Und der will „Kanzler aller Deutschen“ sein – ein vielfacher Millionär, der als Jurist und Lobbyberater für die großen Konzerne gearbeitet hat?
CORRECTIV hat zu seinen beruflichen Aktivitäten recherchiert und hätte gerne von Merz erfahren, wie er mit Interessenkonflikten umgeht, und wie er seine Nähe zu einflussreichen Lobbygruppen bewertet. Aber die Fragen von CORRECTIV lässt er unbeantwortet – trotz mehrerer Nachfragen.
Der Politikwissenschaftler und Lobbyismusexperte von der Universität Duisburg-Essen, Maximilian Schiffers, sieht einen schwierigen Rollenwechsel für Merz. „Als Unternehmensanwalt muss er den Gewinn maximieren und Einzelinteressen vertreten – als Kanzler das Gemeinwohl im Blick haben.“ Schon der Anschein, persönliche Vorlieben und Kontakte könnten ihn beeinflussen, könnte ihm politisch schaden. Immerhin arbeitete er 16 Jahre als Anwalt für Großkonzerne und saß in mindestens 15 Aufsichts- und Verwaltungsräten. „Seine Biografie bietet eine Angriffsfläche“, so Schiffers.
Teil seiner beruflichen Biografie gehört u.a., dass Merz die Berliner Kanzlei von Mayer Brown geleitet hat. Diese verteidigte 2015, zu Merz’ Zeit in der Kanzlei, Volkswagen gegen die Ansprüche der Autofahrer im Dieselskandal. Heute, so schreibt Mayer Brown auf ihrer Homepage, „ruht seine Anwaltszulassung bis auf weiteres und damit auch die Tätigkeit bei Mayer Brown.“ Schon vor seinem Antritt bei Mayer Brown hatte Merz enge Verbindungen zu BASF.
Nach dem Jurastudium und einer kurzen Zeit als Richter startete er seine Karriere als Referent beim Verband der chemischen Industrie (VCI) – in dessen Präsidium BASF stets vertreten ist. Mayer Brown vertritt als Kanzlei BASF, den umsatzstärksten Chemiekonzern der Welt. Blackrock, dessen Aufsichtsratsvorsitzender Merz war, ist der größte Investor bei dem Chemieriesen. Und fast ein Jahrzehnt war Merz Verwaltungsrat bei BASF Antwerpen.
Insbesondere gilt dies für die Chemiebranche. Bei heiklen Konflikten zieht BASF die Anwälte der Firma Mayer Brown hinzu: Die Kanzlei verhandelte vor dem US-Supreme Court einen der weltgrößten Handelsstreits über Preisabsprachen bei Vitaminpräparaten. Ebenso verteidigte sie BASFs milliardenschwere Lizenzen für ein sibirisches Ölfeld. Mittlerweile ist der Ludwigshafener Chemieriese selbst in Gremien der Kanzlei vertreten.
Merz müsste also als Kanzler seinen früheren Auftraggeber BASF kontrollieren und gegebenenfalls einschränken – schließlich geht es um eine Branche mit oft umwelt- und gesundheitsschädlichen Produkten wie Pestiziden, Plastik und PVC. Zudem nutzt BASF in Deutschland mehr Wasser als alle anderen Industrien – ein politisch brisantes Thema, wenn in Dürrezeiten über Wasserlimits für die Industrie diskutiert wird. Auch hierzu antwortet Merz auf Anfrage von CORRECTIV nicht.
Wenn er sich öffentlich zur Wirtschaftspolitik äußert, klingen seine Worte in vielen Fällen wie vom Chemieverband VCI vorformuliert: Der Ruf nach einem „Belastungsmoratorium“ für Unternehmen, der Kampf gegen das „Bürokratiemonster“ und ein Abbau der „Berichtspflichten“ für die Wirtschaft – Merz und seine frühere Arbeitgeberin, die chemische Industrie, stimmen erstaunlich oft überein, sogar in der exakten Wortwahl.
Quelle: corrective.org
Quelle: corrective.org
Wer mehr über das Lobby-Netzwerk von Friedrich Merz erfahren möchte, kann dieses bei CORRECTIVE tun.
1935 in den USA ein aufsehenerregender Bestseller, heute wieder eine Sensation und aktuell wie selten zuvor. Es ist eine mahnende Geschichte über den Aufstieg des Faschismus in den Vereinigten Staaten.
Sinclair Lewis wusste durch seine Frau Dorothy Thompson, Auslandskorrespondentin in Berlin, über den Aufstieg der Nazis Bescheid. In den USA beobachtete er, wie die Populisten nach Wirtschaftskrise und Sozialreformen des New Deal immer weiter an Einfluss gewannen. Der radikale Senator Huey Long versuchte Präsident Roosevelt aus dem Amt zu drängen, bevor Long 1935 einem Attentat zum Opfer fiel. Lewis diente er als Vorbild für den fanatischen Verführer Buzz Windrip in seinem Roman.
Buzz Windrip, für seine Gegner ein „ungebildeter Lügner mit idiotischer Weltanschauung“ und ein gefährlicher Populist, will Präsidentschaftskandidat werden. Er gibt vor, sich für die kleinen Leute einzusetzen, und verspricht, „aus Amerika wieder ein stolzes Land zu machen“. Trotz völlig unglaubwürdiger Versprechen laufen ihm die Wähler zu, und er zieht ins Weiße Haus ein. Sogleich regiert er wie ein absolutistischer Herrscher, beschneidet die Freiheiten der Minderheiten, legt sich mit Mexiko an und lässt seine Kritiker rabiat verfolgen. Einer davon ist der liberale Zeitungsherausgeber Doremus Jessup, der sich nicht mundtot machen lassen will.
Sinclair Lewis’ Roman aus dem Jahr 1935 führt einen Antihelden vor, der mit seinen Hetzreden die Begeisterung unzufriedener Wähler entfacht. Durch seine Lügen und eine Rhetorik des Populismus und der Ressentiments wird er Präsident der Vereinigten Staaten. Das klingt vertraut, oder?
Lewis‘ Roman bekommt „eine neue Aktualität, weil es so prophetisch wirkt: der Gauner mit dem aufwendigen Namen Berzelius Windrip, der seinen Wählern Lohn und Brot verspricht, Einkommensbeschränkungen für Reiche, aber eine Prämie von fünftausend Dollar für jeden Mitmacher, dieser politische Gauner liest sich heute wie eine Vorahnung des gnadenlosen Populisten Donald Trump. […] So schlecht Vorhersagen von Journalisten und Schriftstellern sonst sind, hier ist dem kleinen Meister Lewis ein großes visionäres Irrsinnsgemälde voller Wahrhaftigkeit gelungen. (Willi Winkler in der SZ)
„Eine unheimliche Vorwegnahme der aktuellen Ereignisse.“ The Guardian „Ein Populist im Weißen Haus? Literaturnobelpreisträger Sinclair Lewis hat es vor 80 Jahren durchgespielt.“ DIE ZEIT „Sinclair Lewis ist wieder aktuell.“ der Freitag „Ein Meister des absoluten Realismus.“ Bob Dylan
422 Seiten, Aufbau Taschenbuch Verlag, Berlin in der Übersetzung von Hans Meisel, mit einem Nachwort von Jan Brandt.
Das 1968 geschriebene und 1972 überarbeitete „Awopbopaloobop Alopbamboom“ war das erste Buch, das die Sprache und die ursprüngliche Essenz des Rock ’n‘ Roll feierte. Aber es war noch viel mehr als das. Es war eine überzeugende Geschichte einer widerspenstigen Ära, vom Aufstieg von Bill Haley bis zum Tod von Jimi Hendrix.
Und während er unerhörte Geschichten erzählte, die Musik anschaulich beschrieb und den Hype durchbrach, begründete Nik Cohn eine neue literarische Form: die Rockkritik. Im Gefolge seines Buches hat sich die Rockkritik zu einer regelrechten Industrie entwickelt, und die Welt der Musik ist nicht mehr dieselbe.
Nik Cohns Reportage von der Rockfront ist mehr als 55 Jahre alt (der Autor geht auf die 80 zu) und ist immer noch so wild wie damals, als er 1969 auf die Szene stürmte. Seitdem sind viele skandinavische Wälder abgeholzt worden, um die Pop-Revolution zu beschreiben. Namen wie Greil Marcus, Philip Norman und Jon Savage drängeln sich an der Spitze eines überfüllten Feldes um Aufmerksamkeit, aber Nik Cohn war der erste. Keiner hatte das Thema so ernst genommen wie er. Auf 250 Seiten wurde eine neue Form der Rockkritik vorgestellt.
Dies war eine neue Art des kritischen Diskurses, eine mit jugendlicher Intensität. „Vom ersten Hauch von Tutti Frutti an“, schreibt Cohn, “hatte mich der Rock’n’Roll mit Leib und Seele in Besitz genommen.“ Von 1956 bis 1968 berichtete er über den „ersten verrückten Rausch“ eines Phänomens, das sich schließlich in Disco, Heavy Metal, Grunge, Glam, Techno, Punk und viele bizarre Subgenres verwandeln sollte.
Zunächst schrieb Cohn als Freiberufler, der durch die Straßen von Soho streifte, und später für das supercoole Magazin Queen. Schließlich bekam er einen Job für den Observer. Der berühmte Plattenproduzent (und Manager von The Who) Kit Lambert erinnert sich, dass Cohn „um 1963“ als „dünner junger Mann – er sah aus wie 14 – in sorgfältig verschmutzten Turnschuhen“ auftauchte. Cohns Ansatz war perfekt auf sein Thema abgestimmt. Er schreibt: „Rock in den späten 60er Jahren war noch eine spontane Entzündung. Niemand kümmerte sich um langfristige Strategien; an ein Durchhalten war nicht zu denken, sobald der Nervenkitzel vorbei war. Wenn mir damals jemand gesagt hätte, dass die Stones oder die Who in mehr als 30 Jahren noch auf den Brettern stehen würden, hätte ich ihn für verrückt gehalten.“
Cohn, der Sohn des Historikers Norman Cohn, Autor des Kultklassikers „The Pursuit of the Millennium“, wuchs in Irland auf, floh aber 1963 nach London, „dem Jahr, in dem die Beatles den Durchbruch schafften und sich das Klima von Tag zu Tag zu ändern schien“. Der großstädtische Konsumrausch, an dem er teilhatte, beschränkte sich nicht auf den Rock’n’Roll. Er schreibt, dass „Zeitungsredakteure, Buchverleger, Modemagazine und Filmfinanziers alle vom gleichen Fieber erfasst wurden. Fast über Nacht war es der heißeste Job, ein degenerierter Teenager zu sein“.
Als er 22 war, waren diese berauschenden Tage vorbei. „Noch während ich den Moment auskostete“, erinnert sich Cohn, “waren Rock und Pop bereits im Wandel. Die Welt, die ich kannte und genoss, war im Grunde genommen ein verbotenes Gewerbe, bevölkert von Abenteurern, Schlangenölverkäufern und inspirierten Verrückten. Aber ihre Zeit war fast vorbei. Die Szene wurde immer industrieller. Buchhalter und Bonzen verdrängten die wilden Männer. Schon bald war der Rock „nur noch ein weiterer Wirtschaftszweig, nicht mehr oder weniger exotisch als Autos oder Waschmittel“.
1968 nahm er den Vorschuss eines Verlegers an und verschanzte sich sieben Wochen lang in Connemara, um den ersten Entwurf zu schreiben.
Mein Ziel war ganz einfach: das Gefühl, den Puls des Rock einzufangen, wie ich ihn vorgefunden hatte. Meines Wissens hatte noch nie jemand ein ernsthaftes Buch über dieses Thema geschrieben, ich hatte also keine Vorläufer, die mich daran hindern konnten. Ich hatte auch keine Nachschlagewerke oder Nachforschungen zur Hand. Ich schrieb einfach aus dem Stegreif, was immer und wie immer der Geist mich bewegte. Genauigkeit schien mir nicht von größter Bedeutung zu sein (und das Buch ist im Ergebnis ein Morast von sachlichen Fehlern). Was ich wollte, waren Mut, Blitzlicht, Energie und Schnelligkeit. Das waren die Dinge, die ich an der Musik schätzte. Das waren die Dinge, die ich zu reflektieren versuchte, als ich ging.
„Awopbop… “ war das Ergebnis: subjektiv, widerspenstig und ungewollt endgültig. Die Fragen nach gut und/oder schlecht waren nachträglich und zufällig gestellt. Cohn verarbeitete Erinnerungen und Eindrücke. „Hatte Dions „Ruby Baby“ einen ästhetischen Wert?“, fragt er. „Wen interessierte das? Was es hatte, war schmutzige Magie – der undeutliche, sexbesoffene Gesang, diese chaotischen Handclaps, das ganze glorreiche, ungemachte Bett.“
Von Bill Haley bis Jimi Hendrix spannt Cohn den Bogen des Rock’n’Roll, mit Kapiteln über Elvis Presley, The Twist, Phil Spector, die Beatles, die Rolling Stones, The Who, Bob Dylan und sogar die Monkees. „Ich habe über den Aufstieg und Fall von Superpop, die Lärmmaschine, das Image, den Hype und den schönen Schein der Rock’n’Roll-Musik geschrieben“, resümiert er. „Elvis, der auf seinem goldenen Cadillac fährt, James Brown, der sich in einem Anfall seiner Robe entledigt, Pete Townshend, der sein Publikum mit seiner Maschinengewehrgitarre abschlachtet, Mick Jagger, der an seinem Mikrofon hängt wie Tarzan Weissmüller im Dschungel, PJ Proby – all die heroischen Taten des Stoffs“.
1972 hat er sein Buch überarbeitet. In seinen „nachträglichen Überlegungen“ schreibt Cohn:
Ich habe weder den roten Faden des Buches verfälscht, noch habe ich versucht, meine Fehler zu kaschieren.
Das bedeutet, dass vor allem eine große Fehleinschätzung immer noch besteht. Ich war davon ausgegangen, dass der progressive Pop zu einem Minderheitenkult schrumpfen würde, und das ist nicht der Fall. Nun, in England lag ich nicht ganz falsch, denn das Interesse der Teenager war seit der Euphorie Mitte der sechziger Jahre stark zurückgegangen, und neue „schwere“ Künstler verkaufen sich kaum halb so gut wie die frühen Beatles oder Rolling Stones. Aber in Amerika habe ich völlig versagt – die Woodstock-Nation ist weiter gewachsen […] aber das Geld, der Hype und die Hysterie, die damit verbunden sind, sind immer noch dieselben.
Pop lebt nun eben doch. Trotzdem habe ich mich weiter von ihm entfernt, und zwar aus denselben Gründen, die ich schon vor drei Jahren genannt habe – die neue Feierlichkeit und Frömmigkeit, die sofortige Akzeptanz von Pisspottbarden als Messiasse, der Verlust von Energie, Ehrlichkeit und Humor, all die Dinge, die ihn ursprünglich so unwiderstehlich machten. Mehr und mehr habe ich mich in die Vergangenheit zurückgezogen und bin in den Rock ’n‘ Roll der fünfziger Jahre eingetaucht.[…]
Es ist nichts geschehen, was mich dazu veranlasst hätte, das zentrale Urteil von vor drei Jahren zu revidieren. Ich bin nach wie vor der Meinung, dass der Rock seine besten Momente erlebt hat, und zwar alle, und wenn ich auf meine erste Ausgabe zurückblicke, bedaure ich nicht, dass ich das Neue zu sehr missbraucht habe, sondern dass ich dem Alten nicht liebevoll genug begegnet bin.
Quellen: The Guardian | Nik Cohn: Awopbopaloobop Alopbamboom. The Golden Age Of Rock, Reprint 1996
Vor 55 Jahren wurde das legendäre Live-Album veröffentlicht. Es ist und bleibt eines der besten der Gruppe.
„Live at Leeds” ist das erste Live-Album von The Who. Es wurde am 14. Februar 1970 in der Mensa der Universität von Leeds aufgenommen und ist ihr einziges Live-Album, das veröffentlicht wurde, als die Gruppe noch aktiv Aufnahmen und Auftritte in ihrer bekanntesten Besetzung mit Roger Daltrey, Pete Townshend, John Entwistle und Keith Moon absolvierte.
The Who suchten nach einer Möglichkeit, an ihr 1969 erschienenes Album „Tommy“ anzuknüpfen, und hatten mehrere Shows auf Tourneen zur Unterstützung dieses Albums aufgenommen, aber der Sound gefiel ihnen nicht. Daher buchten sie die Show in der Universität von Leeds und die Show in der Hull City Hall am folgenden Tag, um ein Live-Album aufzunehmen. Sechs Songs wurden von der Show in Leeds genommen, und das Cover wurde so gepresst, dass es wie eine Bootleg-Aufnahme aussah. Der Sound unterschied sich deutlich von „Tommy“ und enthielt Hardrock-Arrangements, die typisch für die Live-Shows der Band waren. Das Album wurde am 11. Mai 1970 in den USA und im Vereinigten Königreich veröffentlicht. Es wurde mehrfach und in verschiedenen Formaten neu aufgelegt. Seit seiner Veröffentlichung wurde „Live at Leeds“ von mehreren Musikkritikern als die beste Live-Rock-Aufnahme aller Zeiten eingestuft.
„Live at Leeds“ wurde 1970 in aller Eile veröffentlicht, um die Zeit zu überbrücken, in der The Who an ihrem Nachfolger von „Tommy“ arbeiteten. „Live at Leeds“ sollte nicht das endgültige Live-Album der Who werden, und viele Sammler behaupten, dass die Band bessere Shows auf Bootlegs zur Verfügung hatte. Aber diese Shows waren nicht leicht erhältlich, während „Live at Leeds“ es war, und selbst wenn diese Show nicht die absolut beste war, so ist sie doch so nah dran. In dieser Hinsicht war diese Aufnahme – in ihren vielen verschiedenen Formen – vielleicht genau zum richtigen Zeitpunkt aufgenommen worden, um die Band in einem entscheidenden Moment ihrer Geschichte festzuhalten.
Es gibt sicherlich keine bessere Platte, die zeigt, dass diese Band auf der Bühne ein Vulkan der Gewalt war, der am Rande des Chaos schwankte, aber nie explodierte. Das galt vor allem für die Original-LP, die nur sechs Titel enthielt, davon drei Coverversionen („Young Man Blues“, „Summertime Blues“, „Shakin‘ All Over“) und drei Originale aus der Mitte der 60er Jahre, von denen zwei („Substitute“, „My Generation“) zum alten Repertoire der Band gehörten und nur „Magic Bus“ so etwas wie ein neueres Original darstellte, wobei keines eine Spur ihrer Mod-Wurzeln trug. Das war pure Power, die durch ihre Kürze noch besser zur Geltung kam; in den 70er Jahren galt das Album als einer der Goldstandards im Live-Rock’n’Roll, und es hatte mit Sicherheit eine Wut, die kein richtiges Who-Studioalbum erreichte. Es war auch bemerkenswert, weil es eines der ersten legitimen Alben war, das die Existenz von Bootleg-LPs implizit anerkannte – und sich damit auseinandersetzte. In der Tat verdankte es seine Existenz den Bemühungen von Pete Townshend und Co.
The Who hatten während ihrer Tournee 1969 umfangreiche Aufnahmen von Auftritten gemacht, mit der Absicht, aus diesem Material ein Live-Album zu machen, aber sie erkannten, als die Tournee vorbei war, dass keiner von ihnen die Zeit oder die Geduld hatte, die vielen Dutzend Stunden an Live-Auftritten durchzugehen, um auszusortieren, was für das geplante Album verwendet werden sollte. Einem Bericht zufolge zerstörte die Band diese Bänder in einem riesigen Lagerfeuer, damit nichts von dem Material jemals ohne Erlaubnis auftauchen würde.
Sie beschlossen dann, bei der Vorbereitung eines Live-Albums zum anderen Extrem überzugehen, indem sie dieses Konzert in der Universität von Leeds ansetzten und die Aufnahmen arrangierten, entschlossen, bei diesem einen Auftritt genug zu tun, was sich lohnte. Wie sich herausstellte, haben sie sogar hier einen gewissen Reichtum geschaffen – die Band spielte das gesamte „Tommy“, wie es das Publikum damals erwartet (und in der Tat gefordert) hätte, aber da die Oper sich bereits wie ein Albatros anfühlte, der um den kollektiven Hals der Band (und insbesondere Townshend) hing, entschieden sie sich, abgesehen von ein paar instrumentalen Einsprengseln in einem der Jams, keinen Teil ihres berühmtesten Werks zu verwenden. Stattdessen beschränkte sich die Original-LP auf die sechs genannten Titel.
Und die Fans, die die LP kauften, bekamen ein Paket mit zusätzlichen Leckerbissen für ihr Geld. Die schlichte braune Hülle des Albums war an sich schon ein Wink mit dem Zaunpfahl an die Raubkopierer, denn sie erinnerte an die Verpackungen von so frühen Underground-LP-Klassikern wie dem Bob Dylan „Great White Wonder“-Set und dem Rolling Stones-Konzert-Bootleg „Liver Than You’ll Ever Be“ von der Tournee der letzteren Gruppe im Jahr 1969 – und es war ein Zeichen dafür, wie weit die Who in nur zwei Jahren gekommen waren, dass sie das Interesse an ihrer Arbeit möglicherweise (und zu Recht) mit dem von Dylan und den Stones gleichsetzen konnten.
Aber die Hülle von „Live at Leeds“ war eine ausklappbare Hülle mit einer Tasche, die ein Paket mit Erinnerungsstücken an die Band enthielt, darunter ein wirklich cooles Poster, Kopien früher Verträge usw. Zusammen mit „Tommy“ war es die erste wirklich gute Verpackung für diese Band, die jemals von Decca Records kam; das Label verzichtete sogar auf das Regenbogenlogo und setzte auf die Bootleg-Pose mit dem schlichten Etikett und den handgeschriebenen Songtiteln sowie dem Hinweis, die Klicks und Knackser nicht zu korrigieren. Damals kaufte man es nur als Fan, aber wenn man 30 oder 40 Jahre später zurückblickt, scheinen diese Tage für die Band (und für die Fans, die sie jahrelang unterstützt hatten) ruhig und berauschend gewesen zu sein, als die Musikwelt und Millionen von Zuhörern endlich aufholten.
Live at Leeds wurde von The Daily Telegraph, The Independent, der BBC, dem Q Magazine und dem Rolling Stone als die beste Live-Rock-Aufnahme aller Zeiten bezeichnet. 2003 wurde es auf Platz 170 der Rolling Stone-Liste der 500 besten Alben aller Zeiten eingestuft, in einer überarbeiteten Liste von 2012 blieb es auf diesem Platz, 2020 fiel es auf Platz 327. In einer Rolling Stone-Leserumfrage von 2012 wurde es als bestes Live-Album aller Zeiten eingestuft.
Eine blaue Gedenktafel wurde am Aufnahmeort, dem University of Leeds Refectory, angebracht. Am 17. Juni 2006, mehr als 36 Jahre nach dem ursprünglichen Konzert, traten The Who erneut im Refectory auf, und zwar bei einem von Andy Kershaw organisierten Konzert. Kershaw lobte das Konzert als „eines der großartigsten, das ich je gesehen habe“.
„Selbst heute noch klingt Live at Leeds so lebendig“, bemerkte Rush-Bassist Geddy Lee. „Es ist ein echtes Stück aus dieser Zeit des Rock. Es ist wie ein Bootleg: das Artwork, der Ton… Es war roh.“
Die CDU will der AfD wichtige Leitungspositionen im Bundestag überlassen. Wenn die rechtsextreme Partei den Vorsitz von Ausschüssen bekommt, könnte sie wesentliche Abläufe im Parlament sabotieren und die Demokratie so von innen aushöhlen.
Die AfD-Abgeordneten könnten diese wichtigen Posten ausnutzen, um die Arbeit der Ausschüsse zu behindern, zu blockieren oder sogar gezielt zu sabotieren. Beispiele aus der Vergangenheit zeigen deutlich, wie die AfD parlamentarische Machtpositionen gezielt nutzt, um unsere Demokratie zu sabotieren:
Der AfD-Abgeordnete Stephan Brandner wurde 2018 zum Vorsitzenden des Rechtsausschusses gewählt. Während seiner Amtszeit sorgte Brandner für Skandale und Chaos im Ausschuss, provozierte mit verbalen Entgleisungen und blieb den Sitzungen oft fern. Immer wieder fiel er durch antisemitische und rassistische Äußerungen auf. 2019 wählten die Mitglieder des Rechtsausschusses Brandner als Vorsitzenden wieder ab – ein bisher einmaliger Vorgang.
Der AfD-Alterspräsident Jürgen Treutler legte 2024 den Thüringer Landtag lahm, indem er trotz wiederholter Aufforderungen aller Fraktionen nicht über die Anträge anderer Parteien abstimmen ließ. Die Sitzung des Landtags musste ergebnislos abgebrochen werden. Erst ein Urteil des Thüringer Verfassungsgerichts konnte die Blockade beenden.
Die AfD wird in mehreren Bundesländern vom Verfassungsschutz als rechtsextrem eingestuft. Ihre politischen Ziele stehen den Grundwerten der Demokratie entgegen. Viele AfD-Vertreter*innen verbreiten Verschwörungsmythen und behindern parlamentarische Abläufe, um so das Vertrauen in demokratische Institutionen zu untergraben.
Kai Strauss (* 15. Mai 1970) ist ein deutscher Electric-Blues-Sänger, -Gitarrist und -Songwriter, mehrfacher Preisträger des German Blues Award und tourt regelmäßig mit seiner Band Kai Strauss & The Electric Blues All Stars, mit der er seit 2014 sieben Alben veröffentlicht hat.
In der Welt des modernen Blues gibt es nur wenige Künstler, die den zeitlosen Geist des Genres so gut verkörpern wie Kai Strauss. Als Fackelträger des authentischen elektrischen Blues hat Strauss Jahrzehnte damit verbracht, sein Handwerk zu verfeinern, indem er sehenswerte Gitarrenarbeit mit gefühlvollem Gesang und einer unbestreitbaren Bühnenpräsenz vermischt. Ob er nun die düstere Essenz des Chicago-Blues kanalisiert oder seine eigenen deutschen Wurzeln in die Musik einfließen lässt, Strauss hat sich einen Ruf als engagierter Musiker erworben, der Tradition und Innovation miteinander verbindet.
EIN JUGENDLICHER FUNKE Der 1970 geborene Strauss entdeckte seine Leidenschaft für die Musik während seiner Teenagerjahre in den 1980er Jahren, als Musiker als moderne Superhelden verehrt wurden. „Ich glaube, deshalb wollte ich auch einer werden“, sagt Strauss lachend und gibt zu, dass er später feststellte, dass der Superheldenglamour das Musikerleben nicht ganz widerspiegelt. Dennoch ist er zutiefst zufrieden: „Ich bin glücklich. Es ist ein gutes Leben. Ich tue das, was ich gerne tue.“ Seine erste Begegnung mit der Gitarre hatte er im Alter von 11 Jahren, als er mit einfachen Stücken auf einer nylonsaitigen akustischen Gitarre begann. Strauss erinnert sich gern: „Es waren nur Kinderlieder und später etwas Cat Stevens. Wir haben einfach drauflosgeklimpert.“
Obwohl er nicht aus einer musikalischen Familie stammt, schreibt er seiner Mutter zu, dass sie seine frühe Liebe zur Musik förderte. „Sie liebte es zu tanzen und Musik zu genießen, und ihr Enthusiasmus hinterließ einen bleibenden Eindruck“.
ENTDECKUNG DES BLUES Formeller Unterricht an einer örtlichen Musikschule legte den Grundstein für Strauss‘ frühe Fähigkeiten. Als er Mitte zwanzig war, entdeckte er den Blues für sich, angetrieben von seiner Faszination für Stevie Ray Vaughan und Muddy Waters. „Ich war nicht der beste Schüler; alles, was ich lernen wollte, war, wie Stevie Ray oder Muddy zu spielen.“ Einen großen Teil seiner Ausbildung erhielt er durch Selbstunterricht, Jammen mit lokalen Musikern und das Studieren von Platten. „Ich war nicht an Jazz-Akkorden oder Rocksongs interessiert, ich wollte einfach nur diese klassischen Blues-Riffs lernen.“
AUFBAU EINER KARRIERE Mit 17 Jahren schloss sich Strauss seiner ersten Band unter einem lokalen Musiker namens Martin an. Sie spielten eine Mischung aus Bluesrock, Hendrix-Covern und eigenen Songs. „Martin holte mich zu den Proben ab, weil ich noch nicht einmal einen Führerschein hatte.“ Ein Jahr später gründete Strauss seine eigene Band, um einen traditionelleren Blues-Sound zu erforschen.
In den späten 1980er und frühen 1990er Jahren nahm Strauss regelmäßig an einer wöchentlichen Bluesjam-Session in Osnabrück teil, einer Stadt in der Nähe seiner Heimatstadt. „Es war fantastisch, damals gab es noch kein Internet, und so lernte ich bei diesen Jams eine ganze Welt des Blues kennen, Spieler wie Pee Wee Crayton, Ronnie Earl und Gatemouth Brown.“ Die Osnabrücker Szene bot Strauss auch die Möglichkeit, sein Können zu verfeinern und Bühnenerfahrung zu sammeln.
DIE DEUTSCHE BLUES-SZENE DAMALS UND HEUTE „Damals gab es mehr Clubs, es war einfacher, unter der Woche zu spielen. Jetzt spielt man hauptsächlich an den Wochenenden.“ Trotz der sich verändernden Landschaft erinnert er sich gerne an die unterstützende Gemeinschaft von Musikern und Veranstaltungsorten, die ihm geholfen haben, zu wachsen. Durch seine Hingabe und seine tiefe Liebe zu diesem Genre ist Kai Strauss zu einem der besten Bluesgitarristen Europas geworden.
DIE BESTE BERATUNG UND EINFLÜSSE AUF DEM WEG Im Laufe seiner musikalischen Karriere hat Kai Strauss viel von seinen Mitmenschen gelernt. Auf die Frage nach dem besten Ratschlag, den er erhalten hat, nennt Strauss keine einzelne Weisheit, sondern verweist auf den nachhaltigen Einfluss seiner Zusammenarbeit, insbesondere mit Memo Gonzalez.
„15 Jahre lang mit Memo zu spielen, war unglaublich wichtig für meine Entwicklung als Musiker und Bühnenkünstler. Er hat mir beigebracht, wie man mit Selbstvertrauen auf die Bühne geht und es wirklich ‚drauf anlegt‘. Außerdem glaube ich nicht, dass ich ohne die Jamsessions, an denen ich teilgenommen habe, ein professioneller Musiker wäre“, gibt er zu. Auf humorvolle Weise meint er, dass der einzige Ratschlag, den er gerne früher erhalten hätte, darin bestand, „Geld für die Zukunft zu sparen“, was seiner Meinung nach für den weiteren Verlauf seiner Karriere hilfreich gewesen wäre.
WAS DER BLUES FÜR KAI STRAUSS BEDEUTET „Es ist die Musik, die ich liebe. Als ich in den 1980er Jahren in Deutschland aufwuchs, war Blues ein ungewöhnliches Genre für junge Leute“, aber Strauss war von Anfang an fasziniert. „Ich habe mich einfach in diese Musik verliebt, auch wenn es nicht die Musik war, die die meisten 13- oder 14-Jährigen hörten.“ Strauss hütet sich jedoch davor, das Genre übermäßig zu romantisieren. Er ist sich bewusst, dass er als Europäer, der in einem komfortablen Umfeld aufgewachsen ist, eine andere Beziehung zum Blues hat als seine Urheber. „Ich bin ein Gast in der Blueskultur, ich sehe mich eher als Fan, der für andere Fans spielt, und nicht als Blueser im traditionellen Sinne.“
DAS WECHSELNDE BLUES PUBLIKUM Heutzutage ist sein Publikum eher männlich und meist älter, ein Trend, den er mit dem Älterwerden sowohl der Musiker als auch ihrer Fangemeinde in Verbindung bringt. „Als ich anfing zu spielen, hatten wir jüngere Leute im Publikum, aber ich denke, das Publikum wird mit der Band älter. Auch wenn die Bluesszene im Moment nicht viele junge Zuhörer anzieht, werden mit zunehmendem Alter und den Herausforderungen des Lebens mehr Menschen die Tiefe der Musik zu schätzen wissen. Mit 18 kann man den Schmerz und den Herzschmerz in den Blues-Texten nicht wirklich nachempfinden, aber wenn man älter ist, treffen die Texte härter, und ich denke, dann entdecken die Leute den Blues“.
Obwohl Strauss mit dem Publikum, vor dem er spielt, zufrieden ist, sieht er die Herausforderung darin, jüngere Zuhörer zu gewinnen. „Es ist schwierig, junge Leute in die Clubs zu bekommen. Wenn sie erst einmal da sind, merken sie, dass es beim Blues nicht um alte Männer geht, die traurige Lieder spielen. Es kann eine tolle Zeit sein. Man muss durch Leid und Schmerz gehen, um Blues wirklich zu verstehen“, sagt er.
„Wenn man jung ist, denkt man, dass man unbesiegbar ist. Man will keine Musik hören, die von den Kämpfen des Lebens handelt. Aber wenn man älter wird, fangen die Texte an, nachzuhallen.“
DIE ENTSTEHUNG VON „WAILIN‘ IN VIENNA“ Für Kai Strauss geht es beim Musikmachen nicht nur darum, Gitarre zu spielen, sondern auch darum, sich mit den richtigen Leuten und Ideen zu verbinden und den richtigen Moment zu finden. Der Produktionsprozess für sein neues Album ist ein perfektes Beispiel dafür. Laut Strauss kam die Initialzündung für das Album von seinem langjährigen Mitarbeiter Dani Gugolz, einem in Österreich lebenden Schweizer Bassisten. „Dani hatte bereits einige Blues-Sessions in Wien produziert, und nach einer dieser Sessions erwähnte ich, dass ich eines Tages gerne ein traditionelles Blues-Album im Stil der 50er Jahre aufnehmen würde. Ein Jahr später rief Dani mich an und bot mir die perfekte Gelegenheit, ein viertägiges Zeitfenster in seinem Studio zu nutzen, um diesen Traum zu verwirklichen.„
Dieser kollaborative Geist bildete das Rückgrat der Entstehung des Albums. Da Dani einen Großteil der logistischen Aufgaben erledigte, konnte sich Strauss auf die Musik konzentrieren und begann mit einer Reihe von Originalsongs. Er hatte in Erwägung gezogen, einige Blues-Klassiker zu covern, stellte aber bald fest, dass er so viel eigenes Material schrieb, dass Covers überflüssig wurden. „Ich denke, das war eine gute Sache, denn so konnte ich den klassischen Blues-Sound auf meine eigene Art und Weise voll auskosten.„
EIN KLASSISCHER SOUND MIT EINEM MODERNEN ZWISCHENSTAND Eines der auffälligsten Elemente von „Wailin‘ In Vienna“ ist seine Authentizität. Das Album ist eine Liebeserklärung an die Blues-Ära der 50er Jahre, wobei Strauss auf seine Einflüsse zurückgreift, um etwas zu schaffen, das sich vertraut anfühlt, aber dennoch unverkennbar sein eigenes ist. Bei den Aufnahmen strebten Strauss und seine Band ein Live-Gefühl an. Sie nahmen die meisten Stücke in einem Heimstudio mit minimalen Overdubs auf, um die rohe, organische Energie einer Live-Performance einzufangen. Das Ergebnis ist unbestreitbar. Der Old-School-Sound des Albums ist unverkennbar, aber Strauss betont, dass er nicht die Absicht hat, die Vergangenheit zu imitieren. „Ich versuche nicht, BB King oder Muddy Waters nachzubilden; ich schreibe einfach in diesem Stil mit Respekt vor der Zeit.„
Um einen kohärenten Sound zu kreieren, mussten die richtigen Musiker herangezogen werden. Strauss wandte sich an Rusty Zinn, einen amerikanischen Gitarristen, mit dem er bereits bei anderen Sessions zusammengearbeitet hatte. Zinn, der für sein gefühlvolles Spiel und sein tiefes Blueswissen bekannt ist, war eine naheliegende Wahl. „Wir hatten von Anfang an eine großartige Stimmung“, sagt Strauss. Neben Zinn sind auf dem Album eine Reihe von talentierten Musikern aus der Wiener Bluesszene zu hören, mit denen Strauss schon früher zusammengearbeitet hat. Die Rhythmusgruppe wurde von Peter Muller, einem Schlagzeuger mit Heimstudio, ergänzt, und Strauss wurde auch von einem talentierten lokalen Pianisten unterstützt, was zu einer intimen, gemeinschaftlichen Aufnahmeumgebung führte. Der eigentliche Zauber entstand jedoch, als die Bläser hinzukamen. Die Bläser wurden in den USA überspielt und verliehen Titeln wie „Old Fashioned Daddy“ und „Let’s Have a Good Time“ einen Hauch von Vintage.
Strauss‘ Songwriting-Prozess ist sowohl einfach als auch sehr effektiv. „Es kann mit irgendetwas beginnen; einem Gitarrenriff, einer Melodie oder einfach einem Satz, der mir im Gedächtnis bleibt.“ Bei „Old Fashioned Daddy“ entstand der Titel aus einem Satz, der ihm in den Sinn kam, während er an einer Melodie arbeitete. Mit seinem Telefon nahm er eine einfache 12-taktige Shuffle auf und arbeitete im Geiste weiter an dem Song, während er alltägliche Aufgaben erledigte. Der Prozess ist organisch, und obwohl Strauss zugibt, dass seine Texte einfach sind, passen sie perfekt zur traditionellen Bluesform.
„Ich schreibe keine Bob-Dylan-Texte“, scherzt er, “aber die einfachen Texte über das tägliche Leben sind genau das, was diese Art von Musik braucht. Warum über etwas Modernes wie COVID singen, wenn man einen Blues im Stil der 50er Jahre schreibt?“
EIN AUSGEWOGENER ANSATZ ZUM BLUES Strauss‘ neuestes Album ist ein echtes Zeugnis für die Tiefe und Vielfalt des Blues, das den traditionellen Sound der 50er Jahre aufgreift und gleichzeitig fest in seiner eigenen Erfahrung verwurzelt ist. Das musikalische Können, der Geist der Zusammenarbeit und die unverfälschten Emotionen kommen in jedem Stück durch. Mit Blick auf die Zukunft ist Strauss nicht daran interessiert, sich in eine Schublade zu stecken.
„Der Blues ist so breit gefächert, es gibt alles zwischen den Achtzigern und den Neunzigern, und ich liebe alles davon. Aber ich möchte meine Einflüsse getrennt halten, es gibt keinen Grund, den Blues der Fünfziger mit einem modernen, funkigen Sound zu mischen. Alles hat seine Zeit und seinen Platz.“
Was die Zukunft angeht, hofft Strauss, das Album auf Tournee zu bringen, aber nur, wenn sich die richtige Gelegenheit ergibt. „Ich würde den modernen Stil meiner Band nicht mit diesem 50er-Jahre-Projekt vermischen wollen“, sagt er und deutet an, dass er bei Interesse der richtigen Veranstalter eine spezielle Tournee mit einigen der Musiker des Albums zusammenstellen könnte.
Für den Moment ist Strauss zufrieden mit dem Wissen, dass er die Art von Musik schafft, die er liebt, die in der Tradition verwurzelt ist und doch eindeutig seine eigene ist. Und mit „Wailin‘ In Vienna“ gibt er den Zuhörern einen neuen Blick auf die zeitlose Bluestradition, die immer noch fesselt und inspiriert.
EINE EUROPATOUR IN ARBEIT? Das Gespräch verlagert sich auf die Zukunftspläne, einschließlich einer möglichen Rückkehr nach Großbritannien. „Es ist immer schwierig, das finanziell zu stemmen“, gibt Strauss zu. „Vor COVID hatten wir eine gute Tour geplant, aber das hat natürlich alles verändert. Trotzdem haben wir einige tolle Gigs gespielt, wie das Festival in Carlisle. Das war ein Höhepunkt. Ansonsten steht im Moment nichts für Großbritannien auf dem Plan.“ Strauss bleibt jedoch optimistisch, was seine internationale Reichweite angeht. Er arbeitet derzeit daran, seine Präsenz über Deutschland hinaus zu erweitern, nachdem er bereits Agenten in Frankreich, den Niederlanden und anderen Teilen Europas gewonnen hat. „Es wird immer internationaler, aber langsam. Ich denke, es wäre einfacher, wenn ich einen amerikanischen Hintergrund hätte. Ein deutscher Pass macht die Dinge manchmal ein bisschen komplizierter“, sagt er. Trotz dieser Herausforderungen ist Strauss entschlossen, seine internationale Fangemeinde zu vergrößern, und er freut sich auf die Auftritte im nächsten Jahr. „Der Kalender füllt sich gut, und sogar für 2026 bekommen wir schon Buchungen aus Deutschland.“
Quelle: Blues Matters! Issue 144, December 2024 | übersetzt von zappalott
