Marschkapellen auf ‚Saeta‘ in ‚Sketches of Spain‘ nachspielte.
„Song For Che“ war dem 1967 in Bolivien ermordeten Revolutionsführer Che Guevara gewidmet. Das Original war erst wenige Wochen zuvor mit Haden und Ornette Coleman auf dem Album „Crisis“ aufgenommen worden. Das Stück wurde geradezu berüchtigt, als Haden es 1971 in Portugal mit Ornette Coleman spielte, damals ein faschistischer Staat, und er das Stück den Freiheitskämpfern widmete. Die Polizei verhaftete ihn, verhörte ihn und eskortierte ihn zum Flughafen. Auf dem Album wird die Tiefe, Eindringlichkeit und stille Würde von Hadens tief empfundener Hymne schließlich von Dewey Redman und Don Cherry aufgegriffen.
In „Circus ‚68 ‘69“ wurden die Musiker in zwei Gruppen aufgeteilt, um darzustellen, was 1968 auf dem demokratischen Parteitag geschah, als die Delegierten, die „We Shall Overcome“ sangen, vom Orchester des Parteitags übertönt wurden, das auf Anweisung des Vorsitzenden des Parteitags konventionellere Lieder spielen sollte: „You’re a Grand Old Flag“ und „Happy Days Are Here Again“.
Der offenkundig politische Inhalt des Albums gefiel den höheren Rängen der Eigentümer von Impulse/ABC, nicht, und das Album erhielt bei der Erstveröffentlichung nicht viel Werbung. In den darauffolgenden Jahren wurde das Orchester neu formiert, weil Haden der Meinung war, dass Protest nötig war. Das letzte Album „Time/Life“ wurde in der Zeit vor Hadens Tod aufgenommen und hatte die Zerstörung der Umwelt zum Thema. Charlie Haden starb im Jahr 2014.
Es ist interessant, darüber zu spekulieren, was Haden als Reaktion auf den Krieg in der Ukraine geschaffen hätte. Haden schrieb über das Originalalbum: „Die Musik auf diesem Album ist der Schaffung einer besseren Welt gewidmet, einer Welt ohne Krieg und Töten, ohne Armut und Ausbeutung, einer Welt, in der alle Regierungen die Bedeutung des Lebens erkennen und danach streben, es zu schützen, anstatt es zu zerstören. Wir hoffen auf eine neue Gesellschaft der Erleuchtung und Weisheit, in der kreatives Denken die dominierende Kraft im Leben aller Menschen wird.„
Der 2011 verstorbene Sänger, Songwriter, Musiker, Romanautor, Dichter und Aktivist war wohl einer der einflussreichsten Künstler, die seit den 1960er Jahren auf den Musikmarkt kamen.
Malik Al Nasir, Dichter, Musiker und Aktivist, der früher unter dem Namen Mark Watson bekannt war, hat in seinen Memoiren „Letters To Gil“ eine ganz besondere Geschichte zu erzählen. Im Wesentlichen handelt es sich um eine erweiterte Fassung eines Nachrufs, der ursprünglich im Guardian erschien.
Im Alter von neun Jahren wurde Al Nasir in Pflege genommen, als sein Vater nach einem Schlaganfall gelähmt war. Der erste Teil des Buches ist ein bewegendes, düsteres Porträt von Liverpooler Pflegeheimen in den späten 1970er und 1980er Jahren, einem System, das sich in den meisten Fällen als missbräuchlich, rassistisch, vernachlässigend und ausbeuterisch erwies (einige Gerichtsverfahren dauern bis heute an). Dies ist die Situation, die zu den Toxteth-Unruhen im Sommer 1981 führte, in großem Maßstab.
Doch 1984 ändert sich das Leben von Al Nasir im Alter von 18 Jahren völlig, als er in eine Aufführung von Scott-Heron im Liverpooler Royal Court gerät und seinem Helden begegnet.
Von da an werden die beiden gute Freunde, und Scott-Heron wird sein Mentor, der ihn über das Musikgeschäft und die Geschichte der Schwarzen unterrichtet und seine Gedichte liest und kritisiert (obwohl Al Nasir bei ihrer ersten Begegnung praktisch Analphabet ist). Al Nasir begleitet Scott-Heron auch auf mehreren Tourneen und wird zu seinem Vertrauten und Assistenten, und die spannendsten Abschnitte des Buches befassen sich mit den Erlebnissen des Reisens an der Seite eines Weltklassemusikers. Später gibt es einen bewegenden Abschnitt, in dem Al Nasir Scott-Heron während einer sehr dunklen Zeit in dessen Zeit im Gefängnis besucht, und wir erfahren viele Details über Gils traurigen Tod und die verschiedenen herzlichen Huldigungen, die danach entstanden sind.
„Letters To Gil“ ist ein Muss für jeden, der sich auch nur im Geringsten für Scott-Herons Werk und seine Beziehung zu der anderen wichtigen Proto-Rap-Band The Last Poets (mit der Al Nasir ebenfalls befreundet war und zusammenarbeitete) interessiert.
Aber es gibt auch Probleme mit dem Buch: Manchmal fehlt es an Selbsterkenntnis/Reflexion, was vielleicht ein Stilmittel zu sein scheint denn ein absichtliches Ausweichen. Es hätte auch von einem strengeren Lektorat/Korrektorat profitiert – es gibt viele Wiederholungen. Es ist schade, dass mehrere schöne Fotos, die im Guardian-Artikel enthalten sind, hier fehlen. Es muss auch gesagt werden, dass Al Nasirs Poesie, die über das ganze Buch verstreut ist, trotz ihrer kraftvollen Botschaft viel zu wünschen übriglässt.
Vielleicht ist es bezeichnend, dass die bewegendsten Worte des Buches nicht von Al Nasir, sondern von Scott-Heron selbst stammen. Er sprach über das Mantra, das ihm seine Großmutter beigebracht hatte, und fasste dann seine Erfahrungen mit der Betreuung von Al Nasir zusammen:
Wenn du jemandem helfen kannst, warum tust du es nicht? Nimm die Gelegenheit wahr, ergreife die Chance, die du ihnen bietest, und werde ein vollwertiger Erwachsener, ein Künstler, ein Gentleman, ein Vater, ein Ehemann und ein Bruder des Friedens und der Großzügigkeit. Du hast das Gefühl, dass die Geister dich auf besondere Weise berührt haben, weil sie einen deiner Träume erfüllt gesehen haben.
Poly Styrene alias Marianne Joan Elliott-Said, 2010
Poly Styrene, mit bürgerlichem Namen Marianne Joan Elliott-Said, war eine britische Punk-Ikone, deren unverwechselbare Stimme und rebellische Haltung sie zu einer der spannendsten Figuren der Punk-Ära der späten 1970er Jahre machten. Geboren am 3. Juli 1957 in Bromley, London, als Tochter einer Schottin und eines somalischen Vaters, wuchs sie in einem Großbritannien auf, das von sozialer Spannung, Rassismus und patriarchalen Strukturen geprägt war – Themen, gegen die sie sich lautstark wehrte.
Die Stimme von X-Ray Spex 1976 gründete sie die Band X-Ray Spex, die mit nur einem Album (Germfree Adolescents, 1978) Punkgeschichte schrieb. Ihre Musik war laut, schrill, wild – aber auch reflektiert und politisch. Poly Styrene sang über Konsumwahn, Geschlechterrollen, Identität und Entfremdung in einer industrialisierten Welt. Besonders auffällig: Ihr Look – Zahnspange, grelle Farben, selbstgemachte Kleidung – war ein bewusster Bruch mit dem Glamourbild weiblicher Popstars. Ihre mädchenhafte Bühnenpräsenz stand im Kontrast zu ihrer ungezügelten Gesangsstimme.
Kult-Song: „Oh Bondage! Up Yours!“ – eine explosive Anti-Konsum-Hymne, deren berühmter Schrei „Bind me, tie me, chain me to the wall!“ ironisch mit einem krachenden „NO!“ beantwortet wird.
Außenseiterin unter Außenseitern Poly Styrene war nicht nur eine der ersten Women of Color in der britischen Punk-Szene, sondern auch eine, die offen mit psychischen Herausforderungen umging. Nach einer Fehldiagnose (Schizophrenie, später revidiert zu bipolarer Störung) zog sie sich zeitweise zurück und wandte sich spirituellen Fragen zu. In den 80ern schloss sie sich der Hare-Krishna-Bewegung an, kehrte aber später mit Soloarbeiten zur Musik zurück.
Spätes Comeback & Vermächtnis 2011 veröffentlichte sie kurz vor ihrem Tod das Album “Generation Indigo”, das elektronische Sounds mit Punk-Attitüde verband – modern, scharf, und gesellschaftskritisch wie eh und je.
Sie starb am 25. April 2011 an Brustkrebs, doch ihre Botschaft und Musik leben weiter.
Hörtipps & Audioquellen Hier könnt Ihr ihre Stimme selbst entdecken:
BBC Doku: Poly Styrene – I Am A Cliché (2021) – emotionales Porträt von ihrer Tochter Celeste Bell (auch auf DVD/VOD).
Hier ist eine Playlist mit den wichtigsten und spannendsten Songs von Poly Styrene, sowohl aus ihrer Zeit mit X-Ray Spex als auch aus ihrer Solo-Karriere. Die Tracks zeigen ihre musikalische Vielfalt, ihr politisches Bewusstsein und ihren unverwechselbaren Stil.
Playlist: “The Voice of Vision – Poly Styrene Essentials” Mit X-Ray Spex (1976–1979)
Oh Bondage! Up Yours! – Die ikonische Anti-Konsum-Hymne, roh und rebellisch.
Identity – Ein Song über Selbstwahrnehmung und gesellschaftlichen Druck.
Germfree Adolescents – Titeltrack des Albums, Kritik an Reinlichkeitswahn und Oberflächlichkeit.
The Day the World Turned Day-Glo – Surrealistische Umweltkritik mit Neonvibes.
Art-I-Ficial – Ein Song über Entfremdung in einer technisierten Gesellschaft.
I Am a Poseur – Ironische Abrechnung mit Oberflächlichkeit im Punk.
Warrior in Woolworths – Poetisch, urban, kämpferisch – die Heldin des Alltags.
Plastic Bag – Früher Protest gegen Umweltverschmutzung und Wegwerfgesellschaft.
Der Club 27 bezeichnet eine Gruppe von berühmten Musikerinnen und Musikern, die alle im Alter von 27 Jahren auf tragische Weise gestorben sind. Der Begriff entstand, weil auffällig viele Rock- und Popstars in diesem Alter verstarben – oft durch Drogen, Alkohol, Unfälle oder Selbstmord.
Zu den bekanntesten Mitgliedern des Klub 27 gehören:
Jimi Hendrix († 1970) – Gitarrist und Rocklegende
Janis Joplin († 1970) – Sängerin und Ikone des Psychedelic Rock
Jim Morrison († 1971) – Sänger der Band The Doors
Kurt Cobain († 1994) – Frontmann von Nirvana
Amy Winehouse († 2011) – Soul- und Popsängerin
Auch Pete Ham von Badfinger zählt dazu. Der britische Sänger, Gitarrist und Songwriter war Gründungsmitglied der Band. Er schrieb unter anderem den Hit „Without You“, der später durch Harry Nilsson und Mariah Carey weltberühmt wurde. Ham beging im Alter von 27 Jahren Suizid und wird daher oft dem sogenannten „Club 27“ zugeordnet.
Der Klub 27 steht symbolisch für den Mythos vom „zerstörerischen Leben im Rampenlicht“: große Talente, die dem Druck, dem Ruhm und oft auch den eigenen inneren Dämonen nicht standhalten konnten. Der Begriff wird manchmal auch kritisch gesehen, weil er ein tragisches Schicksal fast romantisiert.
Die ersten Hinweise auf ein „Muster“ traten Anfang der 1970er Jahre auf. Innerhalb von nur zwei Jahren starben drei der größten Musikikonen ihrer Zeit:
Jimi Hendrix – September 1970 (Ersticken infolge von Drogenkonsum)
Janis Joplin – Oktober 1970 (Heroin-Überdosis)
Jim Morrison – Juli 1971 (vermutlich Herzversagen, möglicherweise Drogenkonsum)
Alle waren 27 Jahre alt. Diese auffällige Häufung führte zu ersten Spekulationen: War es Zufall? War dieses Alter besonders gefährlich für kreative Menschen? Oder steckte mehr dahinter?
Doch der Begriff „Club 27“ oder „27 Club“ wurde erst Jahrzehnte später populär – insbesondere nach dem Tod von Kurt Cobain im Jahr 1994. Cobain, Frontmann von Nirvana, nahm sich ebenfalls mit 27 Jahren das Leben. Medien und Fans begannen, Parallelen zu den Rocklegenden der 70er zu ziehen. Der Begriff „Klub 27“ tauchte nun vermehrt in Artikeln, Dokumentationen und Fan-Diskussionen auf.
Als 2011 Amy Winehouse im selben Alter starb, schien sich das Muster zu bestätigen – und der Mythos war endgültig in der Popkultur verankert.
Warum fasziniert der Klub 27 so sehr?
Romantisierung des Leidensgenies: Die Vorstellung vom genialen, sensiblen Künstler, der an der Welt zerbricht, ist tief in der Kultur verwurzelt.
Tragischer Ruhm: Viele Mitglieder des Klub 27 starben auf dem Höhepunkt ihrer Karriere – ihre Musik bleibt unvergänglich, ihr Leben scheinbar unvollendet.
Medienwirkung: Filme, Bücher und Dokus haben den Mythos verstärkt. Es gibt sogar Verschwörungstheorien und esoterische Deutungen rund um das Alter 27.
Fazit
Der „Klub 27“ ist ein kulturelles Phänomen, das auf echten Tragödien basiert – aber auch auf dem Wunsch, in Mustern Sinn zu erkennen. Für viele bleibt er eine düstere Erinnerung daran, wie zerbrechlich selbst große Stars sein können.
