Am 6. Oktober 2020 erlag Eddie Van Halen im Alter von 65 Jahren im Saint John’s Health Center in Santa Monica den Folgen seiner Kehlkopfkrebs-Erkrankung.
Mit seinem Bruder Alex Van Halen gründete er im Jahr 1972 die Rockgruppe Van Halen, welche u.a. aufgrund ihres damals neuartigen Stils in den 80er Jahren und danach große Erfolge weltweit feierten. Insbesondere die Alben „Van Halen“ und „1984“ wurden zum großen Hit, unter anderem aufgrund der Songs „Jump“, „Panama“ oder „Runnin‘ with the Devil“.
Van Halen war einer der einflussreichsten Gitarristen der Rock-Geschichte, ROLLING STONE wählte ihn auf Platz acht der besten Gitarristen aller Zeiten.
Auf seinem neuen Album „Catfish Cake“ gibt der australische Bluesrockgitarrist Rob Tognoni in seinem Song „Fat Orange Man“ ein klares Statement zum rassistischen US-Präsidenten ab:
„Kids locked in cages, that just ain’t right / I’m pretty sure this fucker does it just for spite / No heart for compassion / no heart to begin / this empty piece of shit in 2020 can’t win“
„Kinder in Käfigen eingesperrt, das ist einfach nicht richtig / Ich bin ziemlich sicher, dass dieser Wichser es nur aus Bosheit tut / Kein Herz für Mitgefühl / Kein Herz, um anzufangen / Dieses leere Stück Scheiße im Jahr 2020 kann nicht gewinnen“
Quelle: Tony Hisgett – https://www.flickr.com/photos/hisgett/4193246701/in/faves-24788065@N02/
Der Mitbegründer von Fleetwood Mac und einflussreiche Blues-Rock-Gitarrist Peter Green ist am 25. Juli 2020 im Alter von 73 Jahren gestorben.
Green gründete 1967 zusammen mit dem Schlagzeuger Mick Fleetwood die Band „Fleetwood Mac“. Zwar spielte er nur drei Jahre bei“ Fleetwood Mac“, schrieb von 1967 bis 1970 jedoch einige der frühen Klassiker wie „Man of the World“, „Albatross“, „Black Magic Woman“ und „Oh Well“.
Peter Green steht für die erste Blues-Ära von Fleetwood Mac. Die Band hat lange gebraucht, um den Weggang ihres Gitarristen und hauptsächlichen Songschreibers zu verarbeiten und zu kompensieren. Ohne Peter Green, der wegen Drogenproblemen aussteigen musste, wurde Fleetwood Mac eine ganz andere Band, die ihre größten Erfolge dann ohne ihn im Bereich des Pop/Rock feierte.
Der exzessive Drogenkonsum spielte wohl auch eine Rolle, als Anfang der 70er Jahre bei Green schließlich Schizophrenie diagnostiziert wurde. Er verbrachte Mitte der 1970er Jahre einige Zeit in psychiatrischen Kliniken, wo er sich einer elektrokonvulsiven Therapie unterzog. Danach war es lange Zeit still um ihn. 1979 kehrte er mit seinem zweiten Soloalbum „In the Skies“ auf die musikalische Bildfläche zurück. Zwischen 1980 und 1984 veröffentlichte er 4 weitere Alben, die jedoch nicht an den Erfolg von „In The Skies“ anknüpfen konnten.
Ende der 1990er Jahre gründete er mit Unterstützung von Nigel Watson und Cozy Powell die Peter Green Splinter Group. Die Gruppe veröffentlichte zwischen 1997 und 2004 neun Blues-Alben, deren Songs größtenteils von Watson geschrieben wurden. Anfang 2004 wurde eine Tournee abgesagt, und die Aufnahmen zu einem neuen Studioalbum stoppten, da Green die Band verließ und nach Schweden zog. Kurz darauf verpflichtete er sich zu einer für das folgende Jahr geplanten Tournee mit den britischen Blues All Stars. Im Februar 2009 begann Green wieder zu spielen und zu touren, diesmal als Peter Green and Friends.
Mick Fleetwood hat eine Hommage an Green auf Facebook gepostet und seinen ehemaligen Bandkollegen als „meinen liebsten Freund“ bezeichnet. „Für mich und jedes ehemalige und gegenwärtige Mitglied von Fleetwood Mac ist der Verlust von Peter Green monumental“, schrieb Fleetwood. „Peter war der Mann, der die Band Fleetwood Mac zusammen mit mir, John McVie und Jeremy Spencer gegründet hat. Niemand ist jemals in die Reihen von Fleetwood Mac getreten, ohne eine Ehrfurcht vor Peter Green und seinem Talent und vor der Tatsache, dass Musik hell erstrahlen und immer mit kompromissloser Leidenschaft vorgetragen werden sollte! Peter, ich werde dich vermissen, aber bleib locker, deine Musik lebt weiter„, fügte er hinzu. „Ich danke dir, dass du mich vor all den Jahren gebeten hast, dein Schlagzeuger zu sein. Wir haben uns gut geschlagen, und wir haben einen verdammt guten musikalischen Weg beschritten, den so viele genießen konnten.“
Eine Reihe weiterer Musiker zollten Green nach der Bekanntgabe seines Todes Tribut. Whitesnake-Sänger David Coverdale twitterte, dass Green „ein Künstler war, den ich wirklich liebte und bewunderte„.
Der Liedermacher, Produzent und Musiker Rupert Hine ist am 04. Juni 2020 im Alter von 72 Jahren gestorben.
Hine begann seine Karriere ursprünglich in den frühen 60er Jahren als die Hälfte des Folk-Rock-Duos Rupert & David. Sie veröffentlichten nur eine einzige Single, eine Interpretation vom Simon & Garfunkel Hit „The Sound of Silence“, bevor sie sich 1965 trennten. In den 70er und 80er Jahren veröffentlichte Hine weiteres Material, sowohl als Solokünstler als auch als Mitglied der Band Quantum Jump. Die Single „The Lone Ranger“ der Gruppe aus dem Jahr 1979 wurde in Großbritannien ein unerwarteter Hit und erreichte Platz 5 der Charts.
Dennoch übte Hine seinen größten Einfluss auf die Musik hinter den Kulissen aus. Als Songwriter und Produzent trug er zu einem breiten Spektrum legendärer Werke bei, indem er z.B. Stevie Nicks‘ 1989 mit Platin ausgezeichnete LP „The Other Side of the Mirror“ produzierte und dabei drei der Titel des Albums mitschrieb. Rupert Hine produzierte auch zwei Rush-Alben, 1989 „Presto“ und 1991 „Roll the Bones“.
1990 produzierte Hine zusammen mit Kevin Godley (Ex-10CC) „One World One Voice„, ein Weltmusik-Album, das die Aufmerksamkeit auf Umweltprobleme lenken sollte. Das Projekt umfasste Beiträge von 300 Künstlern, darunter Sting, Peter Gabriel, David Gilmour, Chrissie Hynde und Lou Reed.
Die Zusammenarbeit mit Tina Turner, The Fixx, den Thompson Twins, Bob Geldof und Howard Jones war ein weiterer Höhepunkt in Hine’s langem und abwechslungsreichem Lebenslauf.
In einer Botschaft an die sozialen Medien bezeichnete ihn Howard Jones als „einen außergewöhnlichen Mann“ und seinen „Musikmentor“.
Rupert Hine ….An extraordinary man and one of my dearest longtime friends, my music mentor and producer, passed away in the early hours of this morning. I’m so fortunate to have spent a precious hour with him Tuesday. I will be writing about him on FB soon… luvya Roop !! ————————- Rupert Hine …..Ein außergewöhnlicher Mann und einer meiner liebsten langjährigen Freunde, mein Musikmentor und Produzent, verstarb in den frühen Morgenstunden dieses Morgens. Ich bin so glücklich, dass ich am Dienstag eine kostbare Stunde mit ihm verbracht habe. Ich werde demnächst auf FB über ihn schreiben… luvya Roop !! pic.twitter.com/2lTSa0J35P – Howard Jones (@howardjones) 5. Juni 2020
Auch in seinen späteren Jahren blieb Hine äußerst aktiv. Der Produzent war führend in der Integration von Schnittstellen für elektronische Musik, arbeitete mit Apple an digitaler Musiksoftware und schuf später die One-Click-Lizenz (OCL), die weltweit erste Mikro-Lizenzierungstechnologie für nutzergenerierte Inhalte.
In einer Reihe von Tweets erinnerte sich Alan Graham, der gemeinsam mit Hine die OCL entwickelte, an seinen kreativen Partner als einen „wunderbar verrückten Champion der Schöpfer“.
I’m not ready for this. We still need you…I need you…you beautifully mad champion of creators…you always wanted the best for us & you made us want to be better than we ever thought we could be. You always saw what was inside and brought it out. I’m better because of you… ————————– Ich bin dafür noch nicht bereit. Wir brauchen dich immer noch … ich brauche dich … du wunderbar verrückter Champion der Schöpfer … du wolltest immer nur das Beste für uns … du hast uns dazu gebracht, besser sein zu wollen, als wir jemals dachten, dass wir es sein könnten. Du hast immer gesehen, was in dir steckt und hast es herausgebracht. Ich bin besser wegen dir… https://t.co/LYHRayPMI1 pic.twitter.com/ERaQxKkKM0
Der Altsaxophon-Großmeister Richie Cole, der in der Zeitschrift Downbeat einmal als „die Saxophonmaschine“ bezeichnet wurde, ist am 02. Mai 2020 im Alter von 72 Jahren gestorben.
Richie Cole war ein produktiver Komponist, der über 50 Alben mit Künstlern wie Eddie Jefferson, Manhattan Transfer, Bobby Enriquez, Freddie Hubbard, Sonny Stitt, Art Pepper, Tom Waits, Boots Randolph und Nancy Wilson aufgenommen hat. Er trat in der historischen Village Vanguard und der Carnegie Hall auf. Cole gab sogar eine Sondervorstellung für Königin Elizabeth II.
Vor Jahren bemerkte der prominente Jazz-Kritiker Leonard Feather die lebhaften und informellen Präsentationen von Cole und „die freilaufende und manchmal satirische Natur seiner Auftritte“. Auf der Website About Jazz heißt es, Cole „ist […] ein schneller und konkurrenzfähiger musikalischer Revolverheld, der legendären Status für seine Bereitschaft erlangte, seine Beherrschung von Charlie Parkers Bebop-Sprache zu demonstrieren, indem er es mit allen Mitstreitern in jeder Geschwindigkeit aufnimmt“.
„Ich mag es, Leute auszutricksen, damit sie Jazz mögen, indem ich die Dinge freundlich, beschwingt und vertraut halte“, erklärte Cole, der eine musikalische Verbindung vertrat, die vom Bebop-Gründer Charlie Parker und dem Innovator Phil Woods bis in die Gegenwart reicht. Woods – der Parkers Witwe heiratete – unterrichtete an einem Sommercamp für darstellende Künste in New Hope, wo er den jungen Cole kennenlernte und sein Mentor wurde. Die beiden nahmen schließlich gemeinsam ein Album mit dem Titel „Side by Side“ auf.
„Bebop ist für mich der ultimative Ausdruck des Jazz“, sagte Cole über den Stil, den er beherrscht. Es ist ein Stil, der dem Swing in den späten 1940er Jahren folgte, sowohl traditionelle als auch untraditionelle Harmonie- und Rhythmuskonstruktionen verwendete (mit Betonung auf dem Untraditionellen) und spielerische, schnelle und komplizierte Soli betonte, die die Musiker aufsteigen ließen, während sie sowohl Klang als auch Emotionen erforschten. Neben Parker gehören Dizzy Gillespie und Theolonius Monk zu den anderen Meistern des Stils, der seinen Namen von Geräuschen im Zusammenhang mit Scat oder Klanggesang erhielt. „Wenn ernsthafte Jazzmusiker ihre Musik studieren, werden sie sehen, dass sie mit Bebop beginnt. Sie müssen ihr Instrument beherrschen. Alles, was Ihnen in den Sinn kommt, können Sie spielen, weil Sie Ihr Instrument beherrschen. Bebop-Musiker sind wie klassisch ausgebildete Musiker“, hatte Cole erklärt.
Eine weitere wichtige Sache, an die man sich erinnern müsse, sei, so Cole, dass Bebop-Künstler nicht nur Musik spielen. „Sie erzählen eine Geschichte aus dem Stegreif, sie lesen die Geschichte nicht. (Saxophonist) Sonny Rollins ist ein Dichter. Er erzählt eine Geschichte. Ich verstehe ihn. Jeden Absatz, über den er spricht. Das ist der Kern meines Dings.“
Cole teilte mit, dass der Musikstil so zu ihm kam. „So habe ich es auch gehört. Ich blieb immer auf und hörte Radio. Ich blieb die ganze Nacht auf und hörte den Jazz-Sendern zu. Ich fühlte mich zum Bebop hingezogen. Ich verstand ihn. Als ich in den 70er Jahren aufwuchs, war die Avantgarde out, und es sah so aus, als würde ich die Musik der alten Leute spielen. Aber ich hörte sie, und ich habe meine Karriere darauf aufgebaut. Es war nicht leicht. Ich war ein junger Weißer, der schwarze Bebop-Musik spielte. Es war wie ein Widerspruch.“
Obwohl er mit einigen der Jazz-Größen – darunter Buddy Rich – aufgetreten ist, erinnert sich eine Generation von Musikliebhabern an seine vierjährige Partnerschaft mit dem Jazz-Sänger Eddie Jefferson. Diese großartige und spielerische Zusammenarbeit endete, als Jefferson nach einem Konzert am 9. Mai 1979 bei einer Schießerei im Vorbeifahren erschossen wurde. „Es vergeht kein Tag, an dem ich nicht an den Mann denke. Er war der größte reine Jazzsänger der Welt“, hat Cole gesagt.
Cole sagt oft, dass er geboren wurde, um Jazz zu spielen, und sein familiärer Hintergrund untermauert diese Behauptung. Sein Vater war in den segregierten 1940er Jahren Besitzer von zwei Jazzclubs in Trenton. Im Black-Patrons Harlem Club spielten große schwarze Spieler aus New York und Philadelphia. Der andere, das weiße Hubbie’s Inn, buchte Nummern wie in Las Vegas.
Coles Entscheidung, mit 10 Jahren Altsaxophon zu spielen, war eine natürliche Entscheidung. Ein verpfändetes Altsaxophon landete in seinem Haus. „Ich bin mit einem Saxophon aufgewachsen, roch das Metall und spielte mit den Tasten. Als ich in die Grundschule ging und in der Band mitspielen wollte, hatte ich das Instrument. Ich war gesegnet, in einer Ära zu sein, in der das öffentliche Schulsystem großartige Musikabteilungen hatte. Ich hatte großartige Lehrer, die mir wirklich sehr geholfen haben. Ich war einer der beiden Menschen auf der Welt, die ein Vollstipendium erhielten“, so Cole über seine Auszeichnung des Downbeat Magazine 1966, die den Ewing High-Absolventen an das auf Jazz und zeitgenössische Musik ausgerichtete Berklee College of Music in Boston führte.
Cole verließ Berklee, um Erfahrungen zu sammeln, und spielte 1969 in der Band von Buddy Rich Lead Alto. „Ich nahm den Platz des berühmten Altsaxophonisten Art Pepper ein. Es war der Traumjob. Ich bin um die Welt gereist. Ich war zweieinhalb Jahre lang mit ihm zusammen. Ich hatte sehr viel Glück mit meiner Karriere und hatte eine Menge guter Pausen.“ Weitere Erfahrungen sammelte er in Bands unter der Leitung von Lionel Hampton und Doc Severinsen, spielte beim Manhattan Transfer und gründete dann seine eigene Gruppe, das Alto Madness Orchestra.
„Die Idee des Orchesters ist das Konzept und der Klang einer 18-köpfigen Big Band mit nur sieben Instrumenten, von denen vier Hörner sind. Das hat nicht nur den Klang des Big-Band-Ensembles, sondern lässt uns auch viel Raum für Improvisation, so als wären wir in einer Quartettbesetzung“, teilte Cole in einem früheren Interview mit.
Auf die Frage nach seiner persönlichen musikalischen Präsenz sagt Cole selbstbewusst, aber nicht selbstzufrieden: „Ich habe einen unverwechselbaren Klang. Wenn man ihn hört, weiß man, dass es Richie Cole ist. Das ist eine Errungenschaft. Ich gehe ständig nach Russland, und die Literaten nennen mich den Poeten des Jazz. Ich spiele nicht Saxophon, ich singe Saxophon. Ich gehe es an wie ein (Gesangs-)Solist. Ich singe es. Ich spiele die Melodie geradeaus, dann mache ich, was ich will, improvisiere, erzähle die Geschichte und komme dann auf die Melodie zurück. Und da ist die Schöpfung.“
Für Cole kommt das Geschichtenerzählen oder die Improvisation von Orten jenseits des Denkens. „Ich plane nicht, was ich tun werde; es kommt einfach heraus. Ich zitiere (andere Musikstücke). Wenn Sie improvisieren, kommt es einfach heraus. Wenn Sie zu viel denken, werden Sie es (vermasseln). Denken Sie nicht. Puste einfach, Mann“, wurde er mit den Worten zitiert.
Was einen Standard zu seinem eigenen machte, bezog sich auf tief empfundene Lebenserfahrungen. „Aus irgendeinem Grund bin ich hin- und hergerissen zwischen ernsthaftem Jazz und Showbusiness. Ich habe einen Sinn für Humor. Das muss ich, denn mein Leben war eine Katastrophe.“ Zu dieser Katastrophe gehöre der Tod von zwei Ehefrauen, ein Kampf gegen den Alkoholismus und Probleme mit dem Musikgeschäft.
Cole spielte mit den Großen, trat bei internationalen Festivals auf, nahm mehr als 50 Alben und CDs auf, schrieb mehr als 3.000 Kompositionen (darunter Sinfonien für 80-köpfige Orchester) und diente in den Vorständen der National Jazz Service Organization und der National Endowment for the Arts, deren Vorsitzender er ein Jahr lang war.
„Fast jede Aufnahme, die ich gemacht habe, ist im Moment meine Aussage“, sagt er. Und mehrere Aufnahmen und Sitzungen, die auf YouTube verfügbar sind, zeugen von seinem künstlerischen Können und Talent.
Die „Yardbird Suite“, die 1981 vom Richie-Cole-Quintett im Village Vanguard in New York City aufgenommen wurde, zeigt Coles Ausgelassenheit, Geschicklichkeit und Stilsicherheit. Klar und hell durchgehend, beginnt er mit einem soliden Respekt vor der Partitur, bevor er sich in eine rasante und doch meisterhaft kontrollierte Erforschung der tonalen Beziehungen und Phrasen stürzt, bevor er zur Einleitung zurückkehrt. In der gesamten Partitur trifft Cole Entscheidungen, die den Urheber des Werkes, Parker, und die Epoche des Werkes zu ehren scheinen, ohne dabei seine eigene Sensibilität zu opfern, z.B. wenn er eine ansteigende und spielerische Ausschmückung verwendet, um eine Phrase zu beenden und einen anderen Musiker vorzustellen.
Zweifellos wird Richie Cole als eine der rätselhaftesten und verehrtesten Figuren der Jazzgeschichte in Erinnerung bleiben. Seine Musik, Interviews und Auftritte waren eine Quelle der Jazz-Elektrizität, mit der zu rechnen war. Cole hinterlässt einen Musikkatalog, der wegen seiner Bebop-Energie immer in Erinnerung bleiben wird. Ein bedeutender Klang, der das Vermächtnis von Charlie Parker und des Bebop-Jazz weiterführte.
Am 15. April 2020 starb der Altsaxophonist Lee Konitz im Alter von 92 Jahren an den Folgen einer Corona-Infektion.
1927 in Chicago geboren, studierte Konitz früh Klarinette, wechselte dann zum Altsaxophon und entwickelte einen individuellen Stil, der sich durch die Bereitschaft auszeichnet, waghalsige harmonische Risiken einzugehen.
Sein unflektierter Ton unterschied ihn von dem dominanten Stil der 1950er Jahre, der von Charlie Parker – den er als engen Freund zählte – begründet wurde. „Ich kannte und liebte Charlie Parker und kopierte seine Bebop-Soli wie jeder andere auch“, sagte Konitz 2013 gegenüber dem Wall Street Journal. „Aber ich wollte nicht so klingen wie er. Also benutzte ich fast kein Vibrato und spielte hauptsächlich in den höheren Lagen. Das ist das Herz meines Klangs.“
Im Laufe seiner Karriere nahm er Dutzende von Alben im Stil von Dixieland, Bop und nachdenklicher Improvisation auf. Seine 1967 aufgenommenen Duette, bei denen er mit Musikern wie dem Gitarristen Jim Hall und dem Tenorsaxophonisten Joe Henderson spielte, gelten laut dem Kritiker Jack Fuller als eines der besten Beispiele für seinen „scharfen Verstand und seinen schnellen Verstand“.
Er spielte auch ohne Begleitung in der 1974er Lone-Lee und versuchte sich in klassischer Musik in der 2000er Ausgabe der französischen Impressionistenmusik der Jahrhundertwende. Konitz selbst schrieb wenig Originalmusik, und die meisten seiner Aufnahmen waren Kontrakte – Melodien, die auf bestehenden Akkordwechseln basieren. Sein bekanntestes Stück, Subconscious-Lee, war eine Improvisation über Cole Porters What Is This Thing Called Love.
„Das ist eine Technik, die ich gerade von demjenigen, der sie erfunden hat, aufgeschnappt habe, ob es nun Bird [Charlie Parker] oder wer auch immer war“, sagte er 2017 zu Downbeat. „Ich halte es in gewisser Weise für äquivalent dazu, einer Melodie hausgemachte Texte hinzuzufügen, bei denen man die Standardänderungen vornehmen könnte. Aber dann ändert man sie irgendwie. Und so gehe ich das irgendwie an.“
Der Musiker hatte später im Leben Herzprobleme, tourte und spielte aber bis in seine 90er Jahre weiter. Sein jüngstes Album war Old Songs New (Sunnyside) – aufgenommen, als er 90 war, und im November letzten Jahres veröffentlicht.
Unter den vielen Trophäen, die er für sein Talent erhielt, gewann Konitz 2009 den NEA Jazz Masters Award und wurde 2010 von der Kritikerumfrage des Downbeat Magazine zum Altsaxophonisten des Jahres gewählt.
