Das Album „Southern Return“ des Schweizers Dimitri Howald wird zwar unter dem Label Jazz geführt, es ist aber bei weitem kein reines Jazzalbum – also auch für diejenigen, die der Musikgattung sonst nichts abgewinnen können, ein Grund mal hineinzuhören. Es lohnt sich!
Sein drittes Soloalbum „Southern Return“ kombiniert zeitgenössische Jazzmelodien und -harmonien mit Drum-Machine, sparsam eingesetzten Synthiesounds und Einsprengseln brasilianischer Musik.
Bis auf Sebastian Lötschers Violine im Stück „Serafin“ hat Howald alle anderen Instrumente im Alleingang eingespielt. Die Stücke haben alle eine gewisse Leichtigkeit, sind manchmal melancholisch und einschmeichelnd charmant. Im Vordergrund steht dabei Howalds Gitarrenspiel, überwiegend akustisch, aber auch mal fast rockig, wie im eingängigen „16-8“. Mit „Southern Return“ ist Howald ein sehr abwechslungsreiches Album gelungen, dass auch klanglich eine Empfehlung wert ist.
„Wir waren die beste und schlechteste Band. Wir starben, aber wir starben mit Stil.“ – Speedy Keen (Thunderclap Newman)
Thunderclap Newman verblüfften die Musikwelt im Sommer 1969 mit dem Erfolg ihrer wunderbaren Debütsingle „Something In The Air“, die keinen Geringeren als die Beatles von der Spitze der Charts verdrängte. Es folgte eine LP „Hollywood Dream„, die Nik Cohn als „eines der besten und bizarrsten Alben dieser Zeit“ bezeichnete, bevor sie sich nur wenige Monate nach der Veröffentlichung auflösten.
Thunderclap Newman waren eine der unwahrscheinlichsten Combos in der Geschichte der populären Musik mit vier ungleichen Charakteren, die ihren Kern bildeten: Pete Townshend, Songschreiber und Gitarrist von The Who, der die Fäden im Hintergrund zog; sein bester Freund und Fahrer, der Sänger/Songschreiber/Drummer John ‚Speedy‘ Keen; ein fünfzehnjähriges Gitarristenwunderkind namens Jimmy McCulloch (später bei Paul McCartney & Wings); und schließlich ein Telefontechniker, der zufällig auch ein brillanter improvisierender Jazzpianist war: Andy ‚Thunderclap‘ Newman.
Bis dahin hatte Townshend geplant, an Projekten für jeden der Musiker zu arbeiten, aber Kit Lambert (Produzent und Manager von The Who) drängte Townshend, der gerade an der Rockoper Tommy arbeitete, dazu, Zeit zu sparen und die drei Musiker zu einem gemeinsamen Projekt zu vereinen, das dann zu Thunderclap Newman wurde.
Die Single „Something in the Air“, das Keen geschrieben hatte, stand drei Wochen lang auf Platz eins der britischen Singles-Charts und löste damit ‚Ballad of John and Yoko‘ von den Beatles ab und verdrängte Elvis Presley. Ursprünglich trug der Song den Titel „Revolution“, wurde aber später umbenannt, weil die Beatles bereits 1968 einen Song dieses Namens veröffentlicht hatten, die B-Seite von „Hey Jude“. Im Dezember 1969 wurde die Single mit einer goldenen Schallplatte ausgezeichnet, da sie weltweit mehr als eine Million Mal verkauft wurde.
Thunderclap Newman hatte eigentlich keine Live-Auftritte geplant, aber die Band lenkte ein, als „Something in the Air“ zu ihrer gemeinsamen Überraschung ein Chart-Erfolg wurde. Das Trio, das durch Jim Pitman-Avery (Bass) und McCullochs älteren Bruder Jack (drums) verstärkt wurde, unternahm von Juli 1969 bis August 1969 eine 26-tägige Tournee durch England und Schottland, um Deep Purple zu supporten. Am 8. August gaben Pitman-Avery und McCulloch ihre Absicht bekannt, die Band zu verlassen.
Im Oktober 1970 veröffentlichte Thunderclap Newman das von der Kritik hochgelobte Album Hollywood Dream, das von Townshend produziert wurde und auf Platz 163 der Billboard 200 landete. Von Januar 1971 bis April 1971 gingen sie mit neuen Begleitmusikern ein weiteres Mal mit Deep Purple auf eine 19-tägige Tournee durch England und Schottland.
Die Mitglieder der Band hatten wenig gemeinsam. In einem Interview im New Musical Express von 1972 sagte Andy Newman, dass er zwar mit Keens Musik, nicht aber mit Keen persönlich zurechtkam, während bei McCulloch genau das Gegenteil der Fall war.
Thunderclap Newman löste sich im April 1971 auf, wenige Tage bevor sie eine Tournee durch Schottland beginnen und Wochen bevor sie Teil einer Tournee mit Marsha Hunt während der 12-wöchigen US-Tournee von The Who sein sollten.
Wer den Konzertfilm Baby Snakes von Frank Zappa gesehen hat, dem sind vor allem die verrückten Knetmännchen von Bruce Bickford in Erinnerung geblieben. Es gibt auch einen ausgezeichneten Dokumentarfilm über den Künstler, „Monster Road“ von Brett Ingram, der die wilden, fantastischen Welten des legendären Animationsfilmers erkundet.
Hier eine Reihe von Auszügen aus Bickfords riesigem Werk. Die Komplexität ist wirklich atemberaubend und macht verdammt viel Spaß!
„Außer dem Lesen von überregionalen Witzblättern sah er jeden Abend fern, am liebsten öffentlich-rechtlich. Erst die Nachrichten und danach die einschlägigen Selbstentlarvungsshows mit Plasberg, Will, Beckmann, Maischberger, Illner oder Lanz. Die industrialisierte Zurschaustellung von Inkompetenz erheiterte ihn.
Im Spätkapitalismus gab es keine Gesellschaft mehr, sondern nur noch ein Gesellschaftsspiel, dessen Ziel darin bestand, die kläglichen Überreste von Politik möglichst gekonnt in Unterhaltungswert umzusetzen. Da die Politiker nach eigenem Verständnis ohnehin nichts mehr zu entscheiden hatten, verwandelten sie sich in Politikdarsteller, deren Hauptaufgabe in Emotionstheater, Überzeugungsinszenierung und Entscheidungssimulation bestand.
In gewisser Weise war das Kunst. Es gab Empörungsarien, Schuld-zuweisungssinfonien und Forderungsballaden. Bequem saß Kron im Sessel, wie es das System von ihm erwartete, und schaute Kanzlerkandidaten, Oppositionsführern und Regierungssprechern beim Rüberkommen zu. Alle schauten zu. Der Konsumbürger schaute den Journalisten zu, wie sie den Politikern dabei zuschauten, wie diese der Wirtschaft beim Wirtschaften und den Katastrophen beim Eintreten zuschauten.
Alles ließ sich in den Zyklus des Zuschauens einspeisen, Eurokrisen, Erdbeben, explodierende Bohrinseln. Bei der Suche nach nicht vorhandenen, weil in Wahrheit nicht wirklich gewollten »Lösungen« ging es ausschließlich um das Erzeugen von Unterhaltungswert.“
Kron Auszug aus: Juli Zeh, Unterleuten Luchterhand Literaturverlag, München 2016 ISBN 9783630874876 Gebunden, 640 Seiten,
Patto war eine 1970 in England gegründete progressive Jazz-Rock-Band, die von dem Sänger Mike Patto mit einer von Timebox übernommenen Besetzung bestehend aus dem Sänger Patto, dem Schlagzeuger John Halsey, dem Gitarristen und Vibraphonisten Ollie Halsall und dem Bassisten Clive Griffiths gegründet wurde.
Dies ist ein vergessener Klassiker des progressiven Jazz-Rocks von den großen britischen Jazz-Rockern Patto. Die Band entstand aus der Asche von Timebox und wurde nach dem wilden Mann des britischen Rock, dem verstorbenen Mike Patto, benannt (geboren als Michael Thomas McCarthy am 22. September 1942 in Cirencester, Gloucestershire; gestorben am 4. März 1979 an lymphatischer Leukämie). Patto hatte das Glück, bei Vertigo, dem Label vieler Progressive-Rock-Klassiker, unter Vertrag genommen zu werden, und ging mit Muff Winwood als Produzent ins Studio. Winwood hatte 1967 die Spencer Davis Group verlassen, um eine Stelle als A&R-Chef bei Chris Blackwells Island Records anzutreten.
Winwood beschloss, „Patto“ mit einem „Live-in-the-Studio“-Gefühl aufzunehmen. „Patto“ wurde im November 1970 veröffentlicht, und es ist ein brillantes Album. Das Album ist bemerkenswert, nicht nur wegen der außergewöhnlichen Gitarrenarbeit von Ollie Halsall, der sowohl auf der E-Gitarre als auch auf dem Vibraphon zu erstaunlichen, vom Jazz inspirierten Läufen und unvorstellbaren Verzerrungsspitzen fähig war, sondern auch wegen des gekonnten Umgangs der Band mit komplexen Taktarten und Jazzwechseln.
Mike Patto selbst war ein großartiger Sänger, der sowohl mit sanften Balladen als auch mit schreiendem Rock’n’Roll zurechtkam und auch den Mittelweg fand. Das Album wurde sowohl von der Musikpresse als auch von Musikerkollegen hoch gelobt. Aber dieses großartige Album war ein kommerzieller Misserfolg und verkaufte sich angeblich nur etwa 5.000 Mal. Das mag unglaublich klingen, war aber in den frühen siebziger Jahren nicht ungewöhnlich, da es so viele großartige Bands gab und die Konkurrenz groß war.
…Und wenn alles vorüber ist –; wenn sich das alles totgelaufen hat: der Hordenwahnsinn, die Wonne, in Massen aufzutreten, in Massen zu brüllen und in Gruppen Fahnen zu schwenken, wenn diese Zeitkrankheit vergangen ist, die die niedrigen Eigenschaften des Menschen zu guten umlügt; wenn die Leute zwar nicht klüger, aber müde geworden sind; wenn alle Kämpfe um den Fascismus ausgekämpft und wenn die letzten freiheitlichen Emigranten dahingeschieden sind –:
dann wird es eines Tages wieder sehr modern werden, liberal zu sein.
Dann wird einer kommen, der wird eine gradezu donnernde Entdeckung machen: er wird den Einzelmenschen entdecken. Er wird dahinter kommen: Herrschaften, es gibt einen Organismus, Mensch geheißen, und auf den kommt es an. Ob der glücklich ist, das ist die Frage. Daß der frei ist, das ist das Ziel. Gruppen sind etwas Sekundäres – der Staat ist etwas Sekundäres. Es kommt nicht darauf an, daß der Staat lebe – es kommt darauf an, daß der Mensch lebe.
Dieser Mann, der so spricht, wird eine große Wirkung hervorrufen. Die Leute werden seiner These zujubeln und werden sagen: „Das ist ja ganz neu! Welch ein Mut! Das haben wir noch nie gehört! Eine neue Epoche der Menschheit bricht an! Welch ein Genie haben wir unter uns! Auf, auf! Die neue Lehre –!“
Und seine Bücher werden gekauft werden oder vielmehr die seiner Nachschreiber, denn der erste ist ja immer der Dumme.
Und dann wird sich das auswirken, und hunderttausend schwarzer, brauner und roter Hemden werden in die Ecke fliegen und auf den Misthaufen. Und die Leute werden wieder Mut zu sich selber bekommen, ohne Mehrheitsbeschlüsse und ohne Angst vor dem Staat, vor dem sie gekuscht hatten wie geprügelte Hunde. Und das wird dann so gehen, bis eines Tages…
Autor: Kurt Tucholskyunter dem Pseudonym Ignaz Wrobel Titel: Blick in ferne Zukunft aus: Die Weltbühne. Jahrgang 26, Nummer 44, Seite 665. Herausgeber: Carl von Ossietzky Erscheinungsdatum: 28. Oktober 1930
