Bereits über 30 Jahre alt ist dieses Lied von Konstantin Wecker. Und leider immer noch aktuell.
Sein Text weist Parallelen zu Wolfgang Borcherts Dann gibt es nur eins! auf. Auch dort werden verschiedene Personen angesprochen mit der konkreten Aufforderung, kriegsfördernde Handlungen zu unterlassen. Konstantin Wecker variiert den Text bei Auftritten und Aufnahmen. So passt er auch den Inhalt immer wieder aktuellen Entwicklungen an.
Original Songtext:
Wenn sie jetzt ganz unverhohlen wieder Nazi-Lieder johlen, über Juden Witze machen, über Menschenrechte lachen, wenn sie dann in lauten Tönen saufend ihrer Dummheit frönen, denn am Deutschen hinterm Tresen muß nun mal die Welt genesen, dann steh auf und misch dich ein: Sage nein!
Meistens rückt dann ein Herr Wichtig die Geschichte wieder richtig, faselt von der Auschwitzlüge, leider kennt man´s zur Genüge – mach dich stark und misch dich ein, zeig es diesem dummen Schwein: Sage nein!
Ob als Penner oder Sänger, Bänker oder Müßiggänger, ob als Priester oder Lehrer, Hausfrau oder Straßenkehrer, ob du sechs bist oder hundert, sei nicht nur erschreckt, verwundert, tobe, zürne, misch dich ein: Sage nein!
Und wenn aufgeblasne Herren dir galant den Weg versperren, ihre Blicke unter Lallen nur in deinen Ausschnitt fallen, wenn sie prahlen von der Alten, die sie sich zu Hause halten, denn das Weib ist nur was wert wie dereinst – an Heim und Herd, tritt nicht ein in den Verein: Sage nein!
Und wenn sie in deiner Schule plötzlich lästern über Schwule, schwarze Kinder spüren lassen, wie sie andre Rassen hassen, Lehrer, anstatt auszusterben, Deutschland wieder braun verfärben, hab dann keine Angst zu schrein: Sage nein!
Ob als Penner oder Sänger, Bänker oder Müßiggänger, ob als Priester oder Lehrer, Hausfrau oder Straßenkehrer, ob du sechs bist oder hundert, sei nicht nur erschreckt, verwundert, tobe, zürne, misch dich ein: Sage nein!
Ob als Penner oder Sänger…
Sag nein! Sag nein! Sag nein!
Refrain 2020:
Ob als Cellistin oder Sänger als Sozialhilfeempfänger ob als Dragqueen, Ärztin, Lehrer Hausmann oder Straßenkehrer, ob du sechs bist oder hundert, sei nicht nur erschreckt, verwundert, tobe, zürne, misch dich ein: Sage nein!
Ob Psychologin oder Sänger ob Sozialhilfeempfänger ob als Dragqueen, Ärztin, Lehrer Hausmann oder Straßenkehrer, ob du sechs bist oder hundert, sei nicht nur erschreckt, verwundert, tobe, zürne, misch dich ein: Sage nein!
Sound On Purposeist ein Projekt des Musikers Frank Tischer aus dem hessischen Fulda. Dieser hat in der Vergangenheit bereits vorwiegend unter eigenem Namen Musik veröffentlicht, die vorwiegend dem Elektronik-Bereich zuzuordnen ist.
Seit einigen Jahren kooperiert Tischer auch mit mehreren anderen Projekten und Musikstilen, z.B. als Teil der Miller Anderson Band, genauso wie seine beiden Kollegen. Das Debütalbum von Sound On Purpose „Cosmic Tales“ erschien 2023, der Nachfolger „Voyage“ ein Jahr darauf.
Frank Tischer – Keyboard und Elektronik Tommy Fischer – Schlagzeug Klaus Marquardt – E-Geige
Tracks:
1 – SOP Overture 2 – Still is it not too late 3 – Miss Butterfly 4 – Orient Express 5 – Moonlanding: a) Opening b) Moonlanding 6 – Comet Song 7 – Panta Rhei 8 – Lugaus
In den frühen 70er Jahren war das Fernsehen ein wichtiges Instrument, um Musikkünstler in den Haushalten zu präsentieren. Frank Zappa, der mit seiner Lichtshow und seinem Bühnenaufbau auf Tournee war, versuchte, Videomaterial für seine eigene Fernsehproduktion aufzunehmen, um es den großen Sendern zu verkaufen. Genau wie bei den Roxy Performances, die Monate zuvor gedreht wurden, gab es technische Probleme, die letztendlich dazu führten, dass das Filmmaterial in den Tresorraum gelegt wurde und dort lagerte.
50 Jahre später, mit den Fortschritten bei den Postproduktionswerkzeugen, erscheint „Cheaper Than Cheep“. Dieses (neue) zweistündige Konzert enthält klassische Auftritte der Mothers-Besetzung von 1974, direkt von den neu restaurierten Original-Ton- und Videobandmastern aus dem Tresor.
Die offizielle Zappa-Veröffentlichung #130 erscheint mit 2CDs plus Blu-Ray, begleitet von einem ausführlichen Booklet mit seltenen, ungesehenen Bildern und Anmerkungen von Ruth Underwood und Joe Travers.
Songtitel:
CD1 1. Cheaper Than Cheep (0:31) 2. Cosmik Debris (9:22) 3. Band Introductions (1:33) 4. RDNZL (6:31) 5. Village Of The Sun (4:35) 6. Montana (6:29) 7. Duke Goes Out (3:53) 8. Inca Roads (10:04) 9. „Get Down Simmons“ (3:15) 10. Penguin In Bondage (6:45) 11. T’Mershi Duween (1:49) 12. The Dog Breath Variations (1:41) 13. Uncle Meat (2:19)
CD2 1. How Could I Be Such A Fool (4:02) 2. I’m Not Satisfied (2:17) 3. Wowie Zowie (2:27) 4. I Don’t Even Care (1:19) 5. Let’s Make The Water Turn Black (4:33) 6. Dupree’s Paradise Introduction (1:05) 7. Dupree’s Paradise (9:19) 8. Oh No (1:36) 9. Son Of Orange County (5:34) 10. More Trouble Every Day (11:02) 11. Apostrophe‘ (6:54) 12. Camarillo Brillo (5:53)
Obwohl Frank Zappa vor mehr als 30 Jahren starb, gilt er nach wie vor als eine Ikone der Kultur des 20. Jahrhunderts.
1973 sagte er bekanntlich: „Jazz ist nicht tot… er riecht nur komisch“, und in seinem Buch „Zappa and Jazz“ wirft Geoff Wills einen Blick auf Zappas weithin angenommene Abneigung gegen das Jazz-Genre.
Die Musik von Frank Zappa enthielt eine breite, ja verwirrende Palette musikalischer und kultureller Einflüsse, darunter auch Jazz. Aber Zappa wurde oft zitiert, dass er diese Musik und ihre Interpreten ablehnt, obwohl es zahlreiche Beweise dafür gibt, dass viele der Musiker, die er beschäftigte, stark mit dem Jazz verbunden waren. Das hielt ihn nicht davon ab zu sagen: „Jazz ist nicht tot…..er riecht nur komisch“ und „Ich hatte nie etwas mit Jazz zu tun. Da ist keine Leidenschaft drin. Es ist ein Haufen Leute, die versuchen, cool zu sein, und die nach einer Bestätigung für eine intellektuelle Gemeinschaft suchen“. Und das unverblümte „Ich mag keinen Jazz“.
Warum also dieses Beharren auf dem Misstrauen gegenüber dem Jazz? Geoff Wills deutet in seiner detaillierten Betrachtung der Jazz-Aspekte von Zappas Musik an, dass die Wurzeln seiner Abneigung gegenüber vielen Dingen neben dem Jazz in seinen Erfahrungen in den 1940er und 1950er Jahren zu suchen sind. Zappa war immer so etwas wie ein Außenseiter. Als italienisch-amerikanischer Schüler wurde er von seinen Mitschülern angefeindet, weil Italien während des Zweiten Weltkriegs ein Feind war. Und Wills weist darauf hin, dass Jazz nicht das einzige war, was Zappa zu stören schien. Er hegte eine Abneigung gegen Schulen, Lehrer, Politiker, Musiker und Menschen im Allgemeinen.
Wills ist der Meinung, dass Zappa, als er behauptete, Jazz nicht zu mögen, in Wirklichkeit seinen Gefühlen über das Jazz-Establishment und den Snobismus Ausdruck verlieh, den viele Jazz-Fans oft an den Tag legten, wenn sie anderen Formen der populären Musik begegneten. Wie sehr Zappa trotz aller gegenteiligen Behauptungen vom Jazz beeinflusst war und Musiker mit tadellosen Jazz-Qualitäten beschäftigte, lässt sich natürlich am besten anhand der vielen Platten, die er aufgenommen hat, nachweisen.
Wills stößt dabei auf einige sehr interessante Fakten. Frank Zappas Musik hat eine einzigartige und leicht wiedererkennbare Qualität, und sie synthetisiert auf brillante Weise ein breites Spektrum kultureller Einflüsse. Das Buch konzentriert sich auf den Einfluss des Jazz auf Zappa und versucht, die oft verwirrende Beziehung zwischen ihm und dem Jazz zu klären. Zappas frühe Jahre werden untersucht, von seinem ersten Ausflug in ein Aufnahmestudio bis zur Gründung und Entwicklung seiner Band „The Mothers of Invention“.
Es gibt ausführliche Kritiken der wichtigsten Jazz-Alben „Hot Rats“, King Kong, „The Grand Wazoo“ und „Waka/Jawaka“. Nebenbei analysiert Wills Zappas Musik und die weiteren Einflüsse, die für seine Einstellung nicht nur zum Jazz, sondern zur Gesellschaft im Allgemeinen entscheidend waren.
Das Buch schließt mit einer Diskussion über Zappas Ähnlichkeit mit orthodoxeren Jazzern, sein Vermächtnis und den Einfluss auf jazzbezogene Musik. Dieses Buch spricht alle Zappa-Fans an, die neue Einblicke in seine Musik suchen, sowie aufgeschlossene Jazz-Hörer und alle, die sich für den Schmelztiegel der Musik des 20. Jahrhunderts interessieren.
Geoff Wills, Zappa and Jazz: Did it really smell funny, Frank? Verlag Matador 2015 - ISBN 13: 9781784623913
Charlie Haden – Liberation Music Orchestra, Impulse AS 9183, aufgenommen im April 1969, erschienen 1970
55 Jahre alt, aber immer noch ein wichtiges musikalisches Zeitdokument, das damals ein Zeichen gesetzt hat.
Sollte Musik eine politische Haltung einnehmen? Kann Musik polemisch sein? Ein deutliches „Ja“! Max Roach mit „Freedom Now“, Charles Mingus mit „Fables of Faubus“, Louis Armstrong mit „Black and Blue“ und Billie Holiday mit „Strange Fruit“ – sie alle haben Musik für ihren Protest genutzt. Die Botschaften dieser Künstler bezogen sich auf Ethnien; Hadens Botschaft hatte eine breitere politische Tragweite.
Das Amerika der sechziger Jahre war von Demonstrationen und Protesten zersplittert, von denen einige rassistisch, die meisten jedoch politisch motiviert waren. Präsident Kennedy wurde ermordet, ebenso sein Bruder Robert. Martin Luther King wurde erschossen. Der Vietnamkrieg lief schlecht. Massenproteste waren an der Tagesordnung. Haden war der Meinung, dass es eine Möglichkeit geben sollte, die Proteste gegen das Vorgehen der USA in Vietnam mit Musik zu unterstützen.
Haden sagte: „Das Album wurde konzipiert, als Nixon Kambodscha bombardierte. Ich rief Carla Bley an und sagte: ‚Ich möchte eine Platte mit politischen Liedern machen“. Gemeinsam entwickelten sie die Idee des Liberation Music Orchestra. Zunächst beschlossen sie, eine Suite mit Volksliedern aus dem Spanischen Bürgerkrieg zusammenzustellen: „El Quinto Regimento“, „Los Cuatro Generales“ und „Viva La Quince Brigade“. Schließlich steuerte Haden zwei Stücke bei, Carla Bley drei, Ornette Colemans „War Orphans“ wurde ebenso verwendet wie das „Lied der Einheitsfront“ von Brecht Eisler. Diese Hymne war in den 1930er Jahren als Protest gegen die Nazis komponiert worden.
Bei der Aufnahme in New York gab es ein kleines Publikum: Gil Evans war da, Carla Bley erinnerte sich: „Es gab auch andere besondere Gäste – Überlebende einer legendären Gruppe von Freiwilligen, die im Spanischen Bürgerkrieg gegen Generalissimo Franco gekämpft hatten. Charlie hatte auch noch lebende Mitglieder der Lincoln-Brigade eingeladen, die im Publikum saßen. Mindestens sechs von ihnen saßen mit ihren Frauen da und kratzten sich am Kopf und fragten sich, was das für eine Musik sei.„
Hadens Hintergrund war ungewöhnlich. Er begann sein musikalisches Leben mit der Haden Family Group. Die Familie hatte ihre eigene Country- und Western-Radioshow. Haden sang mit der Gruppe, bis er an Kinderlähmung erkrankte und dadurch seine Gesangsstimme verlor. Er griff zum Bass und zog 1957 nach Los Angeles, wo er Paul Bley, Don Cherry und Ornette Coleman kennenlernte. Haden spielte 1958 zum ersten Mal mit Ornette und Paul Bley im Hillcrest Club in Los Angeles. Als Ornette nach Osten zog, ging Haden mit ihm und sie nahmen eine Reihe von Alben für Atlantic auf, die den Jazz revolutionierten. Zur gleichen Zeit änderte Haden sein Bassspiel.
„Ich musste sofort lernen, hinter Ornette zu improvisieren, was nicht nur bedeutete, ihm von einer Tonart zur anderen zu folgen und die verschiedenen Tonarten zu erkennen, sondern auch so zu modulieren, dass die Tonarten ineinander übergingen und die neuen Harmonien richtig klangen. Ich habe die Herausforderung sehr begrüßt, denn es bedeutete, mein Gehör zu benutzen, wie damals, als ich als Kind im Mittleren Westen mit meiner Familie Country-Musik aus dem Radio sang, und ich musste alle Harmonieteile kennen – meine und die der anderen -, wenn wir zusammenpassen wollten. Da gab es kein ‚Ich kenne sie nicht‘. Du musstest sie kennen.“
Zu dieser Zeit begann Carla Bley, Anerkennung zu finden. Sie hatte „A Genuine Tong Funeral“ für Gary Burton geschrieben. Sie arbeitete an ihrer Oper „Escalator Over The Hill“. Ihre Musik hatte einen individualistischen Kern, und sie verstand es, ihrer Musik eine kraftvolle Stimme zu verleihen. Auf diesem Album kam ihr zugute, dass sie Musiker mit unverwechselbar starken Stimmen hatte: Gato Barbieri, Roswell Rudd und Dewey Redman. Bewundernswert ist, dass es Bley gelang, unterschiedliche Elemente miteinander zu verbinden. „The Four Generals“ war ein Lied über den Kampf um Madrid im Jahr 1936. Die spanischen Lieder, die mit den revolutionären Liedern der 1930er Jahre verschmolzen sind, beginnen mit der Gitarre von Sam Brown. Die Klänge, die Bley erschafft, erinnern an die Klänge, die Gil Evans hervorrief, als er die spanischen Marschkapellen auf ‚Saeta‘ in ‚Sketches of Spain‘ nachspielte.
„Song For Che“ war dem 1967 in Bolivien ermordeten Revolutionsführer Che Guevara gewidmet. Das Original war erst wenige Wochen zuvor mit Haden und Ornette Coleman auf dem Album „Crisis“ aufgenommen worden. Das Stück wurde geradezu berüchtigt, als Haden es 1971 in Portugal mit Ornette Coleman spielte, damals ein faschistischer Staat, und er das Stück den Freiheitskämpfern widmete. Die Polizei verhaftete ihn, verhörte ihn und eskortierte ihn zum Flughafen. Auf dem Album wird die Tiefe, Eindringlichkeit und stille Würde von Hadens tief empfundener Hymne schließlich von Dewey Redman und Don Cherry aufgegriffen.
In „Circus ‚68 ‘69“ wurden die Musiker in zwei Gruppen aufgeteilt, um darzustellen, was 1968 auf dem demokratischen Parteitag geschah, als die Delegierten, die „We Shall Overcome“ sangen, vom Orchester des Parteitags übertönt wurden, das auf Anweisung des Vorsitzenden des Parteitags konventionellere Lieder spielen sollte: „You’re a Grand Old Flag“ und „Happy Days Are Here Again“.
Der offenkundig politische Inhalt des Albums gefiel den höheren Rängen der Eigentümer von Impulse/ABC, nicht, und das Album erhielt bei der Erstveröffentlichung nicht viel Werbung. In den darauffolgenden Jahren wurde das Orchester neu formiert, weil Haden der Meinung war, dass Protest nötig war. Das letzte Album „Time/Life“ wurde in der Zeit vor Hadens Tod aufgenommen und hatte die Zerstörung der Umwelt zum Thema. Charlie Haden starb im Jahr 2014.
Es ist interessant, darüber zu spekulieren, was Haden als Reaktion auf den Krieg in der Ukraine geschaffen hätte. Haden schrieb über das Originalalbum: „Die Musik auf diesem Album ist der Schaffung einer besseren Welt gewidmet, einer Welt ohne Krieg und Töten, ohne Armut und Ausbeutung, einer Welt, in der alle Regierungen die Bedeutung des Lebens erkennen und danach streben, es zu schützen, anstatt es zu zerstören. Wir hoffen auf eine neue Gesellschaft der Erleuchtung und Weisheit, in der kreatives Denken die dominierende Kraft im Leben aller Menschen wird.„
Der 2011 verstorbene Sänger, Songwriter, Musiker, Romanautor, Dichter und Aktivist war wohl einer der einflussreichsten Künstler, die seit den 1960er Jahren auf den Musikmarkt kamen.
Malik Al Nasir, Dichter, Musiker und Aktivist, der früher unter dem Namen Mark Watson bekannt war, hat in seinen Memoiren „Letters To Gil“ eine ganz besondere Geschichte zu erzählen. Im Wesentlichen handelt es sich um eine erweiterte Fassung eines Nachrufs, der ursprünglich im Guardian erschien.
Im Alter von neun Jahren wurde Al Nasir in Pflege genommen, als sein Vater nach einem Schlaganfall gelähmt war. Der erste Teil des Buches ist ein bewegendes, düsteres Porträt von Liverpooler Pflegeheimen in den späten 1970er und 1980er Jahren, einem System, das sich in den meisten Fällen als missbräuchlich, rassistisch, vernachlässigend und ausbeuterisch erwies (einige Gerichtsverfahren dauern bis heute an). Dies ist die Situation, die zu den Toxteth-Unruhen im Sommer 1981 führte, in großem Maßstab.
Doch 1984 ändert sich das Leben von Al Nasir im Alter von 18 Jahren völlig, als er in eine Aufführung von Scott-Heron im Liverpooler Royal Court gerät und seinem Helden begegnet.
Von da an werden die beiden gute Freunde, und Scott-Heron wird sein Mentor, der ihn über das Musikgeschäft und die Geschichte der Schwarzen unterrichtet und seine Gedichte liest und kritisiert (obwohl Al Nasir bei ihrer ersten Begegnung praktisch Analphabet ist). Al Nasir begleitet Scott-Heron auch auf mehreren Tourneen und wird zu seinem Vertrauten und Assistenten, und die spannendsten Abschnitte des Buches befassen sich mit den Erlebnissen des Reisens an der Seite eines Weltklassemusikers. Später gibt es einen bewegenden Abschnitt, in dem Al Nasir Scott-Heron während einer sehr dunklen Zeit in dessen Zeit im Gefängnis besucht, und wir erfahren viele Details über Gils traurigen Tod und die verschiedenen herzlichen Huldigungen, die danach entstanden sind.
„Letters To Gil“ ist ein Muss für jeden, der sich auch nur im Geringsten für Scott-Herons Werk und seine Beziehung zu der anderen wichtigen Proto-Rap-Band The Last Poets (mit der Al Nasir ebenfalls befreundet war und zusammenarbeitete) interessiert.
Aber es gibt auch Probleme mit dem Buch: Manchmal fehlt es an Selbsterkenntnis/Reflexion, was vielleicht ein Stilmittel zu sein scheint denn ein absichtliches Ausweichen. Es hätte auch von einem strengeren Lektorat/Korrektorat profitiert – es gibt viele Wiederholungen. Es ist schade, dass mehrere schöne Fotos, die im Guardian-Artikel enthalten sind, hier fehlen. Es muss auch gesagt werden, dass Al Nasirs Poesie, die über das ganze Buch verstreut ist, trotz ihrer kraftvollen Botschaft viel zu wünschen übriglässt.
Vielleicht ist es bezeichnend, dass die bewegendsten Worte des Buches nicht von Al Nasir, sondern von Scott-Heron selbst stammen. Er sprach über das Mantra, das ihm seine Großmutter beigebracht hatte, und fasste dann seine Erfahrungen mit der Betreuung von Al Nasir zusammen:
Wenn du jemandem helfen kannst, warum tust du es nicht? Nimm die Gelegenheit wahr, ergreife die Chance, die du ihnen bietest, und werde ein vollwertiger Erwachsener, ein Künstler, ein Gentleman, ein Vater, ein Ehemann und ein Bruder des Friedens und der Großzügigkeit. Du hast das Gefühl, dass die Geister dich auf besondere Weise berührt haben, weil sie einen deiner Träume erfüllt gesehen haben.
