Die Geschichte der Gruppe reicht bis ins Jahr 1961 in Guildford zurück, wo der Sänger und Songschreiber Phillip Goodhand-Tait die Pop-Rock-Band The Stormsville Shakers gründete, in der Kirk Riddle (starb im November 2017) den Bass spielte. 1967 änderte sich die Besetzung und der Name der Gruppe in CIRCUS und sie versuchten einen experimentelleren Ansatz in der Musik. Ihr einziges Album Circus , das 1969 veröffentlicht wurde, ist eine Kombination aus Songs von Collins und einer Reihe von Coverversionen, u.a. von The Beatles und The Mamas and Papas.
Sie spielten einen Jazz-Rock-Sound, der manchmal an Jethro Tull oder Caravan erinnerte, aber auch Vergleiche mit den frühen King Crimson sind möglich. Ohne Keyboards setzten Circus Saxophon und Flöte für ihre leidenschaftliche und melodische Art von progressiver Musik ein, bei der das Drumming von Chris Burrows in fast allen Stücken in den Vordergrund rückte.
Collins‘ Saxophon verleiht ihrer Interpretation von „Norwegian Wood“ einen satten Sound, um sie gewissermaßen neuartig zu machen. Mel Collins‘ Vater, Derek, spielt als Gast im Song „Pleasures Of A Lifetime“ Altflöte, die einen ganz eigenen Klang besitzt. Abzüge gibt es im Gesang von Ian Jelfs bei „Father of My Daughter“, wo er sich mit Collins zusammentut, um zu singen, aber es ist Chris Burrows‘ indische Tabla, die hier die Show stiehlt.
Die perkussiven Talente von Burrows kommen bei „St. Thomas“ zum Tragen, wo sein Schlagzeug perfekt mit den Holzbläsern harmoniert, während seine Congas in „Don’t Make Promises“ einen Jazz-Rock-Schwung verleihen. Bassist Kirk Riddle ist beim Charles Mingus Song „11 B.S.“ absolut verblüffend.
Circus löste sich nach einer kurzen Tournee 1969 auf – meiner Meinung nach ein Verlust. Aber zumindest kann man sich über dieses vergessene Juwel freuen, das so frisch und lebendig klingt wie bei seiner Veröffentlichung vor über 55 Jahren. Wer Jazz-Fusion mit einer guten Dosis Psychedelic Rock mag, sollte sich dieses unterschätzte Werk nicht entgehen lassen.
P.S.: Mel Collins wurde 1970 Nachfolger von Ian McDonald bei King Crimson.
Songs:
1. Norwegian Wood (7:20) 2. Pleasures Of A Lifetime (8:18) 3. St. Thomas (3:36) 4. Goodnight John Morgan (1:50) 5. Father Of My Daughter (3:21) 6. II B.S. (6:33) 7. Monday Monday (4:23) 8. Don’t Make Promises (4:44)
Erja Lyytinen – Skinny Girl (Dreamland Blues, 2006) Erja Lyytinen – Wedding Day (Another World, 2019) Ana Popovic – Don’t Bear Down On Me (Comfort For Your Soul, 2003) Sue Foley – Pinky’s Blues (Pinky’s Blues, 2021) Samantha Fish, Cassie Taylor, Dani Wilde – Bitch (Girls With Guitars, 2011) Samantha Fish – Faster (Faster, 2021) Eliana Cargnelutti – Why Do I Sing The Blues (Electric Woman, 2015) Eliana Cargnelutti – I Don’t Know (Aur, 2021) Joanna Connor – Destination (4801 South India Avenue, 2021) Joanna Connor – Big Girl Blues (Big Girl Blues, 1996) Sue Foley – New Used Car (Live in Austin Vol. 1, 2023) Ana Popovic – Object of Obsession (Live For Live, 2020)
Die Tatsache, dass das Debütalbum der Sharks heute kaum mehr als eine Fußnote in der Fülle von Hardrockbands ist, die von der britischen Bluesszene der späten 60er Jahre hervorgebracht wurden, ist sehr bedauerlich.
Die 1973 von Bassist Andy Fraser (früher bei Free) und dem Gitarristen Chris Spedding gegründeten Sharks haben es in ihrer kurzen Existenz nur auf zwei richtige Alben gebracht, aber das Können, das sie auf ihrem Debütalbum zeigen, ist das einer wirklich bemerkenswerten Band.
Angeführt von Snips, dessen Gesangsstil wie ein junger Joe Cocker mit einer schlimmen Bronchitis klingt, mischen die Sharks die aggressive Energie von The Who mit dem lockeren Schwung der Faces, während sie gleichzeitig von den schlammigen Klängen der Peter Green-Ära Fleetwood Mac durchdrungen sind. Quelle: Steve Hoffman
Frasers und Speddings Sharks-Partnerschaft sollte jedoch nur kurz sein: Ein Autounfall auf dem Rückweg von einem Gig in Speddings Pontiac LeMans (der mit einer Flosse auf dem Dach und Zähnen auf dem Kühlergrill ausgestattet war – siehe Bild) führte zu Frasers Krankenhausaufenthalt und später zu seinem Ausscheiden aus der Band.
Sie wurden von Island Records unter Vertrag genommen und veröffentlichten 1973 das Album „First Water“, das von den Kritikern vor allem wegen Chris Speddings Gitarrenarbeit hoch gelobt wurde. Es ist das erste von drei Alben, die die Band aufnahm und gilt als ihr bestes Werk. Andy Fraser verließ die Band noch vor ihrem zweiten Album „Jab It In Yore Eye“.
Tracks
1. World Park Junkies (Chris Spedding, Snips) – 3:18 2. Follow Me (Andy Fraser) – 4:34 3. Ol‘ Jelly Roll (Snips) – 2:37 4. Brown-eyed Boy (Andy Fraser) – 2:54 5. Snakes And Swallowtails (Snips) – 3:50 6. Driving Sideways (Andy Fraser) – 4:09 7. Steal Away (Snips) – 6:11 8. Doctor Love (Andy Fraser) – 3:25 9. Broke A Feeling (Andy Fraser, Marty Simon, Snips) – 4:11
Sharks
Andy Fraser – Bass, Piano Marty Simon – Drums Steve Parsons „Snips“ – Vocals Chris Spedding – Guitar
Sandy Denny, geboren als Alexandra Elene MacLean Denny (6. Januar 1947 – 21. April 1978), war eine englische Singer-Songwriterin und Leadsängerin der britischen Folkrock-Band Fairport Convention. Sie wurde als „die herausragende britische Folk-Rock-Sängerin“ bezeichnet.
Die Biografie von Mick Houghton mit dem Titel „I’ve Always Kept a Unicorn“ (Ich habe mir immer ein Einhorn gehalten) erzählt die Geschichte von Sandy Denny, einer der größten britischen Sängerinnen ihrer Zeit und der ersten weiblichen Singer-Songwriterin, die ein umfangreiches und dauerhaftes Werk an eigenen Liedern vorlegte.
Sandy Denny legte den Grundstein für den Folk-Rock, als sie 1968 der Gruppe Fairport Convention beitrat, aber ihre Musik ging in den siebziger Jahren weit darüber hinaus. Nach ihrem Ausstieg bei Fairport Convention gründete sie die Band Fotheringay, deren einflussreiches gleichnamiges Album 1970 veröffentlicht wurde. Im Laufe des Jahrzehnts erschienen vier Soloalben von ihr.
Sandy kam aus der Folkszene der sechziger Jahre. Ihre Geschichte steht im Mittelpunkt von Sandys späterem Leben und Werk und wird mit Hilfe von mehr als sechzig ihrer Freunde, Musikerkollegen und Zeitgenossen erzählt, von denen einer bemerkte, dass sie wie ein Engel sang, aber kein Engel war.
Sandy Dennys Einfluss ist heute weitgehend auf den Folk beschränkt, ein Genre, aus dem – zumindest in Großbritannien – nur Laura Marling als großer Durchbruch gesehen wird. Der Sunday Express beschrieb sie 2007 als „die Amy Winehouse ihrer Zeit“, aber nur gemessen an ihren „Unsicherheiten und ihrem Abgleiten in die Sucht, die ihr Talent und ihren Ruf durch Geschichten von Exzessen überschatteten“.
Sandy wurde Folksängerin, anstatt dem Stereotyp des Pop-Püppchen aus den sechziger Jahren nachzueifern, über das sie immer so abfällig gesprochen hatte. „Sie finden einfach ein kleines Starlet“, sagte sie. „Es ist egal, ob der Song etwas bedeutet oder nicht. Wenn er gut genug aufgenommen ist, wird er ein Hit. Mit dieser Einstellung bin ich wirklich nicht einverstanden. Das ist so geldgierig. Es wäre durchaus möglich, dass ich eine Hitsingle bekomme, ins Studio gehe und sie aufnehme und einen großen Hit habe. Das ist etwas, was ich nie getan habe und auch nicht tun will.“
Sandys Bandbreite als Songschreiberin war nicht groß; ihre bekanntesten und bedeutendsten Kompositionen folgen fast alle dem Muster langsamer, düsterer und/oder nachdenklicher Balladen, oft mit anspielungsreicher und poetischer Bildsprache. Eine solche Herangehensweise hätte nie zum großen Durchbruch einer Single führen können. „Who Knows Where the Time Goes?“ ist bis heute der einzige von Sandy geschriebene Song, der ein Hit wurde, wenn auch für Judy Collins, und nur in den USA, nicht in ihrer Heimat. Es ist wahrscheinlich der einzige Song von ihr, den Gelegenheitsfans nennen können. Sandy sprach nur selten über ihren Lieblingssong, und meist nur, wenn sie gefragt wurde. „Er war einer meiner ersten Songs“, sagte sie 1973, “und ich wünschte, die Leute würden sich einige der anderen Songs anhören, obwohl einige Leute immer noch behaupten, es sei der beste Song, den ich je geschrieben habe. Sie können nicht alle falsch liegen, obwohl ich ihnen nicht zustimme“.
Zum Zeitpunkt ihres Todes sah es fast so aus, als ob man ihr Werk völlig übersehen werde, bis die rechtzeitig und sorgfältig zusammengestellte 4-LP-Box „Who Knows Where the Time Goes?“ Ende 1985 von Island veröffentlicht wurde. Die Auswahl spiegelt auf brillante Weise Sandys Karriere wider und enthält viele ihrer klassischen Auftritte und besten Songs. Nur vier bisher unveröffentlichte Songs waren unter den ungehörten Live-Auftritten, Demos und BBC-Aufnahmen, die etwa die Hälfte der ausgewählten Titel ausmachen. Boxsets waren 1985 noch keine Routine, und die Auflage von 3.500 Exemplaren war schnell vergriffen, aber es war viele Jahre zu früh, um das Interesse über ihre treuesten Fans hinaus zu wecken.
Als Richard Thompson, ehemaliges Mitglied von Fairport Convention, 1999 das Vorwort zu Pamela Winters‘ unveröffentlichter Biografie über Sandy Denny, No Thought of Leaving, schrieb, war er fast wütend über ihren ausbleibenden Kulterfolg: „Ihre Platten passen nicht in die gängigen Formate, versetzen die Programmmacher nicht in Paroxysmen, lassen die Hörer nicht abstimmen. Für die Hit-Nostalgie der 60er und 70er Jahre kam sie nicht in Frage: Sie hatte nie Hits. Rock-Album- Radiosender? Hat nie genug Alben verkauft. Sogar Nick Drake schleicht sich in die eine oder andere Easy-Listening-Sendung; die Musik ist einlullend und trügerisch, etwas Romantisches für einen Kult, an dem man sich festhalten kann.“
Die Musik von Sandy wurde jedoch endlich neu bewertet und einer neuen Generation vorgestellt. Die Karrieren vieler bedeutender Künstler wurden nun systematisch aufgearbeitet, und Sandys war keine Ausnahme. In ihrem Fall war dies jedoch eine besonders lohnende Übung; insbesondere die 1997 von Strange Fruit veröffentlichte, Aufnahme The BBC Sessions 1971-1973, die zehn Jahre später zu dem Box-Set Sandy Denny at the BBC erweitert wurde. Es folgten erweiterte CD-Veröffentlichungen aller ihrer Solo- und verwandten Alben.
Sandy Denny – Live at the BBC (2007)
Jetzt kann man Sandys Lebenswerk selbst beurteilen, von ihren ersten skizzenhaften Demos von „Who Knows Where the Time Goes?“ bis hin zu ihrem erschütternden Abschiedssong „Makes Me Think of You“. Fast jeder klassische Song, den sie geschrieben hat, ist als Demo zugänglich, am aufschlussreichsten sind die Demos für das Album Rendezvous, die nach Ansicht eines Rezensenten „ein Korrektiv für die Vorstellung darstellen, dass Dennys Kreativität sich in einem unumkehrbaren Niedergang befindet“.
Vergleiche mit Nick Drake sind unvermeidlich geworden, aber Drake hat ein weitaus größeres Publikum erreicht als Sandy, und das nicht nur durch einen Volkswagen-Fernsehspot von 1999, in dem „Pink Moon“ zu hören war. „Sandy und Nick betrachteten einander mit Respekt, aber aus einer gewissen Distanz“, sagt Joe Boyd. „Sandy konnte keine Beziehung zu Nick aufbauen, und Nick war ihr gegenüber genauso zurückhaltend wie gegenüber den meisten Menschen.“
Gegen Ende ihres Lebens wurde Sandy von dem Streben nach dem kommerziellen Erfolg geplagt, der ihr lange Zeit versagt geblieben war, obwohl sie sich weniger danach sehnte als diejenigen, die ihn für sie wollten. Ihr fehlte zunehmend das Vertrauen in ihr Handeln, und ihr Urteilsvermögen wurde immer widersprüchlicher und eigenwilliger. Trotz ihres Rufs und ihres außergewöhnlichen Talents war sie zum Zeitpunkt ihres Todes vielen unbekannt.
Nach der kühlen Rezeption von „The North Star Grassman and the Ravens“, ihrem ersten und eindrucksvollsten Soloalbum, äußerte sich Sandy in einem Interview für den BBC World Service ergreifend: „Ich möchte einfach mit mehr Menschen kommunizieren. Ich kommuniziere mit vielen Menschen, aber das ist noch nicht genug. Und das nicht aus reinem Gewinnstreben heraus. Ich will es einfach, das ist mein Ziel. Ich möchte glücklich sein. Ich möchte mit meiner Arbeit glücklich sein. Aber das geht alles sehr langsam, und wenn wir noch Zeit haben in dieser Welt, dann werde ich vielleicht eines Tages dort ankommen.“
Am Ende konnte sie die Zeit jedoch nicht besiegen.
Ich habe immer in einer Villa gelebt auf der anderen Seite des Mondes.
Ich habe mir immer ein Einhorn gehalten und ich singe nie verstimmt.
Ich könnte dir sagen, dass das Gras wirklich grüner ist auf der anderen Seite des Hügels ist, aber ich kann nicht mit dir kommunizieren und das werde ich wohl auch nie.
Wir sind alle gegangen – solo. Wir alle spielen – solo. Ist das Leben nicht ein Solo.
Im ersten Teil ging es um die Zeit der Gründung von Soft Machine bis zum Jahr 1967.
Im Dezember 1968 gründeten Wyatt und Ratledge aufgrund vertraglicher Verpflichtungen „The Soft Machine“ neu, wobei ihr ehemaliger Roadmanager Hugh Hopper Ayers am Bass ersetzte. Hooper war wie Ayers und Wyatt ein Gründungsmitglied von The Wilde Flowers. 1969 nahmen „The Soft Machine“ ihr zweites Album „Volume Two“ auf, das einen Wechsel zum Fusion Jazz einleitete. Das Album erfüllte den Vertrag der Band mit Probe Records und sie unterschrieben dann Anfang 1970 bei CBS Records.
Im Mai 1969 spielten The Soft Machine als Begleitband auf zwei Titeln von The Madcap Laughs, dem Debüt-Soloalbum von Syd Barrett von Pink Floyd. Kurz nach den Barrett-Aufnahmen stieß Hoppers Bruder Brian Hopper, ein weiterer Mitbegründer von Wilde Flowers, als Saxophonist zu The Soft Machine. Zu dieser Zeit nahm die Band den Soundtrack für die Multimediashow Spaced auf, die Mitte 1969 fünf Tage lang in London lief. Der Soundtrack wurde 1996 von Cuneiform Records kommerziell veröffentlicht.
Im Oktober 1969, nach dem Ausstieg von Brian Hopper, erweiterte sich The Soft Machine zu einem Septett; Wyatt, Ratledge und Hugh Hopper fügten eine vierköpfige Bläsersektion hinzu, die aus den Saxophonisten Elton Dean und Lyn Dobson, dem Kornettisten Mark Charig und dem Posaunisten Nick Evans bestand. Nach zwei Monaten verließen Charig und Evans die Band wieder.
Das Quintett bestand bis März 1970, als Dobson die Gruppe verließ. Das verbliebene Quartett nahm das Doppelalbum „Third“ (1970) und das darauffolgende Album „Fourth“ (1971) auf. „Third“ war größtenteils instrumental, mit Ausnahme von Wyatts Song „Moon in June“, dem letzten Soft Machine-Song mit Text. Ungewöhnlich für die damalige Zeit ist, dass auf jeder der vier Seiten eine Suite zu hören ist. „Third“ ist inzwischen das meistverkaufte Album von Soft Machine.
Ab dem vierten Album wurde die Band komplett instrumental, sowohl auf der Platte als auch auf der Bühne, nachdem Wyatt die Band kurz nach der Veröffentlichung des Albums verlassen hatte. In dieser Zeit feierte die Band in ganz Europa Erfolge und wurde als erste Rockband eingeladen, im August 1970 bei den Londoner BBC Proms aufzutreten, die Show wurde live im britischen Fernsehen übertragen.
Nach Differenzen über die musikalische Ausrichtung der Gruppe wurde Wyatt im August 1971 gefeuert und gründete Matching Mole (ein Wortspiel mit „machine molle“, französisch für „weiche Maschine“; man sagte damals auch, dass es von der Bühnenbeleuchtungs-ausrüstung „Matching Mole“ abgeleitet sei). Er wurde kurzzeitig durch den australischen Schlagzeuger Phil Howard ersetzt. Diese Besetzung tourte Ende 1971 ausgiebig durch Europa und begann mit den Aufnahmen zu ihrem nächsten Album „Fifth“, aber weitere musikalische Unstimmigkeiten führten Anfang 1972 zur Entlassung von Howard, und das Album wurde mit seinem Ersatz John Marshall fertiggestellt.
„Fifth“ wurde 1972 veröffentlicht, wobei die erste Seite Stücke enthielt, die mit Howard aufgenommen wurden, und die zweite Seite Stücke, die mit Marshall aufgenommen wurden. Später im selben Jahr verließ Dean die Band und wurde durch Karl Jenkins ersetzt, der neben dem Saxophon auch Keyboards spielte. Sowohl Marshall als auch Jenkins waren ehemalige Mitglieder von Ian Carr’s Nucleus. Das nächste Album der Band war das halb live, halb im Studio aufgenommene Doppelalbum „Six“, das Anfang 1973 erschien.
Nach der Veröffentlichung von „Six“ verließ Hopper die Band und wurde durch Roy Babbington, ein weiteres ehemaliges Nucleus-Mitglied, ersetzt. Während dieser Zeit begann Jenkins, die Rolle des Bandleaders und des Hauptkomponisten zu übernehmen. Nach der Veröffentlichung von „Seven“ (1973) wechselte Soft Machine erneut die Plattenfirma von CBS zu Harvest Records, einem Unterlabel von EMI Records.
Ende 1973 wurde mit Allan Holdsworth ein weiteres ehemaliges Nucleus-Mitglied in die Band aufgenommen, der erste Gitarrist seit Andy Summers‘ kurzer Amtszeit im Jahr 1968. Holdsworth spielte auf dem nächsten Album „Bundles“ (1975) mit, bevor er die Band Anfang 1975 verließ. Holdsworths Ersatz war John Etheridge, und der Saxophonist Alan Wakeman, ein Cousin des Yes-Keyboarders Rick Wakeman, stieß Anfang 1976 ebenfalls dazu.
Das nächste Album, „Softs“ (1976), war das erste ohne Ratledge, das letzte verbliebene Originalmitglied der Band, das im März 1976 ausstieg. Weitere Mitglieder von Soft Machine in den späten 1970er Jahren waren der Saxophonist Ray Warleigh, der Violinist Ric Sanders und die Bassisten Percy Jones von Brand X und Steve Cook. 1977 nahmen Soft Machine das Live-Album „Alive & Well: Recorded in Paris“ auf, das Anfang des folgenden Jahres veröffentlicht wurde. 1978 traten Soft Machine einmal live auf, und zwar am 8. Dezember beim Sound & Musik Festival in Dortmund, mit der Besetzung Marshall, Jenkins, Cook und Holdsworth. Nach diesem Auftritt lösten sich Soft Machine auf.
