Juicy Lucy war eine britische Bluesrock-Band, die offiziell am 1. Oktober 1969 gegründet wurde. Nach dem Ende der Band „The Misunderstood“ wurde Juicy Lucy von dem in den USA geborenen Steel-Gitarristen Glenn Ross Campbell und dem Saxophonisten Chris Mercer aus Blackburn gegründet. Später stießen der Sänger Ray Owen, der Gitarrist Neil Hubbard, der Bassist Keith Ellis und der Schlagzeuger Pete Dobson zur Gruppe hinzu. Der Bandname wurde von einer Figur aus „The Virgin Soldiers“ (1966) von Leslie Thomas inspiriert.
Die Band landete mit ihrer Coverversion der Bo Diddley-Komposition „Who Do You Love?“ sofort einen Top-20-Hit im Vereinigten Königreich und verfehlte mit ihrem gleichnamigen Debütalbum nur knapp die Top 40 der britischen Albumcharts. Auf dem Cover des Albums war eine Burlesque-Tänzerin namens Zelda Plum zu sehen, die bis auf eine Hülle aus Obst nackt war (in einigen Versionen ist weniger Obst zu sehen als in anderen).
Es folgten Besetzungswechsel: Der ehemalige Zoot Money-Sänger Paul Williams, der Gitarrist Micky Moody und der Schlagzeuger Rod Coombes ersetzten Ray Owen (der sich Killing Floor anschloss, bevor er eine Solokarriere startete), Neil Hubbard und Pete Dobson, bevor das 1970er Album Lie Back and Enjoy It (#53 – UK Albums Chart) aufgenommen wurde. Ein anderer Bassist, Jim Leverton, übernahm Ellis‘ Aufgaben für das Nachfolgealbum „Get a Whiff A This“ von 1971.
Die ständige Fluktuation forderte ihren Tribut von der Gruppe, sowohl in kreativer als auch in kommerzieller Hinsicht. Die Mitbegründer Campbell und Mercer sowie Coombes verließen die Gruppe noch vor dem vierten Juicy Lucy-Album, dem 1972er Album „Pieces“, das von einer provisorischen Besetzung aus Williams, Moody, dem Keyboarder Jean Roussel und der ehemaligen Blodwyn Pig-Rhythmusgruppe, bestehend aus dem Bassisten Andy Pyle und dem Schlagzeuger Ron Berg, aufgenommen wurde. Juicy Lucy löste sich kurz darauf auf. Zwar wurden später noch einige Nachfolgebesetzungen initiiert, die aber erfolglos blieben. Micky Moody war zwischen 1973 und 1976 Mitglied von Snafu und wurde 1978 Mitglied der Gründungsbesetzung von Whitesnake.
Der Song erreicht Platz 2 der Billboard Hot 100 für die Woche bis Samstag, 17. Oktober 1964.
Dies ist nicht nur eine der meistgespielten Platten in der sieben Jahrzehnte währenden Musikgeschichte von Motown, von 1959 bis heute, sondern auch eine der bekanntesten Geschichten. Es wurde sogar ein ganzes Buch über sie geschrieben, mit dem Titel „Ready For A Brand New Beat: How ‚Dancing In The Street‘ Became The Anthem For A Changing America“ von Mark Kurlansky, erschienen 2014.
Drei der Personen, die am meisten an der Entstehung des Albums beteiligt waren, verdienen es, hier vorgestellt zu werden. Da ist zunächst der Co-Autor und Produzent Mickey Stevenson, der in seinen Memoiren („The A&R Man“) erzählt, dass „Dancing In The Street“ ursprünglich für seine Frau Kim Weston gedacht war. Nachdem die Arbeit an dem Instrumentalstück abgeschlossen war, beschloss Mickey, Martha Reeves – seine damalige Sekretärin – eine Demo-Stimme singen zu lassen, damit Kim die Melodie hören konnte. „Als Martha den Song fertig gesungen hatte“, schrieb Mickey, „herrschte völlige Stille im Kontrollraum. Marvin Gaye, Ivy Jo und ich sahen uns alle schockiert an! Wir hatten alle dasselbe gehört und gefühlt. Martha hat das Lied wie ein Star gesungen.“
Marvin sagte seinem Biographen David Ritz in „Divided Soul“, dass er nicht „einer der Figuren hinter den Kulissen“ sein wollte, unabhängig von seinen Fähigkeiten im Hinterzimmer. „Ich war entschlossen, nach vorne zu gehen“, sagte er. „Am Ende arbeitete ich an Stücken wie ‚Dancing In The Street‘ für Martha and the Vandellas. Auch wenn ich damals den größten Teil des Textes schrieb und meine Partner vielleicht nur ein Wort oder eine Note beisteuerten, teilte ich die Anerkennung mit ihnen zu gleichen Teilen. Ich hatte keine Ahnung, wie man komponiert. Ich hatte Angst, dass mein Schreibtalent so groß ist, dass ich vom Singen abgelenkt werde.“
Anhand dieser Platte würde niemand Marvins Fähigkeiten als Songwriter in Frage stellen, aber es war sicherlich sein Gesang, der ihn zum Superstar machte. In ihrer gemeinsam mit Mark Bego verfassten Autobiografie bezeichnete Martha Reeves „Dancing In The Street“ als „einen unserer krönenden Erfolge“. Als sie den Song zum ersten Mal hörte, war Marvin der Sänger, und sie hatte das Gefühl, dass er nicht zu ihrer Tonart passte. „Also sagten sie: ‚OK, Martha, überarbeite ihn‘, und mir fiel die Melodie ein.“ Sie fügte hinzu: „Ich habe immer gesagt, dass ‚Dancing In The Street‘ das größte Geschenk von Mickey Stevenson an mich ist. Er hat es nicht nur geschrieben, sondern auch produziert. Kim Weston erinnert mich immer daran, dass der Song auf ihrem Dachboden geschrieben wurde, weil sie zu der Zeit mit Mickey Stevenson verheiratet war, und ich ziehe sie immer damit auf, dass sie einen guten Song hat entkommen lassen – direkt unter ihrem eigenen Dach!“
Und welche Platte verhinderte, dass „Dancing In The Street“ im Oktober 1964 seinen rechtmäßigen Platz an der Spitze der Billboard Hot 100 einnehmen konnte? Es war Manfred Manns „Do Wah Diddy Diddy“, das Martha & the Vandellas zwei Wochen in Folge auf den zweiten Platz verwies. Glücklicherweise verdrängte Motown dann Manfred Mann mit „Baby Love“, der zweiten Nummer Eins der „Supremes“. Doch das wird Martha nicht gefallen haben: Sie und ihre Vandellas kamen nie wieder so nah an die Spitze der Hot 100 heran.
REMAKES
Motown-Hits haben die Fantasie von Hunderten, wenn nicht Tausenden von Sängern und Musikern auf der ganzen Welt beflügelt, aber die Zahl der Remakes hat selten die Hundertergrenze überschritten. „Dancing In The Street“ ist ein solcher Song. Er hat Solisten (von Little Richard bis George Clinton, von Livingston Taylor bis Neil Diamond, von Gary Glitter bis Phil Collins) und Solistinnen (von Brenda Lee bis Cilla Black, von Petula Clark bis Linda Jones, von Irma Thomas bis Laura Nyro) angezogen – aber vor allem hat er Gruppen aus vielen Musikgenres angezogen. Um nur einige zu nennen, die diese „Straße“ zum Tanzen gebracht haben: die Everly Brothers, die Dovells, die Kinks, die Mamas & Papas, die Walker Brothers, die Who, die Grateful Dead, Black Oak Arkansas, die Flirtations, Van Halen, Human Nature und Atomic Kitten. Ganz zu schweigen von zwei der größten Stars der letzten 60 Jahre…
David Bowie und Mick Jagger – nicht so sehr für den Ruhm, sondern für wohltätige Zwecke. Es war der Live-Aid-Organisator Bob Geldof, der die beiden britischen Rock-Superstars aufsuchte und sie bat, den Erlös ihrer Version von „Dancing In The Street“ für die afrikanische Hungerhilfe zu spenden, für die er sich einsetzte. Einem Bericht zufolge nahmen die beiden ihren Gesang in vier Stunden auf, während Bowie in den Londoner Abbey Road-Studios am Soundtrack von „Absolute Beginners“ arbeitete. „Wir haben es in nur zwei Takes aufgenommen“, sagte Jagger dem „Rolling Stone“. „Es war eine interessante Übung, wie man etwas machen kann, ohne sich zu viele Gedanken zu machen“. Anschließend machten er und Bowie sich an die Arbeit für ein Video zu dem Song, das ebenfalls in London aufgenommen wurde und 1985 zweimal während der transatlantischen Live-Aid-Veranstaltung gezeigt wurde. Für diesen wohltätigen Zweck gab es dann die ersten Erfolge: „Dancing In The Street“ erreichte die Billboard Top 10, die Nummer eins (vier Wochen lang) in Großbritannien und erreichte auch in vielen anderen Ländern Spitzenplätze in den Charts. Das geht um die ganze Welt.
am 10. Oktober 1969 das Album „In The Court Of The Crimson King“ – das legendäre Meisterwerk von King Crimson, das für mich eines der besten ProgRock-Alben aller Zeiten ist. Die Band bestand aus: Robert Fripp – g Greg Lake – b, voc Ian McDonald – mellotron, fl, sax, p, org, bvoc Michael Giles, drums, perc, bvoc Peter Sinfield – lyrics
Das Album stieg in Großbritannien auf Platz 5 und später auf Platz 28 der US-Charts ein. Besonders für die damalige Zeit war das Cover, welches ohne Informationen auf der Plattenhülle veröffentlicht wurde. Die Idee dazu kam von Robert Fripp:
„Das Cover war so seltsam und kraftvoll wie alles andere, was mit dieser Gruppe zu tun hatte. Barry Godber, ein Freund von Peter [Sinfield] und Dik the Roadie, war kein Künstler, sondern ein Computerprogrammierer. Dies war das einzige Albumcover, das er malte. Barry starb im Februar 1970 im Alter von 24 Jahren im Bett. Das Cover war ebenso prägend und ein Klassiker wie das Album. Und sie gehörten beide zusammen. Das schizoide Gesicht war wirklich furchteinflößend, vor allem, wenn eine Albumwerbung ein ganzes Schaufenster füllte.
Die starke, bahnbrechende Musik und die auffällige Albumhülle, eine der ersten ohne Bandnamen oder Plattenfirmenlogo auf der Vorderseite, stiegen direkt in die Top Five der Albumcharts ein und wollten gehört werden.
Pete Sinfield: „Wenn der Name nicht auf dem Cover stand, bedeutete das, dass man, wenn man die Regale im Plattenladen durchstöberte und auf die Platte stieß, sie aufmachen musste, um zu sehen, wer es war. Du wurdest weiter in unsere Welt geführt. Man hofft, dass man es dann hören und kaufen will. Genau so wurde es gemacht. Ich erinnere mich, dass ich kurz nach der Veröffentlichung in der Oxford Street war und ein ganzes Schaufenster voll davon sah, und ich stand da und dachte: ‚Mist, was haben wir getan?’“
Greg Lake hatte keinen Zweifel an der Bedeutung des Albums:
„Es war der Startschuss für den progressiven Rock. Ich denke, dass es auch andere Bands gab, denen man eine neue Haltung in der Musik zuschreiben kann: Pink Floyd waren eine Band, die neue Sachen mitbrachte. Ich würde also nicht sagen, dass Crimson die einzige Band war, die neue Dinge einführte, aber wir waren sicherlich grundlegend und wichtig für die progressive Bewegung. Das Album hat eine Menge Veränderungen ausgelöst.“
Fangst ist eine 4köpfige Band aus Oslo. Ihre CD „Fangst Sinatra“ (veröffentlicht im Februar 2024) setzt die einzigartige Mischung aus Energie und stilistischer Vielfalt der Band nach ihrem 2022er Album „Føniksinstituttet“ fort. Das Album präsentiert eine gelungene Verschmelzung von Indie-Rock, Pop, Folk und elektronischer Musik, die ein dynamisches und fesselndes Hörvergnügen schafft – wenn man sich auf die nicht alltägliche norwegische Sprache einlässt.
Tracks wie „Knivsegg“ und „Lang lang vei“ zeigen, dass die Band ein Händchen für schöne Melodien hat, während die Produktion ein Gleichgewicht zwischen komplexer Instrumentierung und kraftvollem Gesang schafft. Die gefühlvolle Stimme des Leadsängers Johannes Fjeldstad hebt sowohl die zarten Balladen als auch die dynamischeren Songs hervor und sorgt für ein Album, das von Anfang bis Ende in seinen Bann ziehen kann.
Der musikalische Ansatz der Band ist erfrischend roh und widersetzt sich dem Trend zur digitalen Perfektion, was sich auch in ihrem energiegeladenen Aufnahmestil widerspiegelt. Das Ergebnis ist, dass die Songs Authentizität haben. Und der Mann, der dem zweiten Album von Fangst seinen Namen gab, ist mit der Band in ihrem Glauben an die Musik vereint. Frank Sinatra sagte einmal: „Den Troubadour wird es geben – den Balladensänger – weil ich glaube, dass die Welt einen Liebhaber liebt, und sie liebt einen Kerl, der eine Gitarre spielt und schöne Lieder singt.“
Ich habe ja ein faible für Musik der 70er Jahre. Viele der damaligen Gruppen haben es leider nicht geschafft, die Aufmerksamkeit zu bekommen, die sie verdient hätten. Heute wirkt ihre Musik für die allermeisten sicher sehr antiquiert und vielleicht auch belanglos. Zu diesen Bands gehört auch Renia aus GB. Sie ist eine der wenigen Bands, die 1973 Rockmusik spielen, die man auch mit den R&B-Bands der Mittsechziger verbindet. Die Qualität von Renias LP wurde von einem bekannten Musikjournalisten so zusammengefasst: „Dies ist eines der wenigen Alben, die ich mir tatsächlich kaufen würde.“
Viele sind dieser Absicht jedoch nicht gefolgt… Das einzige Renia-Album „First Offenders“ wurde 2011 wieder veröffentlicht und ist ein solides und ziemlich geradliniges Album mit starkem Gesang, schönen Melodien und einigen progressiven Einflüssen (wie die fast allgegenwärtige Hammond-Orgel und das mächtige Mellotron in dem wirklich schönen ‚Shelter‘-Song). Im Netz sind nicht allzuviele Infos über die Gruppe zu finden. In einem Forum hat sich ein ehemaliger Roadie geäußert:
Ich war in den frühen 1970er Jahren Roadie für die Band. Die Bandmitglieder auf dem Album waren Peter Sutherland (Keyboard), sein Zwillingsbruder Malcom (Bass), John Robinson (Gitarre), Richard Desmond (Schlagzeug), der ein paar Monate vor der Aufnahme des Albums ausstieg und auf dem Album durch Dave Mathews und Kenny Stewart (Leadgesang) ersetzt wurde. Wir hatten viel Spaß bei unseren Auftritten in London, wo wir damals als Support für große Namen wie Joe Walsh, James Gang, Argent, Thin Lizzie, Fleetwood Mac und viele andere auftraten. In dem Video ‚All that glitters‘ auf YouTube, das von der BBC gedreht wurde, haben die Filmemacher es geschafft, alle Namen falsch zu nennen. Das hat mich zum Schmunzeln gebracht. Wir Roadies haben auch mehr Geld mit den Aufnahmen verdient als die Band. Das ist nichts Neues.
Leider blieb diese schlecht promotete Band völlig unbemerkt und sie löste sich 1975 auf. Im selben Jahr gründete der Sänger Kenny Stewart die Band Dirty Tricks, die drei Hardrock-Platten veröffentlichte.
David Gilmours Album „Luck and Strange“ ist das fünfte Soloalbum des britischen Musikers, dem ehemaligen Gitarristen und Sänger von Pink Floyd. Es wurde weltweit am 6. September 2024 veröffentlicht. Mit dem Album beschreitet der legendäre Gitarrist teilweise neue Wege, ohne dabei seine musikalischen Wurzeln aus den Augen zu verlieren. Das Album befasst sich eingehend mit Themen wie Altern, Sterblichkeit und globalen Unsicherheiten, mit deutlichen Einflüssen von jüngsten Weltereignissen wie der Corona-Pandemie und dem Krieg in der Ukraine.
Musikalisch bietet das Album eine abwechslungsreiche Palette – während es einige der Pink Floyd-Sounds mit typischen Gitarrensoli und atmosphärischen Instrumentalstücken beibehält, betritt es auch Neuland mit Fado- und Flamenco-inspirierten Einsprengseln, die in Titeln wie „Scattered“ und dem Instrumental „Black Cat“ zu hören sind. Gilmours Zusammenarbeit mit dem Produzenten Charlie Andrew (bekannt von Alt-J, London Grammar) treibt ihn zu mehr Experimenten an, besonders bei Songs wie „Between Points“, einer traumhaften Coverversion (Original von The Montgolfier Brothers) mit dem Gesang seiner Tochter Romany Gilmour, die hier auch Harfe spielt.
„Das war eine absolut aufregende Erfahrung, denn er [Charlie Andrew] ist ein bisschen ein Tyrann. Er setzt uns wirklich unter Druck, die Dinge zu erledigen. Und wenn man es nicht auf Anhieb hinbekommt, versucht man es noch einmal. Er ist ein Sklaventreiber. Und er ist auch ein Musiker.“ (David Gilmour im Rolling Stone Interview Oktober 2024).
Tracks wie „The Piper’s Call“ und „A Single Spark“ setzen sich mit existenziellen Themen auseinander und spiegeln Gilmours Betrachtungen über den Lauf der Zeit wider. Seine charakteristische Gitarrenarbeit ist genauso brillant wie immer und wechselt mühelos zwischen Gelassenheit und kraftvollen Steigerungen. Der Titeltrack „Luck and Strange“, der stark vom Krieg in der Ukraine beeinflusst ist, sticht mit seinem bluesigen Ton und einer emotionalen Tiefe hervor und erinnert an sein früheres Leben in einer friedlicheren Ära. Der Großteil der Lyrics stammt von Gilmours Frau Polly Samson, mit der er schon seit 30 Jahren auch musikalisch zusammenarbeitet.
Insgesamt zeigt „Luck and Strange“ Gilmour als einen Künstler, der auch mit 78 Jahren noch versucht, sich weiterzuentwickeln und gleichzeitig seinen Sounds, die ihn ausmachen, treu bleibt. Für mich ist es ein hörenswertes, teilweise meditatives Album mit kleinen Überraschungen – aber auch vertrauten Klängen. Für manche Hörer*in wahrscheinlich eher music of an boring old fart.
