Fotomaker war eine Power-Pop-Gruppe aus Long Island, New York, die zwischen 1978 und 1979 drei Alben veröffentlichte.
Die Band wurde 1977 von dem Bassisten Gene Cornish und dem Schlagzeuger Dino Danelli gegründet, zwei ehemaligen Mitgliedern von The Rascals. Bald kamen Gitarrist/Sänger Wally Bryson (früher bei den Raspberries), Gitarrist/Sänger Lex Marchesi und Keyboarder/Sänger Frankie Vinci hinzu.
Fotomaker’s Debütalbum mit dem Titel „Fotomaker“ wurde am 28. Februar 1978 bei Atlantic Records veröffentlicht. Produziert wurde die LP von Eddie Kramer, Ron Albert und Howard Albert. Die erste Singleauskopplung, „Where Have You Been All My Life“, erreichte Platz 81 der Billboard Hot 100.
Das zweite Album, „Vis-a-Vis“, wurde im Oktober 1978 veröffentlicht. Es wurde im Sommer auf Vorschlag von Wally Bryson in den Record Plant Studios (die auch von den Raspberries genutzt wurden) aufgenommen. „Vis-a-Vis“ wurde mit Vincis Song „Miles Away“ eröffnet, der als Single veröffentlicht wurde und auf Platz 63 der Billboard Hot 100 landete.
Wally Bryson hatte die Band bereits vor dem dritten Album der Band, „Transfer Station“, das 1979 erschien, verlassen. Fotomaker tourte nicht zur Unterstützung von „Transfer Station“. Das Album erreichte nicht die Charts, und die Gruppe löste sich kurz darauf auf.
1980 schloss sich Danelli dem Gitarristen Steven Van Zandt als Mitglied von Little Steven & The Disciples of Soul an.
1997 wurden Gene Cornish und Dino Danelli (starb 2022) zusammen mit den ehemaligen Bandmitgliedern der Rascals, Felix Cavaliere und Eddie Brigati, in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.
Leonard Joseph Tristano (19. März 1919 – 18. November 1978) war ein amerikanischer Jazzpianist, Komponist, Arrangeur und Lehrer für Jazzimprovisation.
Tristano absolvierte ein Bachelor- und Masterstudium in Chicago, bevor er 1946 nach New York City zog. Er spielte mit führenden Bebop-Musikern und gründete seine eigenen kleinen Bands. Sein Quintett nahm 1949 die ersten freien Gruppenimprovisationen auf. Tristanos Innovationen setzten sich 1951 mit den ersten improvisierten Jazz-Aufnahmen mit Overdubs fort, und zwei Jahre später nahm er ein atonales improvisiertes Soloklavierstück auf, das eher auf der Entwicklung von Motiven als auf Harmonien beruhte. In den 1960er Jahren entwickelte er sich über Polyrhythmik und Chromatik weiter, wurde aber nur selten aufgenommen.
Musiker und Kritiker schätzen Tristano als Musiker unterschiedlich ein. Einige beschreiben sein Spiel als kalt und meinen, dass seine Innovationen wenig Einfluss hatten; andere erklären, dass er eine Brücke zwischen dem Bebop und späteren, freieren Formen des Jazz war, und behaupten, dass er weniger geschätzt wird, als er sollte, weil die Kommentatoren ihn schwer kategorisieren konnten und weil er sich nicht kommerziell betätigen wollte. [Wikipedia]
Meine Album-Empfehlung: Lennie Tristano, auch bekannt als Tristano, ist ein Album aus dem Jahr 1956. Bei seiner Veröffentlichung war das Album wegen seines innovativen Einsatzes von Technologie umstritten, da Tristano bei den ersten vier Titeln das Klavier überspielte und die Bandgeschwindigkeit manipulierte, um bestimmte Effekte zu erzielen.
Obwohl Tristano als hervorragender und innovativer Bebop-Pianist galt, hatte er sechs Jahre lang keine Aufnahmen mehr gemacht und eine Jazzschule gegründet, in der er sich stattdessen auf das Unterrichten konzentrierte. Die ersten vier Stücke dieses Sets schockierten die Jazzwelt zum Zeitpunkt ihrer Veröffentlichung. Der Grund dafür war, dass Tristano bei diesen vier Originalstücken – „Line Up“, „Requiem“, „Turkish Mambo“ und „East Thirty-Second“ – die Klavierlinien tatsächlich überspielte und das Aufnahmeband zur Verstärkung des Effekts auf und ab bewegte.
Zur Frage der Bandgeschwindigkeit fügte er hinzu: „Wenn die Leute denken, dass ich das Klavier auf ‚Line Up‘ und ‚East Thirty-Second‘ beschleunigt habe, ist mir das egal. Was mich interessiert, ist, dass das Ergebnis für mich gut geklungen hat.“ Der mitwirkende Bassist Peter Ind, der sich später dazu inspirieren ließ, dieselbe Technik auf seinem eigenen Album „Looking Out“ zu verwenden, argumentierte im Gegensatz zu denjenigen, die dies für eine trügerische Technik halten, dass es sich einfach um ein weiteres Werkzeug handelt, das ein Künstler zur Gestaltung seines Werks einsetzen kann.
Obwohl der Effekt durchaus hörbar ist und nur im besten Sinne des Wortes stört, war dies zu dieser Zeit buchstäblich unerhört. Die letzten fünf Stücke auf der Platte wurden live mit der Rhythmusgruppe von Bassist Gene Ramey, Schlagzeuger Art Taylor sowie Peter Ind (bass) und Jeff Morton (dr) aufgenommen. Lee Konitz spielt auf fünf Stücken Altsaxophon.
Die Stücke sind allesamt Standards, darunter „These Foolish Things“, „Ghost of a Chance“ und „All the Things You Are“. Das Album punktet mit einem schönen Zusammenspiel zwischen Lee Konitz und Lennie Tristano und herausragenden harmonischen Ideen. Dies ist ein großartiges Album mit einer schönen Gegenüberstellung der ersten und zweiten Hälfte, wobei das rhythmische Genie von Tristano als Improvisator in der ersten Hälfte voll zur Geltung kommt, und er in der zweiten Hälfte zeigt, dass er ein überragender swingender Pianist ist.
Wenn man ihn noch nicht kennt, alte Fotos von ihm anschaut, dazu seinen seidenweichen Gesang hört, denkt man vielleicht: „Wie hat dieser Kerl, der aussieht wie ein Englischlehrer an einer Highschool, einen Plattenvertrag bekommen?“ Oder man fragt sich: „Der macht Jazzmusik?“
Ganz so falsch liegt man damit gar nicht. Vor dem Beginn seiner 50-jährigen Musikkarriere lehrte Michael Franks (Jahrgang 1944) zeitgenössische Literatur an der Universität von Kalifornien, in Los Angeles. Der Gelehrte verbrachte das erste Viertel seines Lebens damit, die Gedichte von Theodor Roethke, einem US-amerikanischer Lyriker, zu studieren, und bemühte sich nie um eine musikalische Ausbildung – abgesehen von den sechs kostenlosen Unterrichtsstunden, die in der japanischen Marco-Polo-Gitarre für 29,95 Dollar enthalten waren, die er mit 14 Jahren kaufte. Doch während seiner College-Ausbildung entdeckte er Jazz, Bossanova und die Klänge der Cool-Jazz-Bewegung der Westküste. Er entdeckte Künstler wie Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, Dave Brubeck, Mose Allison und Miles Davis, die alle bald zu seinen Vorbildern werden sollten.
Nachdem er einen Lehrauftrag an der Universität erhalten und die Tonleitern seiner Jazzgrößen gelernt hatte, begann Franks, eigenes Material zu schreiben und Filmmusik zu komponieren, bevor er sich schließlich auf Solopfade begab. Auf sein erstes, gleichnamiges Debüt bei Brut Records folgte 1976 der Durchbruch mit dem Album „The Art of Tea“, der ihm eine lange Zukunft bei Warner Brothers Records sicherte.
Seine Musik orientierte sich an den ausgefeilten Jazz-Arrangements von Tom Jobim (Bossanova ist ein bedeutender Einfluss auf seine Herangehensweise an das Gitarrenspiel) und brachte seine ultra-weiche Stimme in die Gleichung ein, um der „Quiet Storm“-Bewegung zum Durchbruch zu verhelfen. „Quiet Storm“, benannt nach dem Album von Smokey Robinson aus dem Jahr 1975, war ein Subgenre der 70er Jahre, das ursprünglich ein Radioprogramm bei WHUR-FM in Washington D.C. war. Der berühmte DJ Melvin Lindsey kuratierte das Programm mit einem „neuen Sound“, der aus zeitgenössischem R&B bestand, der in einem sanften, romantischen, jazzbeeinflussten Stil vorgetragen wurde, und Franks war einer der Anführer dieser Bewegung. Franks blieb seinem einzigartigen Pop-Jazz treu, ging aber auch mit der Zeit. Während er seinen Wurzeln verbunden blieb, begann er in den 80er Jahren Synthesizer und eine tänzerischere Produktion einzubauen und landete irgendwo in einer Uptempo-Jazz-meets-Synth-Pop-Welt.
Sein drittes Album, „Sleeping Gypsy“ (1977), das den Song „The Lady Wants to Know“ enthält, wurde teilweise in Brasilien aufgenommen. Zu dieser Zeit schenkte der Perkussionist Ray Armando Franks eine Cabasa, die zu seinem Markenzeichen wurde, das er auf der Bühne spielte, wenn er nicht gerade seine Gitarre einsetzte. Das Album „Burchfield Nines“ (1978), auf dem auch der Song „When the Cookie Jar Is Empty“ zu hören ist, spiegelt seinen Umzug nach New York City wider und weist einen eher ostküstentypischen Sound auf. Seitdem hat Franks mehr als 15 Alben aufgenommen.
Michael Franks hat vor einigen Jahren die Liner Notes zu einer neu aufgelegten Retrospektive seiner Alben verfasst, in denen er über seine vielen Jahre in der Musik reflektiert. Hier sind einige Auszüge:
„Wenn ich die Songs dieser Sammlung betrachte, von denen die meisten aus meinen 24 Jahren bei Warner Bros. stammen, werde ich an all die wunderbaren Musiker erinnert, mit denen ich das Vergnügen hatte, Aufnahmen zu machen, und bin beeindruckt von ihnen.
Die Kompositionen in dieser Anthologie offenbaren, denke ich, meine beständigen musikalischen Einflüsse über die Jahre hinweg: Jobim, Jazz-Standards, R&B, das Great American Songbook. Sie enthalten auch Verweise auf mein lebenslanges Interesse an Kunst und Literatur. Was Sie in dieser Musik finden, ist eine ausführliche Skizze meines Lebenswerkes.
Meine Lieder sind fast immer autobiografisch in dem Sinne, dass sie meist mit einer persönlichen Erfahrung oder Beobachtung beginnen. Sie drücken oft, sehr wörtlich, meine eigenen persönlichen Gefühle aus. Ich habe sie auf allen Kontinenten außer der Antarktis aufgeführt und bin immer wieder erstaunt, wie sie mich mit meinen Fans auf der ganzen Welt verbinden, wie Perlen auf einer „Perlenkette“, wie mein Guru es ausdrückte.
Wenn ich zusammenfassen müsste, wie ich mich derzeit in Bezug auf meine Karriere fühle, würde ich sagen, dass „Dankbarkeit“ das erste Wort ist, das mir in den Sinn kommt. Ich bin dankbar für meine Lebenserfahrungen, sowohl die guten als auch die schmerzhaften. […]. Ich bin dankbar, dass ich seit 35 Jahren verheiratet bin, dass ich Vegetarier bin, dass ich in den Wäldern lebe, umgeben von der Natur, die ich so sehr schätze. Ich bin all den Musikern, Arrangeuren, Produzenten und Tontechnikern dankbar, die mit mir auf dieser musikalischen Reise zusammengearbeitet haben. Obwohl ich von Natur aus ein zurückgezogener Mensch bin, habe ich die Gesellschaft von Musikern immer geliebt und das „Abhängen“ immer genossen. Die meisten von ihnen zähle ich zu meinen lebenslangen Freunden. Ich vermisse diejenigen, die von uns gegangen sind, aber ich bin zutiefst dankbar, dass ihre Musik weiterlebt.“
Er schließt mit den Worten: „Die Musik treibt mich in die Zukunft. Auf wunderbare und wundersame Weise flüstert sie mir immer zu und zirkuliert in meinem Kopf. Ich nehme an, in diesem Sinne schreibe ich immer.“
Wer seine Musik kennt, wird dem sicherlich zustimmen. Er ist der „Professor der Coolness“: Michael Franks.
Captain Beyond ist eine amerikanische Rockgruppe, die 1971 in Los Angeles gegründet wurde. Bestehend aus dem ehemaligen Deep Purple-Sänger Rod Evans, dem ehemaligen Johnny Winter-Schlagzeuger Bobby Caldwell, dem ehemaligen Iron Butterfly-Gitarristen Larry Reinhardt und dem ehemaligen Iron Butterfly-Bassisten Lee Dorman, hatte die Band einen Musikstil, der Elemente des Hard Rock, des Progressive Rock und der Jazz-Fusion mit Space Rock verband.
Zwischen 1972 und 1977 veröffentlichten sie drei Alben und erreichte nie mehr als eine kultige Fangemeinde, aber sie schaffte es auch, drei starke Alben mit psychedelischem Gitarrenrock zu veröffentlichen, der manchmal an die härteren Pink Floyd erinnerte.
Nach dem selbstbetitelten Debütalbum von 1972 verließ Caldwell die Band und wurde durch Marty Rodriguez ersetzt. Mit Rodriguez produzierte die Band 1973 ein zweites Album mit dem Titel „Sufficiently Breathless“, nach dem Evans die Band verließ und sie eine Pause einlegte. Erst 1976 kehrten sie zurück, wobei Caldwell wieder einstieg und Willy Daffern (der zuvor in einigen Bands Schlagzeug gespielt hatte) Evans am Gesang ersetzte. Ihr drittes Album, „Dawn Explosion“ von 1977, blieb jedoch weitgehend unbeachtet, und die Band löste sich kurz darauf auf.
Mit „Wenn es dunkel und kalt wird in Berlin“ hat der Regisseur und Schauspieler Charly Hübner seine zweite Regiearbeit über eine Musikgruppe abgeliefert (nach „Feine Sahne Fischfilet“). Der Film ist jetzt im Kino angelaufen und würdigt eine Gruppe, die es seit 1985 gibt und die beständig gute Alben veröffentlicht.
Hübner lässt die drei Originalmitglieder nicht nur zu Wort kommen, er hat sie auch bei fünf Live-Auftritten in Berlin gefilmt. Im August 2023 spielten sich Element Of Crime vom kleinen Privatclub (200 Zuschauer:in nen) über das Lido (500) und das SO36 (800) in den ehrwürdigen Admiralspalast (1800) hoch zur Zitadelle Spandau (9000).
Der Film über die Geschichte der Band ist zugleich eine Zeitreise durch Berlin. Die Songs von „Element of Crime“ kommen aus dieser Stadt und entstehen aus diesem Leben. „In Svens Texten höre ich auch eine Gesellschaft. Wie agiert eine Gesellschaft, wie sind die Leute unterwegs„, erzählt Jakob Ilja, der Gitarrist der Band. „Try to be Mensch“ heißt eines ihrer frühen Alben. Darum geht es noch immer. Und darum soll es in diesem Film gehen. Unaufgeregt, heiter, entzückt und betrübt. Die Musik spielt das Leben und das Leben, die Musik.
Vor 50 Jahren veröffentlichte Frank Zappa das Album Apostrophe – ein grandioses Album voller schrägem Witz, absurden Storys und großer musikalischer Virtuosität.
„Wir feiern hier den 50. Jahrestag der wohl populärsten Platte in Frank Zappas epischem Katalog. Mit Apostrophe (‚) schuf Zappa sein eigenes Musikgenre und feierte gleichzeitig zehn Jahre im Geschäft. Niemand klang wie Frank Zappa. Dieses Album und insbesondere ‚Don’t Eat The Yellow Snow‘ brachten diesen einzigartigen, wunderbaren Sound einer breiten Masse auf eine Art und Weise nahe, die niemand, auch nicht Frank, erwartet hätte.“ (Joe Travers, Zappa-Archivmeister)
Es war Zappas erste Goldene Schallplatte in den USA, die auf Platz 10 der Billboard 200 Charts landete. Der Erfolg von Apostrophe(‚) verhalf Zappa zu einem neuen Bekanntheitsgrad, und im Laufe der Jahre war das Album für die meisten eine erste Anlaufstelle, wenn sie seine Musik entdeckten.
Anlässlich des 50. Jahrestages haben Zappa Records und UMe im September ein 5-CD + Blu-ray Audio-Set zusammengestellt, welches das von Bernie Grundman neu remasterte Originalalbum, Session-Outtakes aus dem Archiv, zwei Konzertmitschnitte aus dem Jahr 1974 und insgesamt mehr als 50 bisher unveröffentlichte Studio- und Live-Tracks enthält.
Für die 74er Tournee konstruierte Zappa eine Reihe von neuen Kompositionen und Verfeinerungen. „Is There Anything Good Inside Of You?“ (auch bekannt als „Andy“) und „Florentine Pogen“ waren neu, während das selten gespielte „Babbette“ auf geniale Weise mit dem noch recht neuen „Approximate“ verbunden wurde. Und natürlich erfuhr „Inca Roads“ ständige Veränderungen. Wie üblich nahm Zappa jede Show auf seiner ½-Zoll-4-Spur-Bandmaschine auf. Die Bänder haben zwar nicht die beste Klangqualität, aber historisch gesehen enthalten diese speziellen Shows Varianten von Songs, die auf keiner anderen Tournee wiederholt wurden.
Die Band selbst hatte sich im Laufe des Jahres mehrmals gewandelt und existierte als sechsköpfiges Kollektiv. Die Kerngruppe, bestehend aus Zappa, George Duke (key, voc), Napoleon Murphy Brock (tenor sax, fl, voc), Tom Fowler (b), Chester Thompson (dr) und Ruth Underwood (perc), ist seit langem als Fan-Favorit auserkoren und gilt als eine der besten und beliebtesten Gruppen, die Zappa je zusammengestellt hat. Die meisten von ihnen hatten fast zwei Jahre lang immer wieder mit Zappa zusammen gearbeitet. Die Chemie zwischen ihnen stimmte und sie erzeugten einen ganz besonderen Sound, wobei Zappa als einziger Gitarrist den Ton angab.
Zappa selbst erklärte übrigens, dass der Erfolg der Platte einem DJ geschuldet sei:
„Apostrophe (‘)… war unsere erste goldene Schallplatte. Und das war ein Zufall, denn ein Radiosender in Pittsburgh nahm Don’t Eat The Yellow Snow, kürzte es von zehn Minuten auf drei, was Teil einer Kette war, Teil ihres Formats, Novelty-Platten aus den 60ern zu spielen. Der Typ, der das machte, hörte den Song, sah ihn als moderne Scherzplatte an und legte ihn direkt neben Teeny Weeny Bikini auf, und er wurde ein Hit. Und zu dieser Zeit waren wir in Europa auf Tournee. Wir hatten es noch nicht einmal als Single veröffentlicht, und ich wurde in Europa darüber informiert, dass ich eine Hit-Single auf dieser Kette von Sendern an der Ostküste hatte, was willst du damit machen? Und ich sagte dem Tontechniker, der noch in Los Angeles war und an dem Album arbeitete, er solle eine Version von Don’t Eat The Yellow Snow so bearbeiten, wie dieser Typ sie geschnitten hatte, und sie herausbringen. Und es war ein Hit. Das war nichts, was ich hätte vorhersehen können… Wer hätte das gedacht? Das Lob gebührt dem DJ.“
Der Titelsong ist ein Instrumental u.a. mit dem Cream-Bassisten Jack Bruce und dem Schlagzeuger Jim Gordon. Jack Bruce wird auf dem Albumcover als Bassist und Co-Autor des Titelsongs genannt. In einem Interview für das polnische Rockmagazin „Tylko Rock“ erklärte er jedoch scherzhaft, dass er auf Apostrophe (‚) keine Bassgitarre gespielt habe, sondern nur die Cello-Parts. Seine Cello-Bemerkungen zu Apostrophe (‚) können jedoch nicht ernst genommen werden, denn es gibt tatsächlich kein Cello auf dem Titelsong oder auf dem Album.
