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Ein Interview mit Kai Strauss

am 1. April 2025

Kai Strauss (* 15. Mai 1970) ist ein deutscher Electric-Blues-Sänger, -Gitarrist und -Songwriter, mehrfacher Preisträger des German Blues Award und tourt regelmäßig mit seiner Band Kai Strauss & The Electric Blues All Stars, mit der er seit 2014 sieben Alben veröffentlicht hat.

In der Welt des modernen Blues gibt es nur wenige Künstler, die den zeitlosen Geist des Genres so gut verkörpern wie Kai Strauss. Als Fackelträger des authentischen elektrischen Blues hat Strauss Jahrzehnte damit verbracht, sein Handwerk zu verfeinern, indem er sehenswerte Gitarrenarbeit mit gefühlvollem Gesang und einer unbestreitbaren Bühnenpräsenz vermischt. Ob er nun die düstere Essenz des Chicago-Blues kanalisiert oder seine eigenen deutschen Wurzeln in die Musik einfließen lässt, Strauss hat sich einen Ruf als engagierter Musiker erworben, der Tradition und Innovation miteinander verbindet.

EIN JUGENDLICHER FUNKE
Der 1970 geborene Strauss entdeckte seine Leidenschaft für die Musik während seiner Teenagerjahre in den 1980er Jahren, als Musiker als moderne Superhelden verehrt wurden. „Ich glaube, deshalb wollte ich auch einer werden“, sagt Strauss lachend und gibt zu, dass er später feststellte, dass der Superheldenglamour das Musikerleben nicht ganz widerspiegelt. Dennoch ist er zutiefst zufrieden: „Ich bin glücklich. Es ist ein gutes Leben. Ich tue das, was ich gerne tue.“ Seine erste Begegnung mit der Gitarre hatte er im Alter von 11 Jahren, als er mit einfachen Stücken auf einer nylonsaitigen akustischen Gitarre begann. Strauss erinnert sich gern: „Es waren nur Kinderlieder und später etwas Cat Stevens. Wir haben einfach drauflosgeklimpert.“

Obwohl er nicht aus einer musikalischen Familie stammt, schreibt er seiner Mutter zu, dass sie seine frühe Liebe zur Musik förderte. „Sie liebte es zu tanzen und Musik zu genießen, und ihr Enthusiasmus hinterließ einen bleibenden Eindruck“.

ENTDECKUNG DES BLUES
Formeller Unterricht an einer örtlichen Musikschule legte den Grundstein für Strauss‘ frühe Fähigkeiten. Als er Mitte zwanzig war, entdeckte er den Blues für sich, angetrieben von seiner Faszination für Stevie Ray Vaughan und Muddy Waters. „Ich war nicht der beste Schüler; alles, was ich lernen wollte, war, wie Stevie Ray oder Muddy zu spielen.“ Einen großen Teil seiner Ausbildung erhielt er durch Selbstunterricht, Jammen mit lokalen Musikern und das Studieren von Platten. „Ich war nicht an Jazz-Akkorden oder Rocksongs interessiert, ich wollte einfach nur diese klassischen Blues-Riffs lernen.“

AUFBAU EINER KARRIERE
Mit 17 Jahren schloss sich Strauss seiner ersten Band unter einem lokalen Musiker namens Martin an. Sie spielten eine Mischung aus Bluesrock, Hendrix-Covern und eigenen Songs. „Martin holte mich zu den Proben ab, weil ich noch nicht einmal einen Führerschein hatte.“ Ein Jahr später gründete Strauss seine eigene Band, um einen traditionelleren Blues-Sound zu erforschen.

In den späten 1980er und frühen 1990er Jahren nahm Strauss regelmäßig an einer wöchentlichen Bluesjam-Session in Osnabrück teil, einer Stadt in der Nähe seiner Heimatstadt. „Es war fantastisch, damals gab es noch kein Internet, und so lernte ich bei diesen Jams eine ganze Welt des Blues kennen, Spieler wie Pee Wee Crayton, Ronnie Earl und Gatemouth Brown.“
Die Osnabrücker Szene bot Strauss auch die Möglichkeit, sein Können zu verfeinern und Bühnenerfahrung zu sammeln.

DIE DEUTSCHE BLUES-SZENE DAMALS UND HEUTE
„Damals gab es mehr Clubs, es war einfacher, unter der Woche zu spielen. Jetzt spielt man hauptsächlich an den Wochenenden.“ Trotz der sich verändernden Landschaft erinnert er sich gerne an die unterstützende Gemeinschaft von Musikern und Veranstaltungsorten, die ihm geholfen haben, zu wachsen. Durch seine Hingabe und seine tiefe Liebe zu diesem Genre ist Kai Strauss zu einem der besten Bluesgitarristen Europas geworden.

DIE BESTE BERATUNG UND EINFLÜSSE AUF DEM WEG
Im Laufe seiner musikalischen Karriere hat Kai Strauss viel von seinen Mitmenschen gelernt. Auf die Frage nach dem besten Ratschlag, den er erhalten hat, nennt Strauss keine einzelne Weisheit, sondern verweist auf den nachhaltigen Einfluss seiner Zusammenarbeit, insbesondere mit Memo Gonzalez.

„15 Jahre lang mit Memo zu spielen, war unglaublich wichtig für meine Entwicklung als Musiker und Bühnenkünstler. Er hat mir beigebracht, wie man mit Selbstvertrauen auf die Bühne geht und es wirklich ‚drauf anlegt‘. Außerdem glaube ich nicht, dass ich ohne die Jamsessions, an denen ich teilgenommen habe, ein professioneller Musiker wäre“, gibt er zu. Auf humorvolle Weise meint er, dass der einzige Ratschlag, den er gerne früher erhalten hätte, darin bestand, „Geld für die Zukunft zu sparen“, was seiner Meinung nach für den weiteren Verlauf seiner Karriere hilfreich gewesen wäre.

WAS DER BLUES FÜR KAI STRAUSS BEDEUTET
„Es ist die Musik, die ich liebe. Als ich in den 1980er Jahren in Deutschland aufwuchs, war Blues ein ungewöhnliches Genre für junge Leute“, aber Strauss war von Anfang an fasziniert. „Ich habe mich einfach in diese Musik verliebt, auch wenn es nicht die Musik war, die die meisten 13- oder 14-Jährigen hörten.“
Strauss hütet sich jedoch davor, das Genre übermäßig zu romantisieren. Er ist sich bewusst, dass er als Europäer, der in einem komfortablen Umfeld aufgewachsen ist, eine andere Beziehung zum Blues hat als seine Urheber. „Ich bin ein Gast in der Blueskultur, ich sehe mich eher als Fan, der für andere Fans spielt, und nicht als Blueser im traditionellen Sinne.“

DAS WECHSELNDE BLUES PUBLIKUM
Heutzutage ist sein Publikum eher männlich und meist älter, ein Trend, den er mit dem Älterwerden sowohl der Musiker als auch ihrer Fangemeinde in Verbindung bringt. „Als ich anfing zu spielen, hatten wir jüngere Leute im Publikum, aber ich denke, das Publikum wird mit der Band älter. Auch wenn die Bluesszene im Moment nicht viele junge Zuhörer anzieht, werden mit zunehmendem Alter und den Herausforderungen des Lebens mehr Menschen die Tiefe der Musik zu schätzen wissen. Mit 18 kann man den Schmerz und den Herzschmerz in den Blues-Texten nicht wirklich nachempfinden, aber wenn man älter ist, treffen die Texte härter, und ich denke, dann entdecken die Leute den Blues“.

Obwohl Strauss mit dem Publikum, vor dem er spielt, zufrieden ist, sieht er die Herausforderung darin, jüngere Zuhörer zu gewinnen. „Es ist schwierig, junge Leute in die Clubs zu bekommen. Wenn sie erst einmal da sind, merken sie, dass es beim Blues nicht um alte Männer geht, die traurige Lieder spielen. Es kann eine tolle Zeit sein. Man muss durch Leid und Schmerz gehen, um Blues wirklich zu verstehen“, sagt er.

„Wenn man jung ist, denkt man, dass man unbesiegbar ist. Man will keine Musik hören, die von den Kämpfen des Lebens handelt. Aber wenn man älter wird, fangen die Texte an, nachzuhallen.“

DIE ENTSTEHUNG VON „WAILIN‘ IN VIENNA“
Für Kai Strauss geht es beim Musikmachen nicht nur darum, Gitarre zu spielen, sondern auch darum, sich mit den richtigen Leuten und Ideen zu verbinden und den richtigen Moment zu finden. Der Produktionsprozess für sein neues Album ist ein perfektes Beispiel dafür. Laut Strauss kam die Initialzündung für das Album von seinem langjährigen Mitarbeiter Dani Gugolz, einem in Österreich lebenden Schweizer Bassisten. „Dani hatte bereits einige Blues-Sessions in Wien produziert, und nach einer dieser Sessions erwähnte ich, dass ich eines Tages gerne ein traditionelles Blues-Album im Stil der 50er Jahre aufnehmen würde. Ein Jahr später rief Dani mich an und bot mir die perfekte Gelegenheit, ein viertägiges Zeitfenster in seinem Studio zu nutzen, um diesen Traum zu verwirklichen.„

Dieser kollaborative Geist bildete das Rückgrat der Entstehung des Albums. Da Dani einen Großteil der logistischen Aufgaben erledigte, konnte sich Strauss auf die Musik konzentrieren und begann mit einer Reihe von Originalsongs. Er hatte in Erwägung gezogen, einige Blues-Klassiker zu covern, stellte aber bald fest, dass er so viel eigenes Material schrieb, dass Covers überflüssig wurden. „Ich denke, das war eine gute Sache, denn so konnte ich den klassischen Blues-Sound auf meine eigene Art und Weise voll auskosten.„

EIN KLASSISCHER SOUND MIT EINEM MODERNEN ZWISCHENSTAND
Eines der auffälligsten Elemente von „Wailin‘ In Vienna“ ist seine Authentizität. Das Album ist eine Liebeserklärung an die Blues-Ära der 50er Jahre, wobei Strauss auf seine Einflüsse zurückgreift, um etwas zu schaffen, das sich vertraut anfühlt, aber dennoch unverkennbar sein eigenes ist. Bei den Aufnahmen strebten Strauss und seine Band ein Live-Gefühl an. Sie nahmen die meisten Stücke in einem Heimstudio mit minimalen Overdubs auf, um die rohe, organische Energie einer Live-Performance einzufangen.
Das Ergebnis ist unbestreitbar. Der Old-School-Sound des Albums ist unverkennbar, aber Strauss betont, dass er nicht die Absicht hat, die Vergangenheit zu imitieren. „Ich versuche nicht, BB King oder Muddy Waters nachzubilden; ich schreibe einfach in diesem Stil mit Respekt vor der Zeit.„

Um einen kohärenten Sound zu kreieren, mussten die richtigen Musiker herangezogen werden. Strauss wandte sich an Rusty Zinn, einen amerikanischen Gitarristen, mit dem er bereits bei anderen Sessions zusammengearbeitet hatte. Zinn, der für sein gefühlvolles Spiel und sein tiefes Blueswissen bekannt ist, war eine naheliegende Wahl. „Wir hatten von Anfang an eine großartige Stimmung“, sagt Strauss. Neben Zinn sind auf dem Album eine Reihe von talentierten Musikern aus der Wiener Bluesszene zu hören, mit denen Strauss schon früher zusammengearbeitet hat. Die Rhythmusgruppe wurde von Peter Muller, einem Schlagzeuger mit Heimstudio, ergänzt, und Strauss wurde auch von einem talentierten lokalen Pianisten unterstützt, was zu einer intimen, gemeinschaftlichen Aufnahmeumgebung führte. Der eigentliche Zauber entstand jedoch, als die Bläser hinzukamen. Die Bläser wurden in den USA überspielt und verliehen Titeln wie „Old Fashioned Daddy“ und „Let’s Have a Good Time“ einen Hauch von Vintage.

Strauss‘ Songwriting-Prozess ist sowohl einfach als auch sehr effektiv. „Es kann mit irgendetwas beginnen; einem Gitarrenriff, einer Melodie oder einfach einem Satz, der mir im Gedächtnis bleibt.“ Bei „Old Fashioned Daddy“ entstand der Titel aus einem Satz, der ihm in den Sinn kam, während er an einer Melodie arbeitete. Mit seinem Telefon nahm er eine einfache 12-taktige Shufﬂe auf und arbeitete im Geiste weiter an dem Song, während er alltägliche Aufgaben erledigte. Der Prozess ist organisch, und obwohl Strauss zugibt, dass seine Texte einfach sind, passen sie perfekt zur traditionellen Bluesform.

„Ich schreibe keine Bob-Dylan-Texte“, scherzt er, “aber die einfachen Texte über das tägliche Leben sind genau das, was diese Art von Musik braucht. Warum über etwas Modernes wie COVID singen, wenn man einen Blues im Stil der 50er Jahre schreibt?“

EIN AUSGEWOGENER ANSATZ ZUM BLUES
Strauss‘ neuestes Album ist ein echtes Zeugnis für die Tiefe und Vielfalt des Blues, das den traditionellen Sound der 50er Jahre aufgreift und gleichzeitig fest in seiner eigenen Erfahrung verwurzelt ist. Das musikalische Können, der Geist der Zusammenarbeit und die unverfälschten Emotionen kommen in jedem Stück durch. Mit Blick auf die Zukunft ist Strauss nicht daran interessiert, sich in eine Schublade zu stecken.

„Der Blues ist so breit gefächert, es gibt alles zwischen den Achtzigern und den Neunzigern, und ich liebe alles davon. Aber ich möchte meine Einflüsse getrennt halten, es gibt keinen Grund, den Blues der Fünfziger mit einem modernen, funkigen Sound zu mischen. Alles hat seine Zeit und seinen Platz.“

Was die Zukunft angeht, hofft Strauss, das Album auf Tournee zu bringen, aber nur, wenn sich die richtige Gelegenheit ergibt. „Ich würde den modernen Stil meiner Band nicht mit diesem 50er-Jahre-Projekt vermischen wollen“, sagt er und deutet an, dass er bei Interesse der richtigen Veranstalter eine spezielle Tournee mit einigen der Musiker des Albums zusammenstellen könnte.

Für den Moment ist Strauss zufrieden mit dem Wissen, dass er die Art von Musik schafft, die er liebt, die in der Tradition verwurzelt ist und doch eindeutig seine eigene ist. Und mit „Wailin‘ In Vienna“ gibt er den Zuhörern einen neuen Blick auf die zeitlose Bluestradition, die immer noch fesselt und inspiriert.

EINE EUROPATOUR IN ARBEIT?
Das Gespräch verlagert sich auf die Zukunftspläne, einschließlich einer möglichen Rückkehr nach Großbritannien. „Es ist immer schwierig, das finanziell zu stemmen“, gibt Strauss zu. „Vor COVID hatten wir eine gute Tour geplant, aber das hat natürlich alles verändert. Trotzdem haben wir einige tolle Gigs gespielt, wie das Festival in Carlisle. Das war ein Höhepunkt. Ansonsten steht im Moment nichts für Großbritannien auf dem Plan.“ Strauss bleibt jedoch optimistisch, was seine internationale Reichweite angeht. Er arbeitet derzeit daran, seine Präsenz über Deutschland hinaus zu erweitern, nachdem er bereits Agenten in Frankreich, den Niederlanden und anderen Teilen Europas gewonnen hat. „Es wird immer internationaler, aber langsam. Ich denke, es wäre einfacher, wenn ich einen amerikanischen Hintergrund hätte. Ein deutscher Pass macht die Dinge manchmal ein bisschen komplizierter“, sagt er. Trotz dieser Herausforderungen ist Strauss entschlossen, seine internationale Fangemeinde zu vergrößern, und er freut sich auf die Auftritte im nächsten Jahr. „Der Kalender füllt sich gut, und sogar für 2026 bekommen wir schon Buchungen aus Deutschland.“

Quelle: Blues Matters! Issue 144, December 2024 | übersetzt von zappalott

Pete Townshend zur WHO Covergestaltung

von zappalott

am 31. März 2025

in Allgemein, Musik

Bevor er Rockstar wurde, studierte Pete Townshend am Ealing Art College in London kinetische Bildhauerei. Etwa zur gleichen Zeit entwickelte er ein Interesse an den Arbeiten von Sir Peter Blake, einem britischen Pop-Künstler, der das Cover von Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band der Beatles sowie Alben für Oasis, Paul Weller und Eric Clapton entworfen hat.

„Ich war ein großer Fan“, sagt Townshend gegenüber Entertainment Weekly (EW) über den jungen Maler, der später das Cover von The Who’s 1981er LP Face Dances sowie von WHO von 2019, dem ersten Album der Band mit Originalmaterial seit 13 Jahren, gestaltete. „Ich habe ihn zuerst in einem Buch entdeckt und ihn dann bei einer Ausstellung des Institute of Contemporary Art [1964] kennengelernt. Ich war schon immer in [seine Kunst] verknallt. Ich war begeistert, ihn zu treffen. Er ist sehr sanft.“

Kunst und Design waren schon immer ein wichtiger Faktor in der Arbeit von The Who. Seit 1965 hat die Band eine Vielzahl von legendären Covern, Logos und Ikonografien geschaffen – einige davon wurden von Blake selbst beeinflusst. Blake erzählt EW: „[Townshend] lieh sich viele Bilder, die ich benutzte, wie die Zielscheibe der [Royal Air Force], die Flagge des Union Jack und einen schwarz-weißen diagonalen Streifen“. Bei der Gestaltung des Covers von WHO arbeitete der legendäre Künstler mit dem Grafikdesigner und häufigen Mitarbeiter Simon Halfon zusammen. Ihr Konzept basierte auf Blakes Serie The Sources of Pop Art, die Bilder verwendet, die einst von den Pop-Künstlern Andy Warhol und Roy Lichtenstein benutzt wurden.

„Wir haben uns entschieden, etwas zu machen, das Pop Art ist und sich auf einige der Symbole bezieht, die ich im Laufe der Jahre verwendet habe“, sagt Blake. Das Cover ist auch eine direkte Anspielung auf die Geschichte der Band: Es zeigt Bilder eines Flipperautomaten (in Anspielung auf den 1969er-Hit „Pinball Wizard“), gebackene Bohnen (eine Anspielung auf das Cover von „The Who Sell Out“) und Eel Pie Island (ein kleiner Landstrich in London, auf dem Townshend kurzzeitig lebte und auf dem die Who schon früh ein paar Auftritte hatten).

Bei der Veröffentlichung des letzten Studioalbums WHO ging Pete Townshend auf einige der kultigsten Albumcover der Who ein, auf ihre verschiedenen Einflüsse und darauf, welche er absolut verabscheut.

„Ich denke, das Cover ist einfach erbärmlich. Es ist ein Beispiel für eine neue Band, die von einer Plattenfirma geführt wird, die – für uns zu der Zeit – ein alter Mann gewesen wäre, der keine Ahnung hatte, worum es bei uns ging. Ich meine, es ist einfach eine schäbige kleine höfliche Plattenhülle. Der Fotograf war ein netter Kerl und er hat ein paar gute Bilder von uns gemacht. Aber es ist verrückt. Ich hasse es. Das ganze Bild scheint die Größe von Keith Moons Penis zu haben, um ehrlich zu sein, was in der Tradition der damaligen Zeit wahrscheinlich eine Socke war.“

„Ich hatte diese – ich werde es nicht als Idee bezeichnen – ich hatte einfach Spaß an dem Gedanken, dass wir eines Tages berühmt genug sein könnten, um den Platz zwischen unseren Tracks auf dem Album für Werbespots zu verkaufen. So kamen wir auf die Idee, Jingles [für The Who Sell Out] zu schreiben. Einer war ‚Odorono‘, über Deodorant… Und dann machten wir die [Album-Cover] Session und es waren zwei Leute daran beteiligt: Dave Montgomery, der der Art Director und Fotograf war, und Roger Law, der Typ, der für die Spitting Image Puppen im britischen Fernsehen verantwortlich ist.

Sie hießen uns sehr, sehr willkommen und ließen jeden von uns ein anderes Foto machen. Wir hatten eine Menge Spaß. Ich glaube, der Einzige, der keinen Spaß hatte, war Roger [Daltrey], weil die gebackenen Bohnen direkt aus dem Kühlschrank stammten. Es war also ein bisschen so, als hätte man ein Eisbad genommen. Ich bezweifle sehr, dass [Daltrey] eine Lungenentzündung bekam [wie er 2009 in einem Interview mit der BBC sagte], aber ich glaube nicht, dass es viel Spaß gemacht hat. Die lustigsten Geschichten, die damit verbunden sind, sind die, dass wir versucht haben, Heinz Baked Beans dazu zu bringen, uns etwas Geld zu geben, und sie haben uns nur ein paar Bohnen geschickt.“

„Es gibt ein Buch, das gerade zur Feier des 50-jährigen Jubiläums von [Tommy-Cover-Künstler] Mike McInnerney veröffentlicht wurde, in dem meine Ex-Frau Karen [Astley] ein Interview über die Zeit gegeben hat, in der dieses Album und das Artwork [entstanden] sind. Es war die Geburtsstunde der Hippie-Ära. Es war LSD, Haight Ashbury, und in London waren es Pink Floyd im UFO Club und das International Times Magazine.
Wir hatten gerade in Monterey [Pop Festival] gespielt, und Karen kam mit mir. Auf dem Rückweg hatten wir einen wirklich schlimmen LSD-Trip. Wir schworen uns beide, nie wieder LSD zu nehmen, obwohl wir es geliebt hatten, und wir liebten die bunte Hippie-Szene. Wir kamen zurück nach London und interessierten uns für einige der großen Fragen, die der LSD-Konsum aufgeworfen hatte: „Wer bin ich, was bin ich, was mache ich hier? Und wir gingen zu einer kleinen Veranstaltung, auf der Mike McInnerney einige Kunstwerke ausstellte. Ich fing an, mit ihm zu reden, und er stellte mir den indischen Lehrer Meher Baba vor, und ich war sofort Feuer und Flamme. Ich fühlte eine wirklich tiefe Verbindung.

Wir hatten ein langes Gespräch und ich erzählte ihm von meinem Projekt, das darin bestand, diese Rockoper zu schreiben. Der Beitrag von Mike McInnerney war wirklich ein Teil dessen, was [Tommy] so gut funktionieren ließ. [Nachdem ich ihn gebeten hatte, das Artwork zu machen] – dieses Gitterding mit unseren Bildern dazwischen – er hat es nicht sofort gemacht. Er fing an, jeden Song zu nehmen und zu versuchen, ein Stück darüber zu machen. Ich besuchte ihn alle paar Tage und unterhielt mich mit ihm darüber, wie sich das Ganze entwickelte. Und er musste, genau wie ich, Änderungen in letzter Minute vornehmen. Er arbeitete unter einer einzigen Glühbirne. Er benutzte Gouache. Es ist sehr detailliert. Die Qualität des Kunstwerks ist sehr, sehr raffiniert. Auch die Art und Weise, wie er an die Sache herangegangen ist, erinnert an [René] Magritte. Es ist eine Sache, die man sich gerne ansieht, wenn man die Musik betrachtet.„

„Es ist ein weiteres Stück Scheiße. Ich hasse es. Es ist eine furchtbare Sache. Einfach furchtbar. Natürlich mag ich es nicht. Es hat überhaupt keine künstlerische Bedeutung. Keine Verbindung zur Musik. Es ist bedeutungslos. Es sind vier Typen, die in einem Auto anhalten und gegen einen Betonklotz pissen. Es wurde von einem sehr guten Fotografen fotografiert, Ethan Russell, den ich, Gott sei Dank, sehr mochte und für Quadrophenia wieder einsetzte, aber ich hasse das Frontcover, ich hasse das Backcover, ich finde es ekelhaft. Ich nehme an, die Vorstellung war, dass 2001: Odyssee im Weltraum der Film der Stunde war [und wir] auf diesen 2001-Monolithen pissen – was noch dümmer ist, denn ich glaube, wir alle fanden den Film fabelhaft. Das hat nichts mit Ironie zu tun, das hat nichts mit Wahrheit zu tun.“

Quelle: Entertainment Weekly - übersetzt von zappalott

Das Leben will lebendig sein

von zappalott

am 29. März 2025

in Allgemein, Musik

Ein Lied von Konstantin Wecker, das 2018 auf dem Album „Sage Nein – Antifaschistische Lieder 1978 bis heute“ erschienen ist und – leider – nichts an seiner Aussage verloren hat:

Was ist passiert? Wie kann das sein?
Was grölen die für Lieder?
Was kocht da derart unverblümt
die braune Brühe wieder?

Wie hasserfüllt muss jemand sein
von wie viel Angst besetzt
dass er sein Heil in etwas sucht
das mordet und verletzt

Sieg Heil? Was war das für ein Sieg?
Und wessen Heil war das?
Wer wird schon heil in einer Welt
voll Angst, Gewalt und Hass?

[Auszug aus dem Liedtext]

Memoiren eines Herzensbrechers Teil 2

von zappalott

am 27. März 2025

in Allgemein, Literatur, Musik

Der langjährige Freund und Sideman von Tom Petty, Mike Campbell, hat kürzlich seine Memoiren „Heartbreaker“ veröffentlicht.

Siehe auch Teil 1

Heartbreaker: A Memoir von Mike Campbell, Ari Surdoval
Englisch | 18. März 2025
ISBN: 0306833190, 9780306833212

Das 1979er Album „Damn the Torpedoes“ war der erste Mega-Seller, aber es hätte die Band fast zerstört. Wie sich Campbell in seinen Memoiren erinnert, setzten der Produzent Jimmy Iovine und sein Techniker Shelly Yakus alle im Studio so sehr unter Druck, dass es sich langsam wie psychologische Kriegsführung anfühlte. Der Schlagzeuger der Heartbreakers, Stan Lynch, hatte die Hauptlast der Tortur zu tragen; bei zahlreichen Gelegenheiten stürmte Lynch aus dem Studio, nur um dann, wenn es nicht mehr ging, wieder zurückgeholt zu werden (Lynch verließ die Band 1994).

Campbell erinnert sich, dass er mindestens 70 Takes von „Refugee“ gespielt hat, einem Song, der als Campbell-Riff begann, bevor Iovine, Yakus und Petty ihn absegneten. „Es war nicht einfach, weil Tom sehr direkt war und keine Dummheiten duldete, und er sagte ziemlich genau die Wahrheit. Es gab einfach eine Menge Druck, großartig zu sein.“

Und dann war da noch die Frage des Geldes. Schon früh legte der Co-Manager der Heartbreakers, Elliot Roberts, die Sache klar und deutlich fest: Petty würde 50 % des Gewinns erhalten und die Band würde sich die andere Hälfte teilen. Dieses Arrangement, so Campbell, sorgte jahrelang für Unmut bei Heartbreakers-Keyboarder Benmont Tench. Während der „Torpedo“-Sessions kam es zu einem Wortwechsel zwischen Campbell und Petty, in dem Campbell einen größeren Anteil an seiner Arbeit forderte, woraufhin Petty drei Worte sagte: „I’m Tom Petty.“ Ende der Diskussion.

„Um fair zu sein, Tom gab mir einen großen Anteil an ‚Full Moon Fever‚ “, bemerkt Campbell in Bezug auf Pettys Multiplatin-Soloalbum von 1989. „Er hatte auch eine großzügige Seite.“

Noch wichtiger ist, dass Petty und Campbell gemeinsam Songs schrieben, die Millionen von Menschen heute kennen: „You Got Lucky“, ‚Refugee‘, ‚Here Comes My Girl‘ und viele mehr. Als Petty mehr Songs von Campbell annahm, blühte Campbells Selbstvertrauen als Songwriter auf, und er verzweigte sich über die Band hinaus und schrieb zusammen mit Don Henley die Megahits „The Boys of Summer“ und „The Heart of the Matter“. „Tom brachte mich dazu, an mich selbst zu glauben. Wir waren immer in der Lage, über Dinge zu reden und uns wieder zu lieben und zu respektieren. Das ist der Grund, warum wir so lange zusammengeblieben sind.“

Tom zweifelte nie daran, dass wir es schaffen würden. Als ich nur noch wusste, dass ich nirgendwo hin konnte, wusste Tom, dass wir es bis an die Spitze schaffen würden. Nichts würde ihn aufhalten können. Er war klein und dünn, aber er konnte unzerbrechlich sein. Er konnte dem Druck standhalten wie niemand, den ich je gesehen habe. Tom Petty war einer der härtesten Menschen, die ich je getroffen habe, aber das konnte ihn hart zu den Menschen machen. Und dann hat er sich schlecht gefühlt und sich selbst runtergemacht. Er war sehr besorgt. Manchmal machte er mich so wütend, dass ich ihn nicht ansehen konnte. Aber nichts konnte uns jemals trennen. Wir waren Brüder aus derselben Muse. Schon früh, bevor wir es überhaupt wussten, hatten wir eine unausgesprochene Abmachung getroffen, dass wir den Weg gemeinsam gehen würden, egal was passiert. Ich und er. Mit Volldampf voraus, vom Anfang bis zum Ende.

Der erste Ort, an dem Tom und ich jemals zusammen spielten, war eine Oben-ohne-Bar an der Route 441 außerhalb von Gainesville. Wir spielten Creedence-Cover vor einem Haufen betrunkener Hinterwäldler, die mit leeren Schlitz-Dosen nach uns warfen, wenn wir ihnen die Sicht auf die Tänzerinnen versperrten.

Der letzte Ort, an dem wir zusammenspielten, war der Hollywood Bowl. Der letzte Song, den wir zusammenspielten, war „American Girl“, der letzte Song auf dem ersten Album, das wir je zusammen gemacht haben. Es war das Ende der Show, das Ende der Tournee, das Ende des Weges. Und am Ende des Songs gibt es einen dieser Gitarrenparts, von denen ich dir erzählt habe. Dieses kleine Gitarrenriff habe ich über dem Outro gespielt. Als wir es aufnahmen, spielte ich es nur als Platzhalter, bis mir etwas Besseres einfiel. Tom wollte nicht, dass ich es ändere.

Er sagte: „Bist du verrückt?

In den nächsten vierzig Jahren jubelten die Leute jedes Mal, wenn ich das kleine Gitarrenriff am Ende spielte. Sie jubelten mir zu, dem armen Kind von der anderen Seite der Gleise, dem stillen Kind im Hintergrund, dessen Träume irgendwie alle wahr wurden. Sie jubelten für den glücklichsten Kerl der Welt.

Die Menge erhob sich an diesem Abend, als ich den Song im Hollywood Bowl spielte, von den Sitzen. Als der Song zu Ende ging und die letzten Töne, die wir zusammenspielen würden, erklangen, schaute ich zu Tom hinüber. Er strahlte. Seine Augen waren voller Freude. Und er warf mir diesen Blick zu, dieses Grinsen. Wenn Sie ihn kennen, wissen Sie, wovon ich spreche. Er warf mir diesen Blick zu, als wollte er sagen: „Ich habe es dir gesagt.“

Übersetzter Auszug der Einleitung zu Heartbreaker: A Memoir von Mike Campbell, Ari Surdoval.

AfD – noch mehr Faschos im Bundestag

von zappalott

am 26. März 2025

in Allgemein, Politik

Der thürringische Faschist Höcke darf sich freuen: seine vertrauten Rechtsextremisten Stefan Möller, Torben Braga und Robert Teske aus Thüringen haben den Einzug in den Bundestag (BT) geschafft. Damit verlagern sich die Rechtsaußen-Netzwerke aus Thüringen weiter in die Bundespolitik.

Sie reihen sich ein in die muntere extremistische Runde, zu der u.a. Maximilian Krah (Spitzname „Schampus-Max“) gehört, der noch im vergangenen Mai behauptet hatte, in der Waffen-SS seien nicht nur Verbrecher gewesen. Zunächst öffentlichkeitswirksam in „Ungnade“ gefallen, hat die jetzige AfD-Fraktion ihn wieder freudig aufgenommen.

Zu den Rechtsextremisten gehört auch Matthias Helferich, er sich 2021 als „das freundliche Gesicht des Nationalsozialismus“ bezeichnete, angeblich sei es ironisch gemeint, wie er später behauptete. 2021 wollte man ihn nicht in die Fraktion aufnehmen und er gehörte dem BT als fraktionsloser Abgeordneter an, doch mittlerweile ist auch er wieder willkommen. Sein Motto: „Die Parole muss lauten: „Millionenfache Remigration statt Talahon“.

Der Begriff "Talahon" wird vermehrt auch von Rechten verwendet, um ganze Personengruppen herabzuwürdigen - in erster Linie junge Männer arabischer Abstammung.

Zwar hat die AfD den geringsten Frauenanteil aller BT-Fraktionen, aber die wenigen haben es in sich. Neben der unsäglichen Beatrix von Storch sowie die Bundestagshetzerin Alice Weidel (für die der Autokrat Victor Orban ein „großes Vorbild“ ist) und die in einer Mail von 2013 die Bundesregierung als „Schweine“ und „Marionetten der Siegermächte“ beschimpft, hat es nun auch die rechtsextreme Birgit Bessin aus dem Wahlkreis 065, Elbe-Elster – Oberspreewald-Lausitz in die rechte Riege geschafft. Bessin, die sich nicht davor scheut, mit rechtsextremen und neonazistischen Organisationen zu kuscheln, war Stellvertreterin und enge Vertraute des aus der Partei ausgeschlossenen Neonazis Andreas Kalbitz.

Bessin widmet sich dem Schutz der Kleinfamilie als „Keimzelle der Gesellschaft“. Gewalt gegen Frauen thematisiert sie vor allem in rassistischer Manier als angeblich „importierte Gewalt“ von migrantischen Männern.

Bei einer Rede auf dem AfD-Landesparteitag in Jüterbog 2023 sprach Bessin davon, dass Deutschland „den Kurs der Unterwerfung unter Interessen raumfremder Mächte beenden und sich seiner nationalen Identität wieder bewusstwerden“ müsse. Die Formulierung „raumfremde Mächte“ stammt von Carl Schmitt, dessen Ideen seit dem Nationalsozialismus die extreme Rechte in Deutschland prägen. Auch Aussagen Bessins, dass sich Deutschland bald in einer „Schuldknechtschaft“ befände, greifen altbekannte rechtsextreme Motive einer angeblichen Fremdherrschaft über Deutschland auf.

Quelle: Aktionsbündnis Brandenburg

Sie alle werden wie gewohnt dazu beitragen, dass Bundestagsdebatten mit lautstarken, beleidigenden und rassistischen Pöbeleien gestört werden und die AfD weiterhin größter Störenfried im Parlament sein wird, um ihre antidemokratische Politik zu propagieren.

Hoffentlich wird die jetzige BT-Präsidentin genau so souverän mit der AfD umgehen, wie es Bärbel Bas (SPD) getan hat – siehe Video auf Youtube oder als mp3-Datei anhören:

Abfuhr für Weidel nach Beschwerde über Zwischenrufe im Bundestag Herunterladen

Memoiren eines Herzensbrechers

von zappalott

am 25. März 2025

in Allgemein, Literatur, Musik

Der langjährige Freund und Sideman von Tom Petty, Mike Campbell, hat kürzlich seine Memoiren „Heartbreaker“ veröffentlicht.

Heartbreaker: A Memoir von Mike Campbell, Ari Surdoval
Englisch | 18. März 2025
ISBN: 0306833190, 9780306833212

Mike Campbells „Heartbreaker“ ist eine rasante, fast zärtliche Rock’n’Roll-Erinnerung für die Ewigkeit. Es ist zum Teil eine Geschichte vom Tellerwäscher zum Millionär und zum Teil ein raues Abenteuer, das Campbells Leben und seine Zeit als Leadgitarrist von Tom Petty and the Heartbreakers beschreibt.

Von ihren Anfängen in Florida über ihren schwindelerregenden Aufstieg zu Superstars bis hin zu Pettys gefeierten und mit Platin ausgezeichneten Soloalben Full Moon Fever und Wildflowers – Petty hat nie eine Platte ohne ihn gemacht. Ihre gemeinsame Arbeit ist zeitlos, ebenso wie die karrierebestimmenden Hits, die Campbell zusammen mit Don Henley („The Boys of Summer“) und mit Petty für Stevie Nicks („Stop Draggin‘ My Heart Around“) geschrieben hat.

Aber nur wenige wissen von dem wenig glamourösen Hintergrund, aus dem Campbell hervorging – eine entbehrungsreiche Kindheit im Norden von Jacksonville, oft nur kurz vor der Obdachlosigkeit, aufgezogen von einer alleinstehenden Mutter, die mit dem Mindestlohn kämpfte. Nachdem er monatelang gespart hatte, kaufte ihm seine Mutter zu seinem sechzehnten Geburtstag eine Akustikgitarre für 15 Dollar aus dem Pfandhaus. Mit einem Akkordbuch und einem Transistorradio brachte sich Campbell mühsam das Spielen bei.

Als ihn eine zufällige Begegnung mit einem Studienberater dazu inspirierte, sich an der University of Florida einzuschreiben, zog Campbell – pleite, ohne Bleibe und mit der drohenden Einberufung nach Vietnam – in ein heruntergekommenes Farmhaus in Gainesville, wo er den 20-jährigen Tom Petty kennenlernte. Die beiden waren bald unzertrennlich. Zusammen verfolgten sie ihren gemeinsamen Traum bis nach Los Angeles, wo Campbell seinem Schicksal und der Liebe seines Lebens, Marcie, begegnete.

Es war ein manchmal zermürbender Traum, der wahr wurde und Campbell von ganz unten nach ganz oben brachte, wo Tom Petty and the Heartbreakers jahrzehntelang bleiben und ein erstaunliches Werk schaffen sollten.

Der brillante, wortkarge und sehr private Campbell öffnet sich in seinem Buch zum ersten Mal und offenbart sich als scharfsinniger Beobachter von Triumphen, Tragödien und Absurditäten gleichermaßen, mit dem Auge eines Songwriters für das entscheidende Detail und einer Stimme, die so direkt und unprätentiös ist wie seine Musik.

Heartbreaker ist Mike Campbells herzliches Porträt der lebensrettenden Liebe zur Musik und der kreativen Höhenflüge, die er durch Glück, Zusammenarbeit, Bescheidenheit und außergewöhnliches Talent erreichte.

In seinen Memoiren erinnert sich Mike Campbell unter anderen an einen Nachmittag in den frühen 70er Jahren, als Tom Petty – Campbells Bandkollege in einer Coverband namens Mudcrutch in Gainesville, Florida – einen seiner Songs spielte. Während Petty die Akkorde seines zukünftigen Hits „Don’t Do Me Like That“ zupfte, sagte Campbell zu Petty: „Ich würde meinen rechten Arm geben, wenn ich einen Song wie diesen schreiben könnte.“

Campbell war damals ein begabter Gitarrist, der bei einer alleinerziehenden Mutter aufwuchs und verzweifelt versuchte, sich aus der Armut zu befreien und Profi zu werden. Als er Petty kennenlernte, jobbte er für einen Hungerlohn und dachte ernsthaft darüber nach, sich zum Militär zu melden. „Ich wollte Gitarre spielen, um zu vermeiden, einen richtigen Job zu bekommen oder der Air Force beizutreten“, so Campbell.

„Solange mir jemand einen Dollar für das Spielen bezahlte, wollte ich das auch tun.“ Campbell schrieb auch Songs – sie waren gut, aber nicht großartig. Petty dagegen schrieb gut und schnell, er war ein herausragendes Talent, und Campbell würde mit ihm auf Kurs bleiben.

„Heartbreaker“ ist eine Geschichte über Ausdauer und Geduld, die letztlich belohnt wird. In kürzester Zeit wurde aus Petty, nun ja, Tom Petty, und Campbell wurde ein „Gitarrengott“. Als Meister des perfekten Gitarrenparts haben sich Campbells Soli ebenso unauslöschlich eingebrannt wie Pettys verspieltes Knurren. Die beiden arbeiteten so gut zusammen, dass Petty, als er außerhalb der Band Soloalben aufnahm, Campbell zum Schreiben, Produzieren und Spielen verpflichtete. „Wenn du jemanden triffst und eine Links- oder Rechtskurve machst, kann das dein ganzes Leben bestimmen“, sagt Campbell. „Wenn ich Tom nicht getroffen hätte, oder wenn ich früher aufgehört hätte, als die Dinge schwierig wurden, weiß ich nicht, wohin mein Leben geführt hätte.“

Die Dinge waren jahrelang schwierig als Musiker bei Mudcrutch, die Band legte tausende Meilen zurück, sie spielte Hunderte von Bar-Gigs im ganzen Süden, auf der Suche nach der richtigen Alchemie, die sie von jeder anderen exzellenten Coverband in Florida unterscheiden würde.

Es gab eine große Bar in Gainesville namens Dub’s, in der die Gruppe wochenlang jede Nacht spielte und gelegentlich eines von Pettys klingenden, von den Byrds inspirierten Originalen einstreute. „Damals“, schreibt Campbell, “versuchte jeder, wie die Allman Brothers zu klingen. Niemand spielte … kurze Songs mit süßen Harmonien und großen Refrains.“

Die Band spielte für betrunkene und wütende Biker, begleitete Wet-T-Shirt-Wettbewerbe und lieferte sich Schreikämpfe mit gierigen Clubbesitzern. Einige frustrierte Bandmitglieder stiegen aus; Campbell wusste es besser. Er wusste, dass Petty sein goldenes Ticket war. „Wir waren jung und hatten einen Traum“, sagt Campbell. „Wir waren nicht wirklich davon überzeugt, dass wir es zu etwas bringen würden, aber wir träumten davon“.

Foto: Robert Gauthier / Los Angeles Times

Laut Campbell war Petty, der damals erst 19 Jahre alt war, temperamentvoll, selbstbewusst und voller Ideen. Petty dachte immer fünf Schritte weiter als alle anderen in der Band. „Er hatte den Ehrgeiz und den Antrieb, etwas Großes zu schaffen und sich nicht ablenken zu lassen oder sich mit weniger zufrieden zu geben“, bemerkt Campbell. „Aber in vielerlei Hinsicht waren wir uns sehr ähnlich, vor allem in Bezug auf die Musik, die wir liebten.“ Es war Petty, der mit einem Demotape in der Tasche an die Türen von Plattenfirmen klopfte, bis Shelter Records ihn entdeckte und die Band ins Leben rief. „Ich wollte nie mit ihm um die Führung konkurrieren, aber ich konnte derjenige sein, der die Lücken füllt. Ich konnte ihn antreiben und ihn besser machen.“

Vielleicht ist „Heartbreaker“ mehr als alles andere ein Lehrstück darüber, wie man effektiv in einer Band mit einem Alphamännchen arbeitet. Campbell lernte, wie man ein Schlichter und Vermittler wird, wie man triviale Streitigkeiten löst, wie man die Dinge zum Wohle des Ganzen glättet und wie man nicht zulässt, dass die Gier dem großen Ganzen in die Quere kommt. Petty konnte sprunghaft und unberechenbar sein – “he knew that he was the straw that stirred the drink” (er wusste, dass er der Strohhalm war, der das Getränk umrührte) – immer aber ermutigte er Campbell zum Schreiben.

„Tom war sehr selbstbewusst“, so Campbell. „Ich hatte meine eigenen Songs, also folgte ich ihm und trug das Beste bei, was ich konnte.“ Anstatt der Gruppe seine Songs aufzudrängen, stupste Campbell Petty sanft mit einer Kassette mit skelettartigen Akkordfolgen oder einem Refrain an, in der Hoffnung, dass Petty einen Song „erschnüffeln“ würde. Diese Art der Zusammenarbeit brachte Klassiker hervor, aber nicht ohne einige Bedenken von Seiten Campbells.

„Am Anfang war ich unsicher, was mein Schreiben angeht. Ich feile gerne an meinen Texten, bevor ich sie jemandem zeige, sogar meiner Frau. Es gab Zeiten, in denen Tom sich lange Zeit nahm, bevor er sich mein Material anhörte, aber dann kam er mit etwas Unglaublichem heraus. Das ist mir lieber, als mit jemandem Auge in Auge in einem Raum zu sitzen…“

Tom Petty & The Heartbreakers erlebten 1976 ihren Durchbruch, als ihr selbstbetiteltes Debütalbum die Hymnen „American Girl“ und „Breakdown“ hervorbrachte, aber je mehr auf dem Spiel stand, desto größer wurde auch der interne und externe Druck. Campbell tat sein Bestes, um sicherzustellen, dass kühlere Köpfe die Oberhand gewannen und die Band nicht unter der Last der Erwartungen zusammenbrach.

–-> Fortsetzung folgt….