Beiträge zur Musik und mein Senf zu anderen Dingen

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1980 – „Call Me“ von Blondie erscheint

Blondie wurde 1974 von Deborah Harry (Gesang) und Chris Stein (Gitarre) gegründet und bestand schließlich aus Clem Burke (Schlagzeug), Jimmy Destri (Keyboards) und einer Reihe von Bassisten. Obwohl die Gruppe regelmäßig im CBGB auftrat, sollte sie aus der New Yorker Punk-Underground-Szene heraus als New-Wave-Band zu weltweitem Superstar-Ruhm aufsteigen. New-Wave-Bands (auch als „Postpunk“ bezeichnet) entwickelten sich aus der sozialen und musikalischen Rebellion des Punk, und viele sahen den Begriff einfach als Versuch der Marketingabteilungen der Plattenfirmen, eine wahrgenommene Distanz zum schmuddeligen – und weniger kommerziellen – Image des Punk zu schaffen.

Aber New-Wave-Gruppen sowohl in den USA als auch in Großbritannien waren in der Regel vielseitiger als reine Punkbands und integrierten oft eine breitere Palette von Popstilen – darunter Disco und Reggae – sowie die elektronischen Klänge von Synthesizern und Drumcomputern. Es gibt Überschneidungen zwischen den beiden Genres, manchmal sogar innerhalb des Schaffens einer einzigen Band wie The Clash, was die Unterscheidung erschweren kann. Wenn man sich jedoch die Platten anhört, wird deutlich, dass New Wave eine ironische Form des Pop ist, die eine Affinität zu modernen Trends in der Plattenproduktion aufweist.

In einem Artikel der New York Times aus dem Jahr 1977 beschrieb John Rockwell den Sound von Blondie als „eine clevere Mischung aus Punkrock, progressiven Keyboard-Texturen und Nostalgie der 1960er Jahre”. Neben eingängigen Originalsongs wie „Heart of Glass“ und „One Way or Another“ nahm die Gruppe auch Coverversionen auf, darunter Reggae („The Tide Is High“, Paragons) und Doo Wop („Denis“, ursprünglich „Denise“, Randy and the Rainbows).

Blondie begann ihre Karriere als Sängerin mit dem Produzenten Richard Gottehrer. Nach zwei Alben mit Gottehrer begann Blondie die Zusammenarbeit mit Mike Chapman, der ihr Durchbruchalbum „Parallel Lines“ sowie alle weiteren Alben bis 1982 produzierte, als die Band eine siebzehnjährige Pause einlegte. „Call Me“ war jedoch eine einmalige Zusammenarbeit mit dem Disco-Produzenten Giorgio Moroder. Der Song wurde von Moroder und Harry geschrieben und für den Film „American Gigolo“ komponiert.

Ursprünglich wollte Giorgio Moroder das Lied mit Stevie Nicks von Fleetwood Mac komponieren, doch durch Nicks’ Vertrag bei Modern Records wurde die Kooperation verhindert. So wandte er sich an Deborah Harry. Zuerst war der Song ein Instrumentalstück namens Man Machine, und nach ein paar Stunden wurde aus dem Stück das Lied Call Me

Das Lied handelt von einer Frau, die von ihrem Geliebten verlangt, dass er sie anruft. Obwohl die Band zunächst die musikalischen Parts des Songs entwickelte und aufnahm, ersetzte Moroder, der es nicht gewohnt war, mit Bands zu arbeiten, viele ihrer Performances durch die von Studiomusikern.

Darum stammt das legendäre Keyboard-Solo in “Call me” gar nicht von Blondie-Keyboarder Jimmy Destri, sondern von Harold Faltermeyer, der später mit „Axel F.“ einen großen 80er-Hit landen sollte. Zu dieser Zeit steckte er noch in den Anfängen seiner Karriere und arbeitete im Team von Giorgio Moroder mit. Die Zusammenarbeit zwischen der Band und Moroder gestaltete sich allerdings ziemlich schwierig, da es ständig Streit innerhalb von Blondie und mit Moroder gab. Was schließlich zu seinem Entschluß führte, nie wieder mit einer Rockband zusammen zu arbeiten.

Auf jeden Fall war „Call Me“ ein bahnbrechender Hit für die Gruppe, der sechs Wochen lang Platz eins der Billboard Hot 100 belegte und die New-Wave-Musik im Zentrum einer stilistisch neu gestalteten Plattenindustrie festigte.

Quellen:
– Albin J. Zak, Rock on Record, State University of New York Press, Albany 2022
– www.80s80s.de

Buchtipp: Martina Heßler – Sisyphos im Maschinenraum

Die Historikerin Martina Heßler widmet sich in ihrem Buch der Geschichte der Technik und stellt ihre Gedanken über die Entwicklung des Verhältnisses von Mensch und Maschine dar. Es ist eine wissenschaftliche Abhandlung, keine Lektüre, die man mal eben so lesen kann. Aber es lohnt sich in die Materie und Gedanken der Autorin einzutauchen.

Für sie ist Technikgeschichte eine »Geschichte der modernen Ideen einer guten, einer besseren Gesellschaft«. Zur Beschreibung der Beziehung des Menschen zur zeitgenössischen Technik stellt sie das Konzept der »Doppelfigur« vor: auf der einen Seite der fehlerhafte Mensch, auf der anderen Seite die makellos funktionierende Maschine.

Das menschliche Verhältnis zur Technik ist von einer bedenklichen Schieflage geprägt: Menschen erscheinen als Mängelwesen, sie machen Fehler und begehen Dummheiten, während ihre Maschinen und Technologien gerade als Überwindung ihrer Schwächen gelten.

Von Automaten in frühen Industriefabriken und den Ressentiments von Ingenieuren gegenüber Arbeitern über Sicherheitsgurte, Lügendetektoren und nette Roboter bis zur Human-Factor-Forschung und Cyborg-Reparatur: Die Geschichte jenes schrägen Gedankens ist eine Geschichte des Technikchauvinismus, in der wir Menschen mehr und mehr einem modernen Sisyphos ähneln — im selbst gebauten Maschinenraum unentwegt mit der Beseitigung von Fehlern und Defekten beschäftigt.

Derzeit verspricht künstliche Intelligenz, die Welt zu einem besseren Ort zu machen und menschliche Grenzen zu sprengen. Aber bereits seit dem frühen 19. Jahrhundert wird versucht, fehlerhafte Menschen mit überlegenen Maschinen einzuhegen, zu ersetzen und zu übertreffen. Das Bild einer perfekten Maschine, die alle denkbaren Probleme lösen kann, hat seither den gesellschaftlichen Fortschritt maßgeblich geprägt. Es wird Zeit, diese unzeitgemäße Illusion zu verabschieden.

Martina Heßler, Sisyphos im Maschinenraum. Eine Geschichte der Fehlbarkeit von Mensch und Technologie, C.H. Beck Verlag, München 2025
ISBN 9783406823305

Gesehen: Arctic (2018)

Ohne Vorgeschichte oder Hintergrundinformationen erzählt Drehbuchautor und Regisseur Joe Penna eine Geschichte vom Überleben in einer lebensfeindlichen arktischen Umgebung.

Nur wenige gesprochene Worte sind in dem knapp 93 minütigen Film zu vernehmen, dafür „sprechen“ die Bilder in einzigartiger Weise für sich im Kampf Mensch gegen Natur, wobei das Drehbuch den Figuren immer neue Herausforderungen auferlegt.

Inhalt (nach arte.tv):

Nach dem Absturz seines Flugzeugs in der Arktis überlebt Pilot Overgård [überragend gespielt von Mads Mikkelsen] nun seit einigen Wochen. Indem er im Wrack übernachtet und die sonstige Zeit zwischen Fischen und Wanderungen im tiefen Schnee auf der Suche nach einem Funksignal verbringt, schafft er es jedes Mal zum nächsten Morgen. Auf einer seiner täglichen Expeditionen wird das Licht seines Notsignalsenders plötzlich grün: Ein fremder Hubschrauber nähert sich Overgårds Position und sieht seine letzte daraufhin geopferte Leuchtrakete. Die verzweifelt erhoffte Rettung scheitert jedoch im Wirbel des Schneesturms: Der Hubschrauber stürzt ab.

Die einzige Überlebende, die Overgård aus dem Wrack zieht, ist eine thailändische Pilotin; ihr Zustand scheint hoffnungslos. Nichtsdestotrotz gibt ihr Auftauchen dem gestrandeten Piloten einen Hauch Lebensmut zurück, auch dank der Essensreserven aus dem Hubschrauber und einer Karte, auf der die Koordinaten einer Forschungsstation verzeichnet sind. Hoffnung auf Rettung keimt auf. Overgård macht sich auf den Weg, die verwundete Fremde auf einem Schlitten hinter sich herziehend. Ob sie es schaffen werden, die lange Strecke bis zur Station in der menschenfeindlichen Umgebung zu überstehen?

„Arctic“ erzählt nüchtern und damit umso spannender eine epische Überlebensgeschichte. Die Musikanteile sind minimal und die Totalen von der weißen arktischen Landschaft spektakulär. Der Erzählfaden ist der Mut eines einsamen Mannes; das Wrack seines grau-roten Flugzeugs ist der einzige visuelle Anhaltspunkt in der monotonen Landschaft. Es herrschen Kälte, Wind und Stille, selten gestört vom Klingeln einer Uhr, dank der Overgård seinen Tag unter den für sein Überleben notwendigen Aufgaben aufteilt. Die Winzigkeit des Menschen im Kontrast zur weiten, weißen Natur prägt den Film von seinem dramatischen Anfang bis an sein Ende.

Auf arte.tv noch bis 14. Februar 2026 verfügbar.

Supertramp – Live In Paris ’79

„Live in Paris ’79“, eine Aufnahme der Konzerte der Band im Dezember 1979 im Pavillon de Paris, wurde bereits am 28. Februar 2025 veröffentlicht. Ich habe die Neuveröffentlichung aber erst jetzt entdeckt.

Nach der Veröffentlichung ihres Albums „Breakfast in America“ im Jahr 1979 ging Supertramp auf Tournee, um das Album zu promoten, und nun haben Fans die Möglichkeit, dieses Live-Erlebnis noch einmal komplett zu genießen.

Ausgewählte Stücke aus den Shows erschienen bereits 1980 auf dem Live-Album „Paris“, aber die neue Veröffentlichung umfasst die komplette Show, aufgenommen während ihrer beiden Konzerte am 1. und 2. Dezember 1979, d.h. die Neuausgabe enthält sechs Livesongs, die es bisher auf Tonträgern nicht gab. Drei Songs aus „Even in the Quietest Moments“, zwei aus „Crisis? What Crisis?“ und ein weniger bekannter Titel aus „Breakfast in America“ („Child of Vision“) runden das Set ab.

Musik und Gesang auf dem Album sind makellos, und die Produktionsqualität ist ebenso erstklassig. Supertramps gelungene Kombination aus komplexer Songstruktur und Pop-Qualitäten wird auf dieser Archivveröffentlichung brillant hervorgehoben. Die insgesamt warme und sympathische Performance der Gruppe kommt in den Scherzen zwischen den Songs (die manchmal in bemühtem Französisch vorgetragen werden) und in der Musik zum Ausdruck.

Aus der Ferne betrachtet mag „Live in Paris ’79“ lediglich als erweiterte Version der 1980er Pariser Veröffentlichung erscheinen, doch tatsächlich ist es ein würdiger Ersatz für diese Veröffentlichung. Es bietet auch einen hervorragenden Überblick über das Werk von Supertramp in ihrer Blütezeit, der Neulingen den Weg zur Entdeckung des Albumkatalogs der Gruppe ebnen dürfte.

Wenn ich auf diese Zeit zurückblicke, war es wirklich eine einmalige Erfahrung … die beste Zeit“, erzählt Schlagzeuger Bob Siebenberg. John Helliwell, der Saxophon, Keyboard spielte, fügt hinzu: „Diese Konzerte in Paris waren definitiv ein Höhepunkt für uns, weil man die Reaktion des Publikums spüren konnte. Man kann tatsächlich die Unbeständigkeit des französischen Publikums hören. Sie klingen ein bisschen verrückt!

Besetzung:
Rick Davies – keyboards, harmonica, vocals
John Helliwell – saxophone, woodwinds, keyboards, vocals
Roger Hodgson – guitars, keyboards, vocals
Bob Siebenberg – drums, percussion
Dougie Thomson – bass, background vocals

Tracklist:
1. School (Live) (5:54)
2. Ain’t Nobody But Me (Live) (5:13)
3. The Logical Song (Live) (3:44)
4. Goodbye Stranger (Live) (6:42)
5. Breakfast In America (Live) (2:51)
6. Bloody Well Right (Live) (6:15)
7. Hide In Your Shell (Live) (6:58)
8. From Now On (Live) (6:57)
9. Child Of Vision (Live) (7:23)
10. Even In The Quietest Moments (Live) (4:50)
11. You Started Laughing (When I Held You In My Arms) (Live) (3:57)
12. A Soapbox Opera (Live) (5:01)
13. Asylum (Live) (6:47)
14. Downstream (Live) (3:27)
15. Give A Little Bit (Live) (4:26)
16. Dreamer (Live) (3:23)
17. Rudy (Live) (6:55)
18. Take The Long Way Home (Live) (4:38)
19. Another Man’s Woman (Live) (7:26)
20. Fool’s Overture (Live) (10:54)
21. Two Of Us (Live) (1:50)
22. Crime Of The Century (Live) (6:02)

Eine Antwort von „Piggy“

Quelle: Tumblr

Schweinchen Trump

Nicht das erste Mal, das der hirnlose faschistoide US-Präsident eine Journalistin beleidigt. Hintergrund (Video):

Während eines Flugs an Bord der Air Force One stellte Catherine Lucey, die Bloomberg-Korrespondentin im Weissen Haus, eine Frage zu den Epstein-Akten. Sie wollte wissen, weshalb Trump sich gegen deren Veröffentlichung stemme, wenn doch angeblich nichts Belastendes darin stehe. Der Präsident liess sie jedoch kaum ausreden und fuhr ihr wütend dazwischen: «Quiet, Piggy!» – «Sei still, Schweinchen!».

Quelle: 20 Minuten

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