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Pete Townshend zur WHO Covergestaltung

Am 31. März 2025

Bevor er Rockstar wurde, studierte Pete Townshend am Ealing Art College in London kinetische Bildhauerei. Etwa zur gleichen Zeit entwickelte er ein Interesse an den Arbeiten von Sir Peter Blake, einem britischen Pop-Künstler, der das Cover von Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band der Beatles sowie Alben für Oasis, Paul Weller und Eric Clapton entworfen hat.

„Ich war ein großer Fan“, sagt Townshend gegenüber Entertainment Weekly (EW) über den jungen Maler, der später das Cover von The Who’s 1981er LP Face Dances sowie von WHO von 2019, dem ersten Album der Band mit Originalmaterial seit 13 Jahren, gestaltete. „Ich habe ihn zuerst in einem Buch entdeckt und ihn dann bei einer Ausstellung des Institute of Contemporary Art [1964] kennengelernt. Ich war schon immer in [seine Kunst] verknallt. Ich war begeistert, ihn zu treffen. Er ist sehr sanft.“

Kunst und Design waren schon immer ein wichtiger Faktor in der Arbeit von The Who. Seit 1965 hat die Band eine Vielzahl von legendären Covern, Logos und Ikonografien geschaffen – einige davon wurden von Blake selbst beeinflusst. Blake erzählt EW: „[Townshend] lieh sich viele Bilder, die ich benutzte, wie die Zielscheibe der [Royal Air Force], die Flagge des Union Jack und einen schwarz-weißen diagonalen Streifen“. Bei der Gestaltung des Covers von WHO arbeitete der legendäre Künstler mit dem Grafikdesigner und häufigen Mitarbeiter Simon Halfon zusammen. Ihr Konzept basierte auf Blakes Serie The Sources of Pop Art, die Bilder verwendet, die einst von den Pop-Künstlern Andy Warhol und Roy Lichtenstein benutzt wurden.

„Wir haben uns entschieden, etwas zu machen, das Pop Art ist und sich auf einige der Symbole bezieht, die ich im Laufe der Jahre verwendet habe“, sagt Blake. Das Cover ist auch eine direkte Anspielung auf die Geschichte der Band: Es zeigt Bilder eines Flipperautomaten (in Anspielung auf den 1969er-Hit „Pinball Wizard“), gebackene Bohnen (eine Anspielung auf das Cover von „The Who Sell Out“) und Eel Pie Island (ein kleiner Landstrich in London, auf dem Townshend kurzzeitig lebte und auf dem die Who schon früh ein paar Auftritte hatten).

Bei der Veröffentlichung des letzten Studioalbums WHO ging Pete Townshend auf einige der kultigsten Albumcover der Who ein, auf ihre verschiedenen Einflüsse und darauf, welche er absolut verabscheut.

„Ich denke, das Cover ist einfach erbärmlich. Es ist ein Beispiel für eine neue Band, die von einer Plattenfirma geführt wird, die – für uns zu der Zeit – ein alter Mann gewesen wäre, der keine Ahnung hatte, worum es bei uns ging. Ich meine, es ist einfach eine schäbige kleine höfliche Plattenhülle. Der Fotograf war ein netter Kerl und er hat ein paar gute Bilder von uns gemacht. Aber es ist verrückt. Ich hasse es. Das ganze Bild scheint die Größe von Keith Moons Penis zu haben, um ehrlich zu sein, was in der Tradition der damaligen Zeit wahrscheinlich eine Socke war.“

„Ich hatte diese – ich werde es nicht als Idee bezeichnen – ich hatte einfach Spaß an dem Gedanken, dass wir eines Tages berühmt genug sein könnten, um den Platz zwischen unseren Tracks auf dem Album für Werbespots zu verkaufen. So kamen wir auf die Idee, Jingles [für The Who Sell Out] zu schreiben. Einer war ‚Odorono‘, über Deodorant… Und dann machten wir die [Album-Cover] Session und es waren zwei Leute daran beteiligt: Dave Montgomery, der der Art Director und Fotograf war, und Roger Law, der Typ, der für die Spitting Image Puppen im britischen Fernsehen verantwortlich ist.

Sie hießen uns sehr, sehr willkommen und ließen jeden von uns ein anderes Foto machen. Wir hatten eine Menge Spaß. Ich glaube, der Einzige, der keinen Spaß hatte, war Roger [Daltrey], weil die gebackenen Bohnen direkt aus dem Kühlschrank stammten. Es war also ein bisschen so, als hätte man ein Eisbad genommen. Ich bezweifle sehr, dass [Daltrey] eine Lungenentzündung bekam [wie er 2009 in einem Interview mit der BBC sagte], aber ich glaube nicht, dass es viel Spaß gemacht hat. Die lustigsten Geschichten, die damit verbunden sind, sind die, dass wir versucht haben, Heinz Baked Beans dazu zu bringen, uns etwas Geld zu geben, und sie haben uns nur ein paar Bohnen geschickt.“

„Es gibt ein Buch, das gerade zur Feier des 50-jährigen Jubiläums von [Tommy-Cover-Künstler] Mike McInnerney veröffentlicht wurde, in dem meine Ex-Frau Karen [Astley] ein Interview über die Zeit gegeben hat, in der dieses Album und das Artwork [entstanden] sind. Es war die Geburtsstunde der Hippie-Ära. Es war LSD, Haight Ashbury, und in London waren es Pink Floyd im UFO Club und das International Times Magazine.
Wir hatten gerade in Monterey [Pop Festival] gespielt, und Karen kam mit mir. Auf dem Rückweg hatten wir einen wirklich schlimmen LSD-Trip. Wir schworen uns beide, nie wieder LSD zu nehmen, obwohl wir es geliebt hatten, und wir liebten die bunte Hippie-Szene. Wir kamen zurück nach London und interessierten uns für einige der großen Fragen, die der LSD-Konsum aufgeworfen hatte: „Wer bin ich, was bin ich, was mache ich hier? Und wir gingen zu einer kleinen Veranstaltung, auf der Mike McInnerney einige Kunstwerke ausstellte. Ich fing an, mit ihm zu reden, und er stellte mir den indischen Lehrer Meher Baba vor, und ich war sofort Feuer und Flamme. Ich fühlte eine wirklich tiefe Verbindung.

Wir hatten ein langes Gespräch und ich erzählte ihm von meinem Projekt, das darin bestand, diese Rockoper zu schreiben. Der Beitrag von Mike McInnerney war wirklich ein Teil dessen, was [Tommy] so gut funktionieren ließ. [Nachdem ich ihn gebeten hatte, das Artwork zu machen] – dieses Gitterding mit unseren Bildern dazwischen – er hat es nicht sofort gemacht. Er fing an, jeden Song zu nehmen und zu versuchen, ein Stück darüber zu machen. Ich besuchte ihn alle paar Tage und unterhielt mich mit ihm darüber, wie sich das Ganze entwickelte. Und er musste, genau wie ich, Änderungen in letzter Minute vornehmen. Er arbeitete unter einer einzigen Glühbirne. Er benutzte Gouache. Es ist sehr detailliert. Die Qualität des Kunstwerks ist sehr, sehr raffiniert. Auch die Art und Weise, wie er an die Sache herangegangen ist, erinnert an [René] Magritte. Es ist eine Sache, die man sich gerne ansieht, wenn man die Musik betrachtet.„

„Es ist ein weiteres Stück Scheiße. Ich hasse es. Es ist eine furchtbare Sache. Einfach furchtbar. Natürlich mag ich es nicht. Es hat überhaupt keine künstlerische Bedeutung. Keine Verbindung zur Musik. Es ist bedeutungslos. Es sind vier Typen, die in einem Auto anhalten und gegen einen Betonklotz pissen. Es wurde von einem sehr guten Fotografen fotografiert, Ethan Russell, den ich, Gott sei Dank, sehr mochte und für Quadrophenia wieder einsetzte, aber ich hasse das Frontcover, ich hasse das Backcover, ich finde es ekelhaft. Ich nehme an, die Vorstellung war, dass 2001: Odyssee im Weltraum der Film der Stunde war [und wir] auf diesen 2001-Monolithen pissen – was noch dümmer ist, denn ich glaube, wir alle fanden den Film fabelhaft. Das hat nichts mit Ironie zu tun, das hat nichts mit Wahrheit zu tun.“

Quelle: Entertainment Weekly - übersetzt von zappalott

Das Leben will lebendig sein

Von zappalott

Am 29. März 2025

In Allgemein, Musik

Ein Lied von Konstantin Wecker, das 2018 auf dem Album „Sage Nein – Antifaschistische Lieder 1978 bis heute“ erschienen ist und – leider – nichts an seiner Aussage verloren hat:

Was ist passiert? Wie kann das sein?
Was grölen die für Lieder?
Was kocht da derart unverblümt
die braune Brühe wieder?

Wie hasserfüllt muss jemand sein
von wie viel Angst besetzt
dass er sein Heil in etwas sucht
das mordet und verletzt

Sieg Heil? Was war das für ein Sieg?
Und wessen Heil war das?
Wer wird schon heil in einer Welt
voll Angst, Gewalt und Hass?

[Auszug aus dem Liedtext]

Memoiren eines Herzensbrechers Teil 2

Von zappalott

Am 27. März 2025

In Allgemein, Literatur, Musik

Der langjährige Freund und Sideman von Tom Petty, Mike Campbell, hat kürzlich seine Memoiren „Heartbreaker“ veröffentlicht.

Siehe auch Teil 1

Heartbreaker: A Memoir von Mike Campbell, Ari Surdoval
Englisch | 18. März 2025
ISBN: 0306833190, 9780306833212

Das 1979er Album „Damn the Torpedoes“ war der erste Mega-Seller, aber es hätte die Band fast zerstört. Wie sich Campbell in seinen Memoiren erinnert, setzten der Produzent Jimmy Iovine und sein Techniker Shelly Yakus alle im Studio so sehr unter Druck, dass es sich langsam wie psychologische Kriegsführung anfühlte. Der Schlagzeuger der Heartbreakers, Stan Lynch, hatte die Hauptlast der Tortur zu tragen; bei zahlreichen Gelegenheiten stürmte Lynch aus dem Studio, nur um dann, wenn es nicht mehr ging, wieder zurückgeholt zu werden (Lynch verließ die Band 1994).

Campbell erinnert sich, dass er mindestens 70 Takes von „Refugee“ gespielt hat, einem Song, der als Campbell-Riff begann, bevor Iovine, Yakus und Petty ihn absegneten. „Es war nicht einfach, weil Tom sehr direkt war und keine Dummheiten duldete, und er sagte ziemlich genau die Wahrheit. Es gab einfach eine Menge Druck, großartig zu sein.“

Und dann war da noch die Frage des Geldes. Schon früh legte der Co-Manager der Heartbreakers, Elliot Roberts, die Sache klar und deutlich fest: Petty würde 50 % des Gewinns erhalten und die Band würde sich die andere Hälfte teilen. Dieses Arrangement, so Campbell, sorgte jahrelang für Unmut bei Heartbreakers-Keyboarder Benmont Tench. Während der „Torpedo“-Sessions kam es zu einem Wortwechsel zwischen Campbell und Petty, in dem Campbell einen größeren Anteil an seiner Arbeit forderte, woraufhin Petty drei Worte sagte: „I’m Tom Petty.“ Ende der Diskussion.

„Um fair zu sein, Tom gab mir einen großen Anteil an ‚Full Moon Fever‚ “, bemerkt Campbell in Bezug auf Pettys Multiplatin-Soloalbum von 1989. „Er hatte auch eine großzügige Seite.“

Noch wichtiger ist, dass Petty und Campbell gemeinsam Songs schrieben, die Millionen von Menschen heute kennen: „You Got Lucky“, ‚Refugee‘, ‚Here Comes My Girl‘ und viele mehr. Als Petty mehr Songs von Campbell annahm, blühte Campbells Selbstvertrauen als Songwriter auf, und er verzweigte sich über die Band hinaus und schrieb zusammen mit Don Henley die Megahits „The Boys of Summer“ und „The Heart of the Matter“. „Tom brachte mich dazu, an mich selbst zu glauben. Wir waren immer in der Lage, über Dinge zu reden und uns wieder zu lieben und zu respektieren. Das ist der Grund, warum wir so lange zusammengeblieben sind.“

Tom zweifelte nie daran, dass wir es schaffen würden. Als ich nur noch wusste, dass ich nirgendwo hin konnte, wusste Tom, dass wir es bis an die Spitze schaffen würden. Nichts würde ihn aufhalten können. Er war klein und dünn, aber er konnte unzerbrechlich sein. Er konnte dem Druck standhalten wie niemand, den ich je gesehen habe. Tom Petty war einer der härtesten Menschen, die ich je getroffen habe, aber das konnte ihn hart zu den Menschen machen. Und dann hat er sich schlecht gefühlt und sich selbst runtergemacht. Er war sehr besorgt. Manchmal machte er mich so wütend, dass ich ihn nicht ansehen konnte. Aber nichts konnte uns jemals trennen. Wir waren Brüder aus derselben Muse. Schon früh, bevor wir es überhaupt wussten, hatten wir eine unausgesprochene Abmachung getroffen, dass wir den Weg gemeinsam gehen würden, egal was passiert. Ich und er. Mit Volldampf voraus, vom Anfang bis zum Ende.

Der erste Ort, an dem Tom und ich jemals zusammen spielten, war eine Oben-ohne-Bar an der Route 441 außerhalb von Gainesville. Wir spielten Creedence-Cover vor einem Haufen betrunkener Hinterwäldler, die mit leeren Schlitz-Dosen nach uns warfen, wenn wir ihnen die Sicht auf die Tänzerinnen versperrten.

Der letzte Ort, an dem wir zusammenspielten, war der Hollywood Bowl. Der letzte Song, den wir zusammenspielten, war „American Girl“, der letzte Song auf dem ersten Album, das wir je zusammen gemacht haben. Es war das Ende der Show, das Ende der Tournee, das Ende des Weges. Und am Ende des Songs gibt es einen dieser Gitarrenparts, von denen ich dir erzählt habe. Dieses kleine Gitarrenriff habe ich über dem Outro gespielt. Als wir es aufnahmen, spielte ich es nur als Platzhalter, bis mir etwas Besseres einfiel. Tom wollte nicht, dass ich es ändere.

Er sagte: „Bist du verrückt?

In den nächsten vierzig Jahren jubelten die Leute jedes Mal, wenn ich das kleine Gitarrenriff am Ende spielte. Sie jubelten mir zu, dem armen Kind von der anderen Seite der Gleise, dem stillen Kind im Hintergrund, dessen Träume irgendwie alle wahr wurden. Sie jubelten für den glücklichsten Kerl der Welt.

Die Menge erhob sich an diesem Abend, als ich den Song im Hollywood Bowl spielte, von den Sitzen. Als der Song zu Ende ging und die letzten Töne, die wir zusammenspielen würden, erklangen, schaute ich zu Tom hinüber. Er strahlte. Seine Augen waren voller Freude. Und er warf mir diesen Blick zu, dieses Grinsen. Wenn Sie ihn kennen, wissen Sie, wovon ich spreche. Er warf mir diesen Blick zu, als wollte er sagen: „Ich habe es dir gesagt.“

Übersetzter Auszug der Einleitung zu Heartbreaker: A Memoir von Mike Campbell, Ari Surdoval.

Memoiren eines Herzensbrechers

Von zappalott

Am 25. März 2025

In Allgemein, Literatur, Musik

Der langjährige Freund und Sideman von Tom Petty, Mike Campbell, hat kürzlich seine Memoiren „Heartbreaker“ veröffentlicht.

Heartbreaker: A Memoir von Mike Campbell, Ari Surdoval
Englisch | 18. März 2025
ISBN: 0306833190, 9780306833212

Mike Campbells „Heartbreaker“ ist eine rasante, fast zärtliche Rock’n’Roll-Erinnerung für die Ewigkeit. Es ist zum Teil eine Geschichte vom Tellerwäscher zum Millionär und zum Teil ein raues Abenteuer, das Campbells Leben und seine Zeit als Leadgitarrist von Tom Petty and the Heartbreakers beschreibt.

Von ihren Anfängen in Florida über ihren schwindelerregenden Aufstieg zu Superstars bis hin zu Pettys gefeierten und mit Platin ausgezeichneten Soloalben Full Moon Fever und Wildflowers – Petty hat nie eine Platte ohne ihn gemacht. Ihre gemeinsame Arbeit ist zeitlos, ebenso wie die karrierebestimmenden Hits, die Campbell zusammen mit Don Henley („The Boys of Summer“) und mit Petty für Stevie Nicks („Stop Draggin‘ My Heart Around“) geschrieben hat.

Aber nur wenige wissen von dem wenig glamourösen Hintergrund, aus dem Campbell hervorging – eine entbehrungsreiche Kindheit im Norden von Jacksonville, oft nur kurz vor der Obdachlosigkeit, aufgezogen von einer alleinstehenden Mutter, die mit dem Mindestlohn kämpfte. Nachdem er monatelang gespart hatte, kaufte ihm seine Mutter zu seinem sechzehnten Geburtstag eine Akustikgitarre für 15 Dollar aus dem Pfandhaus. Mit einem Akkordbuch und einem Transistorradio brachte sich Campbell mühsam das Spielen bei.

Als ihn eine zufällige Begegnung mit einem Studienberater dazu inspirierte, sich an der University of Florida einzuschreiben, zog Campbell – pleite, ohne Bleibe und mit der drohenden Einberufung nach Vietnam – in ein heruntergekommenes Farmhaus in Gainesville, wo er den 20-jährigen Tom Petty kennenlernte. Die beiden waren bald unzertrennlich. Zusammen verfolgten sie ihren gemeinsamen Traum bis nach Los Angeles, wo Campbell seinem Schicksal und der Liebe seines Lebens, Marcie, begegnete.

Es war ein manchmal zermürbender Traum, der wahr wurde und Campbell von ganz unten nach ganz oben brachte, wo Tom Petty and the Heartbreakers jahrzehntelang bleiben und ein erstaunliches Werk schaffen sollten.

Der brillante, wortkarge und sehr private Campbell öffnet sich in seinem Buch zum ersten Mal und offenbart sich als scharfsinniger Beobachter von Triumphen, Tragödien und Absurditäten gleichermaßen, mit dem Auge eines Songwriters für das entscheidende Detail und einer Stimme, die so direkt und unprätentiös ist wie seine Musik.

Heartbreaker ist Mike Campbells herzliches Porträt der lebensrettenden Liebe zur Musik und der kreativen Höhenflüge, die er durch Glück, Zusammenarbeit, Bescheidenheit und außergewöhnliches Talent erreichte.

In seinen Memoiren erinnert sich Mike Campbell unter anderen an einen Nachmittag in den frühen 70er Jahren, als Tom Petty – Campbells Bandkollege in einer Coverband namens Mudcrutch in Gainesville, Florida – einen seiner Songs spielte. Während Petty die Akkorde seines zukünftigen Hits „Don’t Do Me Like That“ zupfte, sagte Campbell zu Petty: „Ich würde meinen rechten Arm geben, wenn ich einen Song wie diesen schreiben könnte.“

Campbell war damals ein begabter Gitarrist, der bei einer alleinerziehenden Mutter aufwuchs und verzweifelt versuchte, sich aus der Armut zu befreien und Profi zu werden. Als er Petty kennenlernte, jobbte er für einen Hungerlohn und dachte ernsthaft darüber nach, sich zum Militär zu melden. „Ich wollte Gitarre spielen, um zu vermeiden, einen richtigen Job zu bekommen oder der Air Force beizutreten“, so Campbell.

„Solange mir jemand einen Dollar für das Spielen bezahlte, wollte ich das auch tun.“ Campbell schrieb auch Songs – sie waren gut, aber nicht großartig. Petty dagegen schrieb gut und schnell, er war ein herausragendes Talent, und Campbell würde mit ihm auf Kurs bleiben.

„Heartbreaker“ ist eine Geschichte über Ausdauer und Geduld, die letztlich belohnt wird. In kürzester Zeit wurde aus Petty, nun ja, Tom Petty, und Campbell wurde ein „Gitarrengott“. Als Meister des perfekten Gitarrenparts haben sich Campbells Soli ebenso unauslöschlich eingebrannt wie Pettys verspieltes Knurren. Die beiden arbeiteten so gut zusammen, dass Petty, als er außerhalb der Band Soloalben aufnahm, Campbell zum Schreiben, Produzieren und Spielen verpflichtete. „Wenn du jemanden triffst und eine Links- oder Rechtskurve machst, kann das dein ganzes Leben bestimmen“, sagt Campbell. „Wenn ich Tom nicht getroffen hätte, oder wenn ich früher aufgehört hätte, als die Dinge schwierig wurden, weiß ich nicht, wohin mein Leben geführt hätte.“

Die Dinge waren jahrelang schwierig als Musiker bei Mudcrutch, die Band legte tausende Meilen zurück, sie spielte Hunderte von Bar-Gigs im ganzen Süden, auf der Suche nach der richtigen Alchemie, die sie von jeder anderen exzellenten Coverband in Florida unterscheiden würde.

Es gab eine große Bar in Gainesville namens Dub’s, in der die Gruppe wochenlang jede Nacht spielte und gelegentlich eines von Pettys klingenden, von den Byrds inspirierten Originalen einstreute. „Damals“, schreibt Campbell, “versuchte jeder, wie die Allman Brothers zu klingen. Niemand spielte … kurze Songs mit süßen Harmonien und großen Refrains.“

Die Band spielte für betrunkene und wütende Biker, begleitete Wet-T-Shirt-Wettbewerbe und lieferte sich Schreikämpfe mit gierigen Clubbesitzern. Einige frustrierte Bandmitglieder stiegen aus; Campbell wusste es besser. Er wusste, dass Petty sein goldenes Ticket war. „Wir waren jung und hatten einen Traum“, sagt Campbell. „Wir waren nicht wirklich davon überzeugt, dass wir es zu etwas bringen würden, aber wir träumten davon“.

Foto: Robert Gauthier / Los Angeles Times

Laut Campbell war Petty, der damals erst 19 Jahre alt war, temperamentvoll, selbstbewusst und voller Ideen. Petty dachte immer fünf Schritte weiter als alle anderen in der Band. „Er hatte den Ehrgeiz und den Antrieb, etwas Großes zu schaffen und sich nicht ablenken zu lassen oder sich mit weniger zufrieden zu geben“, bemerkt Campbell. „Aber in vielerlei Hinsicht waren wir uns sehr ähnlich, vor allem in Bezug auf die Musik, die wir liebten.“ Es war Petty, der mit einem Demotape in der Tasche an die Türen von Plattenfirmen klopfte, bis Shelter Records ihn entdeckte und die Band ins Leben rief. „Ich wollte nie mit ihm um die Führung konkurrieren, aber ich konnte derjenige sein, der die Lücken füllt. Ich konnte ihn antreiben und ihn besser machen.“

Vielleicht ist „Heartbreaker“ mehr als alles andere ein Lehrstück darüber, wie man effektiv in einer Band mit einem Alphamännchen arbeitet. Campbell lernte, wie man ein Schlichter und Vermittler wird, wie man triviale Streitigkeiten löst, wie man die Dinge zum Wohle des Ganzen glättet und wie man nicht zulässt, dass die Gier dem großen Ganzen in die Quere kommt. Petty konnte sprunghaft und unberechenbar sein – “he knew that he was the straw that stirred the drink” (er wusste, dass er der Strohhalm war, der das Getränk umrührte) – immer aber ermutigte er Campbell zum Schreiben.

„Tom war sehr selbstbewusst“, so Campbell. „Ich hatte meine eigenen Songs, also folgte ich ihm und trug das Beste bei, was ich konnte.“ Anstatt der Gruppe seine Songs aufzudrängen, stupste Campbell Petty sanft mit einer Kassette mit skelettartigen Akkordfolgen oder einem Refrain an, in der Hoffnung, dass Petty einen Song „erschnüffeln“ würde. Diese Art der Zusammenarbeit brachte Klassiker hervor, aber nicht ohne einige Bedenken von Seiten Campbells.

„Am Anfang war ich unsicher, was mein Schreiben angeht. Ich feile gerne an meinen Texten, bevor ich sie jemandem zeige, sogar meiner Frau. Es gab Zeiten, in denen Tom sich lange Zeit nahm, bevor er sich mein Material anhörte, aber dann kam er mit etwas Unglaublichem heraus. Das ist mir lieber, als mit jemandem Auge in Auge in einem Raum zu sitzen…“

Tom Petty & The Heartbreakers erlebten 1976 ihren Durchbruch, als ihr selbstbetiteltes Debütalbum die Hymnen „American Girl“ und „Breakdown“ hervorbrachte, aber je mehr auf dem Spiel stand, desto größer wurde auch der interne und externe Druck. Campbell tat sein Bestes, um sicherzustellen, dass kühlere Köpfe die Oberhand gewannen und die Band nicht unter der Last der Erwartungen zusammenbrach.

–-> Fortsetzung folgt….

Jethro Tull veröffentlicht neues Album

Von zappalott

Am 21. März 2025

In Allgemein, Musik

Jethro Tull haben ihr 24. Album „Curious Ruminant“ am 7. März veröffentlicht. Ihr drittes Album innerhalb von drei Jahren, seit Ian Anderson die Band mit „The Zealot Gene“ von 2022 wiederbelebt hat.

„Curious Ruminant“ könnte sich auf einen Wiederkäuer beziehen, aber in diesem Fall bezieht es sich auf Menschen, die über etwas nachdenken“, sagt Anderson. „Und es ist neugierig‘ im Sinne von forschend, weil man etwas herausfinden und darüber nachdenken will, und nicht neugierig im Sinne von ’seltsam‘.“

Anderson begann mit dem Schreiben des Albums kurz nachdem er die Arbeit an „RökFlöte“ von 2023 beendet hatte. War das Album noch von der nordischen Mythologie inspiriert, verzichtet der Nachfolger auf ein übergreifendes Konzept oder Thema.

„Wenn es eine übergeordnete Überlegung gibt, dann war es ein bisschen persönlicher zu sein, ein bisschen mehr Herz auf dem rechten Fleck, anstatt eines objektiven und malerischen Stils“, sagt Anderson.

Musikalisch erinnert das Album mit seinen neun Titeln nur ein wenig an Jethro Tull aus der Mitte der 70er Jahre, mit Ausnahme des über 16 Minuten langen „Drink From The Same Well“ – der längste Song den sie seit dem 1975er Album „Minstrel In The Gallery“ aufgenommen haben.

Er wurde ursprünglich vor einigen Jahren als ein Duett mit dem indischen Flötisten Hariprasad Chaurasia geschrieben. Anderson hat Teile des Liedes neu aufgenommen und den Text weiterentwickelt.

„Es geht um die Tatsache, dass wir alle im selben Boot sitzen – wir atmen alle die gleiche Luft, wir ernten alle das gleiche potenzielle Verhängnis des Klimawandels, wir sollten besser aufpassen, dass wir alle aus dem Boot aussteigen und über die Bordwand pinkeln und nicht hinein.“

An anderer Stelle befasst sich „Over Jerusalem“ mit dem aktuellen Zustand des Nahen Ostens aus einer anderen Perspektive.

„Es zieht eine Parallele zwischen einem Vogel, der über die Stadt schaut, mit all ihrer Geschichte, ihren Schwächen und Positivem und Negativem, und vergleicht sie mit einer militärischen Drohne“, sagt Anderson, der in Israel in den 1980er Jahren gespielt hat und die Gewinne aus Auftritten in dem Land an NGOs gespendet hat, die sich für Menschenrechte, Bildung und Zusammenarbeit zwischen den verschiedenen sozialen und religiösen Gruppierungen engagieren. „Ich habe definitiv versucht, es nicht zu einem politischen Lied zu machen – es ist eher ein Gefühl von leicht verzweifelter Zuneigung.“

Einer der bewegendsten Songs des Albums ist „Interim Sleep“, dessen Spoken-Word-Text auf einem Gedicht basiert, das für einen imaginären Freund geschrieben wurde, der gerade einen Todesfall erlitten hat.

„Es ist ein sehr intimes und nachdenkliches Stück, das auf der Idee basiert, was passiert, wenn man stirbt“, sagt Anderson. „Ich spiele eher mit dem Begriff des Glaubens, als dass ich ihn fest im Blick hätte, aber die Idee, dass es einen fortbestehenden Geist und eine Beziehung nach dem Tod gibt, ist die Grundlage mehrerer Religionen und ist ein Trost für verschiedene Menschen verschiedener Glaubensrichtungen.“

“Curious Ruminant“ ist eine Fortführung der Karriere des 77-jährigen Anderson mit einer Mischung aus Kreativität und Dynamik – fast wie gewohnt.

„Wenn man älter wird, spürt man definitiv, dass dies nicht für immer ist“, sagt er. „Man wird sich zunehmend bewusst, dass es wahrscheinlich eine gute Idee ist weiterzumachen und die Dinge zu tun, die man tun möchte, ob das nun Reisen oder das Aufnehmen eines neuen Songs ist. Und sobald man den Bissen zwischen den Zähnen hat und sagt: ‚Ich schreibe einen neuen Song‘, kommt der Schneeball ins Rollen.“

Anderson sagt, dass er plant, „Curious Ruminant“ zu spielen, wenn Jethro Tull auf Tournee gehen.

„Wir werden sicherlich ein paar Songs vom neuen Album spielen, und wir werden weiterhin jeweils einen Song von den letzten zwei Alben spielen“, sagt er. „Aber die Setlist wird ein paar mehr frühe Jethro-Tull-Songs enthalten, die ich schon seit ein paar Jahren nicht mehr gespielt habe.“

Das wird sicherlich vielen der alten Tull-Fans gefallen.

Quellen: PROG, Issue 157, 04.02.2025 | jethrotull.com

Colosseum – Legenden auf Tour

Von zappalott

Am 17. März 2025

In Allgemein, Musik

Seit mehr als 50 Jahren existiert Colosseum. Eine wechselhafte Bandgeschichte, in der sich die Band mehrmals auflöste, genauso oft gelang aber auch ihre Wiedervereinigung.

Colosseum spielt am 24.04.2025 um 20:00 Uhr in der MUSA, Göttingen

Colosseum, waren eine der ersten Bands, die Jazz, Rock und Blues miteinander verbanden. Sie wurde Anfang 1968 von Schlagzeuger Jon Hiseman und Tenorsaxophonist Dick Heckstall-Smith gegründet. Ihr erstes Album Those Who Are About to Die Salute You, das mit der Graham Bond-Komposition „Walkin‘ in the Park“ eröffnet wurde, erschien Anfang 1969. Im März desselben Jahres wurden sie eingeladen, an der Supershow teilzunehmen, einer zweitägigen, gefilmten Jam-Session, zusammen mit dem Modern Jazz Quartet, Led Zeppelin, Jack Bruce, Roland Kirk Quartet, Eric Clapton, Stephen Stills und Juicy Lucy.

Das zweite Album von Colosseum, das 1969 erschien, war Valentyne Suite, die erste Veröffentlichung auf Philips neuem Label Vertigo, das gegründet wurde, um Künstler unter Vertrag zu nehmen und zu fördern, die nicht zur Hauptmarke von Philips passten.

Für das dritte Album, The Grass Is Greener, das 1970 nur in den USA veröffentlicht wurde, ersetzte Dave „Clem“ Clempson den Sänger und Gitarristen James Litherland. Louis Cennamo ersetzte kurzzeitig Tony Reeves am Bass, wurde aber innerhalb eines Monats wiederum durch Mark Clarke ersetzt. Dann rekrutierte Hiseman den Sänger Chris Farlowe, damit Clempson sich auf die Gitarre konzentrieren konnte. Diese Besetzung hatte bereits einen Teil des Albums Daughter of Time von 1970 aufgenommen.

Im März 1971 nahm die Band Konzerte im Big Apple Club in Brighton und an der Universität Manchester auf. Hiseman war von der Atmosphäre bei der Show in Manchester beeindruckt, und die Band kehrte fünf Tage später für ein Gratiskonzert zurück, das ebenfalls aufgezeichnet wurde. Die Aufnahmen wurden 1971 als Doppelalbum Colosseum Live veröffentlicht. Im Oktober 1971 löste sich die ursprüngliche Band auf.

Je mehr Zeit verging, desto unwahrscheinlicher schien es, dass sie jemals wieder zusammenarbeiten würden. Anfang 1975 gründete Hiseman Colosseum II mit Gary Moore, im Mai stieß Don Airey dazu. Moore an der Gitarre brachte einen stärkeren Rock-Einfluss ein. 1977 nahmen sie verstärkt durch weitere Musiker Variations für Andrew Lloyd Webber auf. Nach drei Jahren mit drei fast ausschließlich instrumentalen Alben zerbrach die Band, auch am geringen kommerziellen Erfolg. Gary Moore ging zurück zu Thin Lizzy, Don Airey zu Rainbow.

Das große Interesse an den neu gemasterten CD-Veröffentlichungen ihrer Originalalben trug dazu bei, Jon Hiseman davon zu überzeugen, die Wiedervereinigung von Colosseum voranzutreiben. 1994 holte er die Gruppe wieder zusammen – in der Original-Besetzung von 1971. Colosseum absolvierte eine erfolgreiche Reunion-Tour, bei der das Album Colosseum LiveS und eine Aufzeichnung für den WDR–Rockpalast entstanden. Die Aufnahmen zeigten, dass sie nichts von ihrer Energie verloren hatten.

Mehr als 30 Jahre nach ihrer Gründung waren Jon Hiseman, Chris Farlowe, Clem Clempson, Dave Greenslade und Mark Clarke immer noch aktiv. Tragischerweise erlag der Saxophonist Dick Heckstall-Smith Ende 2004 einem 18 Monate andauernden Kampf mit seiner Krankheit und starb. Jon’s langjährige Ehefrau und international renommierte Saxophonistin Barbara Thompson sprang für ihn ein und wurde ein festes Mitglied.

Die Auflösung der Band im Jahr 1971 bedeutete, dass ihre letzte Veröffentlichung ein Live-Album war, das als eines ihrer besten Werke angesehen wurde – und es ist vielleicht passend, dass sie die Rückkehr von Colosseum mit einer weiteren Live-Aufnahme einleiteten.

Nach dem Tod von Jon Hiseman 2018 haben sich Colosseum erneut wiedervereinigt. Das Line-up besteht aus Chris Farlowe, Clem Clempson und Mark Clarke, ergänzt durch Kim Nishikawara (Saxophon), Nick Steed (Tasten, Orgel) und Malcolm Mortimore (Schlagzeug). Diese Besetzung begann ihre Tourneen durch Deutschland, Österreich und Ungarn. Im April 2022 veröffentlichten sie ihr neues Studioalbum, Restoration mit anschließenden Festival-Terminen in Italien, Deutschland und Finnland. In diesem Jahr verstarb leider auch Barbara Thompson. 2023 spielte die Band auf Sommerfestivals in Deutschland und startete eine Europatournee im Herbst. Und sie touren bis heute.

Unter dem Motto “Out Into The Fields“, präsentieren die Originals Chris Farlowe, Clem Clempson & Mark Clarke neben Colosseum Klassikern wie “Lost Angeles“ oder der “Valentyne Suite“ auch Songs ihres aktuellen Studioalbums “Restoration“ sowie des brandneuen Albums „XI“ (release 21. März/Repertoire Records).