Foto: Eckhard Henkel / Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0 DE Barbara Thompson bei einem Konzert mit der britischen Jazzrockband Colosseum im Brückenforum, Bonn-Beuel (2010)
Barbara Thompson ist tot. Nach Angaben ihrer Tochter Ana Gracey starb die britische Saxophonistin am 9. Juli im Alter von 77 Jahren. 1997 wurde bei ihr Parkinson diagnostiziert, 2001 zog sie sich deshalb von der Bühne zurück, 2005 konnte sie dank eines neuen Medikamentes dorthin zurückkehren.
Thompson war vor allem als (Gründungs-) Mitglied des United Jazz + Rock Ensemble bekannt, dem sie von 1977 bis 2002 angehörte. Mit ihrer Band „Paraphernalia“ veröffentlichte sie eigene Aufnahmen und ging auf Tourneen. Ebenso mit der Gruppe Colosseum, in der sie den 2004 verstorbenen Dick Heckstall-Smith ersetzte.
2010 veröffentlichte Repertoire Records unter dem Titel „Live At The BBC“ eine Sammlung von 14 CDs mit 27 kompletten Radiosendungen, die 14 Stunden Musik umfassen. Dazu wurden über 100 neu gemasterte und restaurierte Titel aus den Jahren 1969-1990 zum ersten Mal zusammengeführt. Mit dabei sind viele Legenden des britischen Jazz wie Jack Bruce, Jon Hiseman, Don Rendell, Harry Beckett, Kenny Wheeler, Henry Lowther, Ian Carr, Dick Heckstall-Smith, Gary Husband, Frank Ricotti und Chris Spedding.
Barbara Thompson galt als Pionierin in der männerdominierten Jazzszene und war eine der wenigen Saxophonistinnen. 1978 veröffentlichte sie zusammen mit dem Don Rendell Quintet eine 12″ Maxi-Single, auf deren B-Seite mit „Blues For Adolphe Sax“ eine Hommage an den Entwickler des Saxophons zu finden ist.
„Barbara Thompson schreibt und spielt für das Saxophon wie keine andere. Mit Liebe und unerschütterlichem Respekt hegt und pflegt sie das Instrument, wenn es nötig ist, fordert es heraus und treibt es über seine Grenzen hinaus und zeigt uns, dass das Saxophon in den richtigen Händen wirklich großartig ist.“ Fiona Ross, Jazz in Europa
Jazzpianist „Chick“ (Armando Anthony) Corea ist am 09. Februar 2021 im Alter von 79 Jahren an den Folgen einer Krebserkrankung gestorben. Er galt als einer der bedeutendsten Vertreter des Rock- und Fusionjazz und spielte unter anderem mit dem Trompeter Miles Davis und dem Pianisten Herbie Hancock.
Corea war (zumindest in Deutschland) wegen seiner Mitgliedschaft bei Scientology nicht unumstritten. So wurde 1993 ein Konzert von ihm in Stuttgart aud Druck der Landesregierung von Baden-Württemberg abgesagt.
Unabhängig davon hat er u.a. mit seiner Gruppe „Return To Forever“ Jazzgeschichte geschrieben und insgesamt 23 Grammys gewonnen.
Einen meiner Lieblingstitel kann man hier im Youtube-Video sehen und hören:
Der Altsaxophon-Großmeister Richie Cole, der in der Zeitschrift Downbeat einmal als „die Saxophonmaschine“ bezeichnet wurde, ist am 02. Mai 2020 im Alter von 72 Jahren gestorben.
Richie Cole war ein produktiver Komponist, der über 50 Alben mit Künstlern wie Eddie Jefferson, Manhattan Transfer, Bobby Enriquez, Freddie Hubbard, Sonny Stitt, Art Pepper, Tom Waits, Boots Randolph und Nancy Wilson aufgenommen hat. Er trat in der historischen Village Vanguard und der Carnegie Hall auf. Cole gab sogar eine Sondervorstellung für Königin Elizabeth II.
Vor Jahren bemerkte der prominente Jazz-Kritiker Leonard Feather die lebhaften und informellen Präsentationen von Cole und „die freilaufende und manchmal satirische Natur seiner Auftritte“. Auf der Website About Jazz heißt es, Cole „ist […] ein schneller und konkurrenzfähiger musikalischer Revolverheld, der legendären Status für seine Bereitschaft erlangte, seine Beherrschung von Charlie Parkers Bebop-Sprache zu demonstrieren, indem er es mit allen Mitstreitern in jeder Geschwindigkeit aufnimmt“.
„Ich mag es, Leute auszutricksen, damit sie Jazz mögen, indem ich die Dinge freundlich, beschwingt und vertraut halte“, erklärte Cole, der eine musikalische Verbindung vertrat, die vom Bebop-Gründer Charlie Parker und dem Innovator Phil Woods bis in die Gegenwart reicht. Woods – der Parkers Witwe heiratete – unterrichtete an einem Sommercamp für darstellende Künste in New Hope, wo er den jungen Cole kennenlernte und sein Mentor wurde. Die beiden nahmen schließlich gemeinsam ein Album mit dem Titel „Side by Side“ auf.
„Bebop ist für mich der ultimative Ausdruck des Jazz“, sagte Cole über den Stil, den er beherrscht. Es ist ein Stil, der dem Swing in den späten 1940er Jahren folgte, sowohl traditionelle als auch untraditionelle Harmonie- und Rhythmuskonstruktionen verwendete (mit Betonung auf dem Untraditionellen) und spielerische, schnelle und komplizierte Soli betonte, die die Musiker aufsteigen ließen, während sie sowohl Klang als auch Emotionen erforschten. Neben Parker gehören Dizzy Gillespie und Theolonius Monk zu den anderen Meistern des Stils, der seinen Namen von Geräuschen im Zusammenhang mit Scat oder Klanggesang erhielt. „Wenn ernsthafte Jazzmusiker ihre Musik studieren, werden sie sehen, dass sie mit Bebop beginnt. Sie müssen ihr Instrument beherrschen. Alles, was Ihnen in den Sinn kommt, können Sie spielen, weil Sie Ihr Instrument beherrschen. Bebop-Musiker sind wie klassisch ausgebildete Musiker“, hatte Cole erklärt.
Eine weitere wichtige Sache, an die man sich erinnern müsse, sei, so Cole, dass Bebop-Künstler nicht nur Musik spielen. „Sie erzählen eine Geschichte aus dem Stegreif, sie lesen die Geschichte nicht. (Saxophonist) Sonny Rollins ist ein Dichter. Er erzählt eine Geschichte. Ich verstehe ihn. Jeden Absatz, über den er spricht. Das ist der Kern meines Dings.“
Cole teilte mit, dass der Musikstil so zu ihm kam. „So habe ich es auch gehört. Ich blieb immer auf und hörte Radio. Ich blieb die ganze Nacht auf und hörte den Jazz-Sendern zu. Ich fühlte mich zum Bebop hingezogen. Ich verstand ihn. Als ich in den 70er Jahren aufwuchs, war die Avantgarde out, und es sah so aus, als würde ich die Musik der alten Leute spielen. Aber ich hörte sie, und ich habe meine Karriere darauf aufgebaut. Es war nicht leicht. Ich war ein junger Weißer, der schwarze Bebop-Musik spielte. Es war wie ein Widerspruch.“
Obwohl er mit einigen der Jazz-Größen – darunter Buddy Rich – aufgetreten ist, erinnert sich eine Generation von Musikliebhabern an seine vierjährige Partnerschaft mit dem Jazz-Sänger Eddie Jefferson. Diese großartige und spielerische Zusammenarbeit endete, als Jefferson nach einem Konzert am 9. Mai 1979 bei einer Schießerei im Vorbeifahren erschossen wurde. „Es vergeht kein Tag, an dem ich nicht an den Mann denke. Er war der größte reine Jazzsänger der Welt“, hat Cole gesagt.
Cole sagt oft, dass er geboren wurde, um Jazz zu spielen, und sein familiärer Hintergrund untermauert diese Behauptung. Sein Vater war in den segregierten 1940er Jahren Besitzer von zwei Jazzclubs in Trenton. Im Black-Patrons Harlem Club spielten große schwarze Spieler aus New York und Philadelphia. Der andere, das weiße Hubbie’s Inn, buchte Nummern wie in Las Vegas.
Coles Entscheidung, mit 10 Jahren Altsaxophon zu spielen, war eine natürliche Entscheidung. Ein verpfändetes Altsaxophon landete in seinem Haus. „Ich bin mit einem Saxophon aufgewachsen, roch das Metall und spielte mit den Tasten. Als ich in die Grundschule ging und in der Band mitspielen wollte, hatte ich das Instrument. Ich war gesegnet, in einer Ära zu sein, in der das öffentliche Schulsystem großartige Musikabteilungen hatte. Ich hatte großartige Lehrer, die mir wirklich sehr geholfen haben. Ich war einer der beiden Menschen auf der Welt, die ein Vollstipendium erhielten“, so Cole über seine Auszeichnung des Downbeat Magazine 1966, die den Ewing High-Absolventen an das auf Jazz und zeitgenössische Musik ausgerichtete Berklee College of Music in Boston führte.
Cole verließ Berklee, um Erfahrungen zu sammeln, und spielte 1969 in der Band von Buddy Rich Lead Alto. „Ich nahm den Platz des berühmten Altsaxophonisten Art Pepper ein. Es war der Traumjob. Ich bin um die Welt gereist. Ich war zweieinhalb Jahre lang mit ihm zusammen. Ich hatte sehr viel Glück mit meiner Karriere und hatte eine Menge guter Pausen.“ Weitere Erfahrungen sammelte er in Bands unter der Leitung von Lionel Hampton und Doc Severinsen, spielte beim Manhattan Transfer und gründete dann seine eigene Gruppe, das Alto Madness Orchestra.
„Die Idee des Orchesters ist das Konzept und der Klang einer 18-köpfigen Big Band mit nur sieben Instrumenten, von denen vier Hörner sind. Das hat nicht nur den Klang des Big-Band-Ensembles, sondern lässt uns auch viel Raum für Improvisation, so als wären wir in einer Quartettbesetzung“, teilte Cole in einem früheren Interview mit.
Auf die Frage nach seiner persönlichen musikalischen Präsenz sagt Cole selbstbewusst, aber nicht selbstzufrieden: „Ich habe einen unverwechselbaren Klang. Wenn man ihn hört, weiß man, dass es Richie Cole ist. Das ist eine Errungenschaft. Ich gehe ständig nach Russland, und die Literaten nennen mich den Poeten des Jazz. Ich spiele nicht Saxophon, ich singe Saxophon. Ich gehe es an wie ein (Gesangs-)Solist. Ich singe es. Ich spiele die Melodie geradeaus, dann mache ich, was ich will, improvisiere, erzähle die Geschichte und komme dann auf die Melodie zurück. Und da ist die Schöpfung.“
Für Cole kommt das Geschichtenerzählen oder die Improvisation von Orten jenseits des Denkens. „Ich plane nicht, was ich tun werde; es kommt einfach heraus. Ich zitiere (andere Musikstücke). Wenn Sie improvisieren, kommt es einfach heraus. Wenn Sie zu viel denken, werden Sie es (vermasseln). Denken Sie nicht. Puste einfach, Mann“, wurde er mit den Worten zitiert.
Was einen Standard zu seinem eigenen machte, bezog sich auf tief empfundene Lebenserfahrungen. „Aus irgendeinem Grund bin ich hin- und hergerissen zwischen ernsthaftem Jazz und Showbusiness. Ich habe einen Sinn für Humor. Das muss ich, denn mein Leben war eine Katastrophe.“ Zu dieser Katastrophe gehöre der Tod von zwei Ehefrauen, ein Kampf gegen den Alkoholismus und Probleme mit dem Musikgeschäft.
Cole spielte mit den Großen, trat bei internationalen Festivals auf, nahm mehr als 50 Alben und CDs auf, schrieb mehr als 3.000 Kompositionen (darunter Sinfonien für 80-köpfige Orchester) und diente in den Vorständen der National Jazz Service Organization und der National Endowment for the Arts, deren Vorsitzender er ein Jahr lang war.
„Fast jede Aufnahme, die ich gemacht habe, ist im Moment meine Aussage“, sagt er. Und mehrere Aufnahmen und Sitzungen, die auf YouTube verfügbar sind, zeugen von seinem künstlerischen Können und Talent.
Die „Yardbird Suite“, die 1981 vom Richie-Cole-Quintett im Village Vanguard in New York City aufgenommen wurde, zeigt Coles Ausgelassenheit, Geschicklichkeit und Stilsicherheit. Klar und hell durchgehend, beginnt er mit einem soliden Respekt vor der Partitur, bevor er sich in eine rasante und doch meisterhaft kontrollierte Erforschung der tonalen Beziehungen und Phrasen stürzt, bevor er zur Einleitung zurückkehrt. In der gesamten Partitur trifft Cole Entscheidungen, die den Urheber des Werkes, Parker, und die Epoche des Werkes zu ehren scheinen, ohne dabei seine eigene Sensibilität zu opfern, z.B. wenn er eine ansteigende und spielerische Ausschmückung verwendet, um eine Phrase zu beenden und einen anderen Musiker vorzustellen.
Zweifellos wird Richie Cole als eine der rätselhaftesten und verehrtesten Figuren der Jazzgeschichte in Erinnerung bleiben. Seine Musik, Interviews und Auftritte waren eine Quelle der Jazz-Elektrizität, mit der zu rechnen war. Cole hinterlässt einen Musikkatalog, der wegen seiner Bebop-Energie immer in Erinnerung bleiben wird. Ein bedeutender Klang, der das Vermächtnis von Charlie Parker und des Bebop-Jazz weiterführte.
Am 15. April 2020 starb der Altsaxophonist Lee Konitz im Alter von 92 Jahren an den Folgen einer Corona-Infektion.
1927 in Chicago geboren, studierte Konitz früh Klarinette, wechselte dann zum Altsaxophon und entwickelte einen individuellen Stil, der sich durch die Bereitschaft auszeichnet, waghalsige harmonische Risiken einzugehen.
Sein unflektierter Ton unterschied ihn von dem dominanten Stil der 1950er Jahre, der von Charlie Parker – den er als engen Freund zählte – begründet wurde. „Ich kannte und liebte Charlie Parker und kopierte seine Bebop-Soli wie jeder andere auch“, sagte Konitz 2013 gegenüber dem Wall Street Journal. „Aber ich wollte nicht so klingen wie er. Also benutzte ich fast kein Vibrato und spielte hauptsächlich in den höheren Lagen. Das ist das Herz meines Klangs.“
Im Laufe seiner Karriere nahm er Dutzende von Alben im Stil von Dixieland, Bop und nachdenklicher Improvisation auf. Seine 1967 aufgenommenen Duette, bei denen er mit Musikern wie dem Gitarristen Jim Hall und dem Tenorsaxophonisten Joe Henderson spielte, gelten laut dem Kritiker Jack Fuller als eines der besten Beispiele für seinen „scharfen Verstand und seinen schnellen Verstand“.
Er spielte auch ohne Begleitung in der 1974er Lone-Lee und versuchte sich in klassischer Musik in der 2000er Ausgabe der französischen Impressionistenmusik der Jahrhundertwende. Konitz selbst schrieb wenig Originalmusik, und die meisten seiner Aufnahmen waren Kontrakte – Melodien, die auf bestehenden Akkordwechseln basieren. Sein bekanntestes Stück, Subconscious-Lee, war eine Improvisation über Cole Porters What Is This Thing Called Love.
„Das ist eine Technik, die ich gerade von demjenigen, der sie erfunden hat, aufgeschnappt habe, ob es nun Bird [Charlie Parker] oder wer auch immer war“, sagte er 2017 zu Downbeat. „Ich halte es in gewisser Weise für äquivalent dazu, einer Melodie hausgemachte Texte hinzuzufügen, bei denen man die Standardänderungen vornehmen könnte. Aber dann ändert man sie irgendwie. Und so gehe ich das irgendwie an.“
Der Musiker hatte später im Leben Herzprobleme, tourte und spielte aber bis in seine 90er Jahre weiter. Sein jüngstes Album war Old Songs New (Sunnyside) – aufgenommen, als er 90 war, und im November letzten Jahres veröffentlicht.
Unter den vielen Trophäen, die er für sein Talent erhielt, gewann Konitz 2009 den NEA Jazz Masters Award und wurde 2010 von der Kritikerumfrage des Downbeat Magazine zum Altsaxophonisten des Jahres gewählt.
Der Jazzpianist (Alfred) McCoy Tyner ist am 06. März 2020 im Alter von 81 Jahren gestorben. Der Tod von Tyner, der als eine der einflussreichsten Figuren des Jazz bekannt ist, wurde auf seiner Facebook-Seite bekannt gegeben.
„McCoy war ein inspirierter Musiker, der sein Leben seiner Kunst, seiner Familie und seiner Spiritualität gewidmet hat„, hieß es in der Erklärung. „Die Musik und das Vermächtnis von McCoy Tyner werden auch in Zukunft Fans und zukünftige Talente inspirieren.„
Tyner wurde 1938 geboren und begann im Alter von 13 Jahren mit dem Klavierstudium. 1960 wurde er Mitglied des John-Coltrane-Quartetts. „Wir haben uns sehr gut verstanden„, sagte Tyner später über seine Beziehung zu Coltrane. „Wir hatten ein gutes Gefühl füreinander, konzeptionell ähnlich, was die Musik betraf. Ich wusste, dass ich dort sein musste.„
Damals war er 21 Jahre alt. Im folgenden Jahr spielte er auf Coltranes Erfolgsalbum „My Favorite Things“. Die Band tourte in den nächsten Jahren und nahm weitere Alben auf, während Tyner auch auf einer Reihe anderer Platten von Blue Note erschien.
Er verließ die Gruppe 1965 und produzierte eine Reihe weiterer Alben, bevor er in den nächsten Jahrzehnten mit anderen Jazz-Trios aufnahm und mit Künstlern wie Sonny Rollins und Stanley Clarke zusammenarbeitete. Er machte auch Solo-Aufnahmen, darunter 1988 das Album „Revelations“.
Die Menge an Schönheit, die er der Welt geschenkt hat, ist einfach umwerfend, von dem enormen Werk, das er als Mitglied von John Coltranes Classic Quartett geschaffen hat, bis hin zu McCoys eigenen großartigen Alben für Blue Note, Impulse, Milestone, Telarc und mehr. Sein tiefer Einfluss auf fast jeden Jazzpianisten, der in den letzten 60 Jahren auftauchte, ist unermesslich.
Zweieinhalb Jahre nach seiner letzten Aufnahme als Bandleader bei Impulse begann der Pianist McCoy Tyner bei Blue Note Records. Eine Periode, die zu sieben Alben führen sollte.
Eines dieser Alben ist „The Real McCoy“. Für diese Veröffentlichung von 1967 ist der Pianist mit dem Tenorsaxophonisten Joe Henderson, dem Bassisten Ron Carter und dem Schlagzeuger Elvin Jones für fünf seiner Originale ein Team. Zu den Highlights des Albums gehören für mich „Passion Dance“, „Four by Five“ und „Blues on the Corner“.
Dieses Quartett aus dem Jahr 1967 war das erste, das McCoy Tyner als Leiter für Blue Note aufnahm, obwohl er schon häufig als Sideman für das Label aufgetreten war – unter anderem mit Wayne Shorter, Joe Henderson und Grant Green. Diese Aufnahme ist eine der letzten, die vom Blue Note-Gründer Alfred Lion produziert wurde, und Tyners erste als Leiter, seit er zwei Jahre zuvor das legendäre John Coltrane-Quartett verlassen hatte. Die konzentrierte Intensität der Gruppe hat etwas von dem Blue Note-Klang, vielleicht ist es Lions Beitrag ebenso wie der des Ingenieurs Rudy Van Gelder, während Tyner, ein konservativerer Musiker als Coltrane, die modalen und expressionistischen Formen des Coltrane-Quartetts in enger definierte kompositorische Muster integrierte. Mit dem Tenorsaxophonisten Joe Henderson fand Tyner einen echten Ebenbürtigen, einen weiteren Musiker mit einer starken Identität, dessen Stil eine ähnliche Mischung aus konventionellen und innovativen Elementen darstellte. Zusammen mit dem Schlagzeuger Elvin Jones und dem Bassisten Ron Carter bekräftigen beide den Hard-Bop-Mainstream mit „Four by Five“ und dem tiefen Blues von „Blues on the Corner“ und erweitern ihn mit der erhöhten Feierlichkeit von „Search for Peace“ und dem brillanten rhythmischen Zusammenspiel von „Passion Dance“. –Stuart Broomer
Der norwegische Jazzschlagzeuger Jon Christensen ist am 18. Februar 2020 im Alter von 76 Jahren gestorben. Christensen war mit der Schauspielerin und ehemaligen norwegischen Kulturministerin Ellen Horn verheiratet.
Zusammen mit seinen Kollegen Jan Garbarek, Terje Rypdal und Arild Andersen gab er der neuen Jazzbewegung seit dem Ende der 60er Jahre wichtige Impulse und veröffentlichte 1970 das Album „Afric Pepperbird“ bei dem jungen Jazzlabel ECM Records. Für Jon Christensen war es die erste von rund siebzig Einspielungen für ECM. Für das Album „Knut Riisnæs – Jon Christensen Featuring John Scofield – Palle Danielsson“ erhielt er 1992 den norwegischen Schallplattenpreis und wurde 1993 von der Vereinigung norwegischer Jazzmusiker zum „Jazzmusiker des Jahres“ gewählt.
Als großartiger und leidenschaftlicher „Teamplayer“ hatte Jon Christensen nie Ambitionen, sich selbst als Bandleader zu profilieren. Und so gibt es unter seinem Namen bei ECM auch nur ein einziges Album: eine Anthologie in der :rarum-Reihe von Selected Recordings. Bei seiner Auswahl hob Jon seine Aufnahmen mit Keith Jarrett hervor, die von den Alben „Belonging“, „My Song“ und „Personal Mountains“ stammten. Seine letzte Einspielung für ECM war „Returnings“ mit Jakob Bro, Palle Mikkelborg und Thomas Morgan. Das Album wurde 2018 veröffentlicht.
